LA CINEFILIA NO ES PATRIOTA

DEDICADO AL CINE PERUANO QUE AÚN NO EXISTE

Saturday, March 31, 2007

Otro corto peruano para discutir: CAPUCHA NEGRA


Capucha verde

Caperucita muda es realmente muy expresiva en la enésima (di)versión de este delicioso y al parecer inagotable cuento o mito. La protagonista transmite las dosis correctas de depresión, desamparo y melancolía, aunque su actuación no es muy pareja. Con el tratamiento musical se intenta (muy lógico) crear una atmósfera y un ritmo, lográndose más lo primero que lo segundo.

El corto pierde el rumbo, se alarga, aunque no se lo come el lobo. Imagino que hubiera sido mejor incluir más planos detalles, primeros planos y planos estáticos. Eso (me parece) hubiera potenciado varios símbolos al mismo tiempo que las particularidades de los rostros escogidos. Se echa de menos un lobo más creíble (o más increíble, que es lo mismo). Al corto le va mejor cuando muestra gestos de ternura (la chica y el perrito) que cuando ensaya malditismos dudosos, que podrían haberse resuelto mejor con mayor sequedad y frialdad… (Como nota personal, me hubiera encantado que los actores nunca hubieran movido los labios sino solo a lo más pensado sus líneas).

Por lo demás, creo que faltó pulir el tratamiento “mítico” de las actuaciones, que en general –hay que decirlo– no son muy buenas. Los personajes podían ser entendidos (así los entendí yo) como mitos, tipos o figuras. Se agradece, eso sí, la voluntad innovadora, que ya es bastante (aunque no suficiente) para el medio peruano. Pese a sus imperfecciones, que para mí no son pocas, prefiero este corto a The Light Bulb, la mortalmente convencional y aburrida pero técnicamente muy limpiecita obra más reciente de la apreciable cortometrajista Marianela Vega.

(Mario Castro Cobos)

Crítica sobre The Light Bulb:

http://lacinefilianoespatriota.blogspot.com/2007/02/light-bulb-de-marianela-vega.html

EL RINCÓN DEL DR. JEKYLL Y MR. HYDE

LA CRÍTICA CONSTRUCTIVA DEL DR. JEKYLL:

EL SUPRARREALISTA TRÁNSITO DE LA METAMORFOSIS GENEALÓGICA .....

"CAPUCHA NEGRA" DE RAFAEL A.

Lo estimable de la propuesta de este joven realizador es su frescura lúdica y su fuerza mundana, aunque incipiente, cuasipromisoria.

Su constitución está establecida en una cohesión de jitanjáforas visuales, que forman una telaraña de elementos míticos y naturalistas. No obstante, el coqueteo mitológico se convierte en concúbito, por lo que deja de ser sutil, y así se amengua su cualidad funcional. Más introspectivo, por lo tanto, circunspecto y pródigo a la vez, habría sido una condición de subtexto.

La tergiversación cuántica del argumento original del cuento infantil reputado "Caperucita roja" es un desfase entre el fenómeno de la desmitificación y la realidad aleatoria de la ambigüedad.

La yuxtaposición de lo forestal en lo urbano y el efecto onírico de una atmósfera presuntamente estrambótica son caracteres de una puesta en escena limitada en una dirección artística de tesis virtual mediante el recurso emulativo de una economía tipo "serie b" que, con una iluminación y un encuadre más disformes y transgresores de una dimensión convencional, habría sido mucho más creíble, e incluso, probablemente innovativa y, por ende, impresionante. Pero, el desencadenamiento casi abrupto de película "splatter" seca o sin "gore", se siente como una caricatura involuntaria... realmente decrece y se desvirtúa.

Sin embargo, la intención de representar la idea del relato reordenado a través del mecanismo del cine mudo, como símbolo del absentismo comunicativo en un planeta donde el eje de equilibrio entre la naturaleza y el hombre es una afasia trémula de signos no descifrados a tiempo por ninguno de los dos confrontados, es una premisa sólida aunque pudo ser mejor desarrollada por otros actores expresivamente más maleables.

Parecería que el conceptor de este cortometraje se hubiera inspirado viendo "Dogville" e inmediatamente alguna película del grupo Troma, durante una sobredosis nasolingüegástrica de opio y whisky.

Espero que no. Ojalá que nuestro apreciado amigo Rafael prosiga y progrese. Estaremos al tanto.

LA CRÍTICA MORDAZ DE MR. HYDE:

EL ARTE ARTÍFUGO DEL AMATEUR .....
"CAPUCHA NEGRA" DE RAFAEL A.

"¡Oh, qué maravilla!, ¡Oh, qué original!, ¡Oh, qué deslumbrante!, nos hallamos aquí ante la máxima expresión del dadaísmo pop del nuevo milenio ..."

De pronto, desperté de la tortuosa pesadilla ojiabierta al apagar el televisor con autoterapeútica celeridad.

Esa meliflua frase prolija de un juicio gratuito y poco sesudo fue lo que se me ocurrió que podrían haber manifestado los artífices de semejante "grito de la moda postmoderna" o simplemente sus allegados.

Para empezar mi disertación, intentaré describir esto sin ceder a la inevitable tentación de incurrir en una justificable gametogénesis de insultos.

Lo que su "autor" trató de pulular y hacer fue ....

Una versión dark-light-epicitadino-proecológico-perimitológica de "Caperucita Roja" a través de un relato de cine mudo y una derivación presunta de splatter.

La pregunta crucial es: ¿Lo logró, y qué valor tiene o hubiera tenido?

Como faquir en la pantalla, el espectador concienzudo cuestiona cada gesto chapulinesco de los actores y la analogía fisonómica de la protagonista y el personaje famoso de la chimoltrufia, con el perdón de "Chespirito". Pero, anárquicamente, podemos identificar a estos personajes supuestamente alegóricos en una psicoprolongación de "Lima marginal", una suerte de "Trainspotting jirónquilqueño".

"Señorita Tilsa", usted, ¿Realmente sabe cantar, o se trató de su clon vocal haciendo un hiporgásmico pastiche musical?

Este esbozo, posee una narrativa clásica y hasta sistematizada, no por ello, estimulante ni compacta.

Acerca de la traslación del reputado cuento "Caperucita Roja"; al lado de este cortometraje, "Freeway" de Matthew Bright es una obra maestra, y "En Compañía de lobos" de Neil Jordan: La mejor película de todos los tiempos.

Lo que se puede captar inmediatamente es una simbiosis entre una idea estética bien intencionada y la peor de las colitis intelectuales.

¿Hay un ápice de sensibilidad consecuente, aunque sea una especie de panfleto generacional? ... Un sutil ápice, sí, cual brisa ecuórea.

No obstante, el lumbago psíquico que esta pieza bastarda del "Underground Limeño" le causa al espectador más inocente es imperdonable, aunque la escena del epílogo cuando la protagonista baja por la escalera y se percibe una ráfaga lumínica es lo único, en término de codificación, rescatable; empero, no resulta una epifanía simbólica.

"Señor Rafael", después de difundir este trabajo que revela una música instrumental desproporcionada y una imagen de concepción ingenua, usted, y queda escrito de modo cordial y humanitario, debería ponerse la capucha negra del título... pero suelte el cuchillo que la brigada de la crítica está detrás de usted.

De todos modos, esperaremos su siguiente entrega... A veces nos gusta saborear las utopías. En algunos casos, la evolución puede ser una fascinante utopía.

ALBERTO ANGULO CHUMACERO

Crítica sobre otra película del mismo director:

http://lacinefilianoespatriota.blogspot.com/2008/11/largometraje-peruano-en-digital.html

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Friday, March 30, 2007

FESTIVAL CINE POBRE, CUBA: Delegación Peruana


Cinco directores peruanos participarán en el 5to Festival Internacional de Cine Pobre que se realizará en Gibara, Cuba, entre el lunes 16 y el domingo 22 de abril de 2007. Los representantes serán Luis Basurto Villafuerte, con su guión "El viaje macho", Fernando Torres Salvador, con su cortometraje documental "Carretillas driver", además de Gianfranco Quattrini, Coco Castillo y Javier Corcuera con sus cintas "Chicha tu madre", "Peloteros" e "Invierno en Bagdad", aunque esta última realización se presenta, obviamente, como producción española.
Quinto Festival de Cine Pobre de Gíbara
Selección Oficial
Maquetas
Velorio en familia (Brasil, 2006) Dir: Rosario Teresa Boyer, Edgardo Romano
Personal Belongins (Cuba, 2006) Dir: Alejandro Brugués
Cuídate de mí (España) Dir: Javier de la Torre
Nevando voy (España, 2006) D ir: Candela Figueria, Maitena Muruzabal
Vip.. la otra casa (Guatemala, 2006) Dir: Rafael Rosal, Juan Pablo Olyslager
Fan (Uruguay) Dir: Gabriela Guillermo
Guiones
Ángeles ( Argentina) Dir: Carlos Abel Barnes
Atentado (Argentina) Dir: Orlando Ricardo Branca, Federico Menichetti
El mecanografista (Argentina) Dir: José Ibarrola
Inversión (Argentina) Dir: Martín Basterretche, Fernando Regueíra
Las destinadas (Argentina) Dir: Dario Cardona Herreros
Las flores (Colombia) Dir: José Rafael Pérez Balen
El ángel de la guarda (Cuba) Dir: Lucía Chiong, Rolando Chiang
El presidente (Cuba) Dir: Onaidy Gutierrez, Marta María Borras
El vuelco del cangrejo Dir: Oscar Ruiz Navia
Lluvia(España) Dir: Fernando Merinero
La ley de la tierra (México) Dir: Fabrizio Prada
El viaje macho (Perú) Dir: Luis Basurto Villafuerte
Largometrajes Ficción
Réquiem (Alemania, 2006) Dir: Hans Christian Schmid
La Pared (Cuba, 2006) Dir: Alejandro GilMañana (Cuba, 2006) Dir: Iskander
De Bares (España, 2006) Dir: Mario Iglesias
Aller Simple (Francia, 2005) Dir: Jean Marc Brondolo
Suzanne ( Francia, 2006) Dir: Viviane Candas
Las Cruces... Poblado próximo (Guatemala, 2006) Dir: Rafael Rosal
Noticias Lejanas (México, 2005) Dir: Ricardo Benet
Chicha tu Madre (Perú-Argentina, 2006) Dir: Gianfranco Quattrini
Peloteros (Perú, 2006) Dir: Coco Castillo

Wir Werden uns Wiederseh´n (Suiza-Alemania, 2006) Dir: Oliver Paulus, Stefan Hillebrand
Cortometrajes Ficción
31 (Argentina, 2006) Dir: Damián Dionisio
El Entrepiso (Argentina, 2006) Dir: Sergio Eduardo Busco
Mañanas de sol (Argentina, 2005) Dir: Luciano Germán Giletta
Segunda Imposibilidad (Argentina, 2006) Dir: Marcelo Obregón
Gozar, comer y partir (Cuba. 2006) Dir: Arturo Infante
High Tech (Cuba, 2005) Dir: Eduardo del Llano Rodríguez
Molina´s solarix ( Cuba, 2006) Dir: Jorge Molina
Stand By (Cuba, 2006) Dir: Carlos Machado Quintela
Emilia (Ecuador, 2006) Dir: Carla Velencia Dávila
Solace (Estados Unidos, 2005) Dir: Jared Katsiane
Vecinos (España, 2006) Dir: Mario Iglesias
Agua (España, 2006) Dir: Alfonso Fulgencio
Benelux (España, 2006) Dir: Gonzalo Munilla
Fast Nation (España-Estados Unidos, 2006) Dir: Mar Batidas
El ambiguo (España, 2006) Dir: Carlos de la Torre
Háblame bajito (España, 2006) Dir: Fernando Merinero
La maltratada historia de María (España, 2006) Dir: Nacho Ruipérez Fernández
La parabólica (España, 2006) Dir: Xavi Sala
Li (España, 2006) Dir: David Casas Riesco
Llamando (España, 2005) Dir: Matías Bize
Ludoterapia (España, 2007) Dir: León Siminiani
Khaneh khalinist (Irán, 2006) Dir: Payam Parsafar
Motion report (Serbia y Montenegro, 2005) Dir: Verica Patrnogic
El cojonudo (Uruguay, 2005) Dir: Federico Álvarez
La librería (Venezuela, 2005) Dir: Hernán Jabes
Largometrajes Documental
Pequeña Habana (Argentina-Cuba, 2007) Dir: Rolando Pardo
Surfeando favela (Argentina-Estados Unidos, 2006) Dir: Maximiliano Ezzaoui, Natalia Bacalani, Tomas Crowder
Una odisea a la brasilera (Brasil, 2005) Dir: Mariana Vitarelli Alessi
Hartos evos, aquí hay. Los cocaleros del chapare (Colombia, 2006) Dir: Manuel Ruiz Montealegre, Héctor Ulloque
San Ernesto nació en La Higuera (Cuba, 2006) Dir: Isabel Santos, Rafael Solís
Korda visión (Cuba - Estados Unidos, 2005) Dir: Héctor Cruz Sandoval
Seoul Train (Estados Unidos, 2005) Dir: Jim Butterworth, Aaron Lubarsky, Lisa Sleeth
Invierno en Bagdad (España, 2005) Dir: Javier Corcuera
Radio qman txun, crónica de un pueblo maya (España, 2005) Dir: Max López
Voyage en sol majeur (Francia, 2006) Dir: Georgi Lazarevski
Sisters in law (Gran Bretaña – Camerún) Dir: Kim Longinotto, Florence Ayisi
Final Solution (India, 2005) Dir: Rakesh Sharma
Cortometrajes Documental
Mosca (Argentina, 2005) Dir: Juan Arata
De generación (Cuba, 2006) Dir: Aram Vidal Alejandro
Existen (Cuba, 2006) Dir: Esteban Insausti
Habanera por Juan Ramón (Cuba, 2006) Dir: Marina Ochoa
Model Town (Cuba, 2006) Dir: Laimir Fano Villaescusa
Monteros (Cuba, 2006) Dir: Alejandro Ramírez Anderson
Rasgando velos (Cuba, 2006) Dir: Lizette Vila Espina
Revolución azul (Cuba, 2006) Dir: Diego Fabián Archondo
Tabaco (Cuba, 2006) Dir: Renata Meirelles
30 días, un mes (España, 2006) Dir: Carmen Colino Rodríguez
Buscando barataria (España, 2005) Dir: Kike Narcea, Quique Corrales
La hipocresía del deseo (España, 2006) Dir: Rebeca María López, Carmen Titos, Carmen Gas, Eloisa D´Or
Mohsen makes film (Irán, 2006) Dir: Mohsen Khanjahani
Tranehaei ke baham khandim (Irán, 2006) Dir: Behzad Vaziri
Tribe bride (Irán, 2006) Dir: Kioumars Derambakhsh
I want to be a pilot (México - España, 2006) Dir: Diego Quemada Diez
Historia de Rosa (Nicaragua, 2005) Dir: Florence Jaugey
Carretillas driver (Perú, 2005) Dir: Fernando Torres Salvador
Nuestro mundo es posible (Suiza - Francia, 2006) Dir: Frank NA

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Thursday, March 29, 2007

PERUANOS EN EL FESTIVAL DE BUENOS AIRES 2007



Ocho proyectos argentinos, tres mexicanos, tres chilenos, dos brasileros, dos costarricenses, dos peruanos y uno uruguayo conforman los 21 proyectos seleccionados este año para los Encuentros de Coproducción que ocurrirá dentro de unos días en el marco del Buenos Aires 9 Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI).
La delegación peruana está conformada por el proyecto LAS MALAS INTENCIONES, de la directora Rosario García-Montero de quien pudimos apreciar hace algunos años su perturbador cortomertaje Are you feeling lonely? (2003). Este proyecto ha participado también hace algunas semanas del Mercado de Coproducción de Berlín. Sobre el proyecto, la directora ha declarado lo siguiente:
"...Hay una niña media oscurilla, medio distorsionada que es la protagonista y todo ocurre en el Perú de los años 80. Tiene una especie de humor negro. Es un drama, pero te ríes y nunca sabes realmente por qué. Te ríes por los motivos equivocados. Pero sigue siendo un drama… Un dramón." (Fuente: Cinencuentro.com)
El otro proyecto peruano seleccionado se titula LAS CENIZAS, de Raúl del Busto. Este proyecto fue uno de los nueve ganadores del fondo Hubert Bals del Festival de Rotterdam en su edición anterior. Sobre esta película, el director ha declarado lo siguiente:
"...se trata acerca de las consecuencias del fuego." (Fuente: Cinencuentro.com)
Abajo, la lista completa de seleccionados, donde encontramos al cineasta argentino Luis Ortega, director de Caja Negra y Monobloc.
PROYECTOS SELECCIONADOS BAL 2007
ENCUENTROS DE COPRODUCCION / ONE TO ONE MEETINGS

1. (Apuntes para una película sobre) La Varsovia de Gonzalo Tobal. (Argentina) Productora: Cruz del Sur Cine
2. Agua fría del mar de Paz Fabrega. (Costa Rica) Productora: Temporal Films
3. Asalto al cine de Iria Gómez. (México) Productora: Ciudad-Cinema
4. Huacho de Alejandro Fernández Almendras. (Chile) Productora: Jirafa films

5. La Belleza/ Nosilatiaj de Daniela Seggiaro. (Argentina) Productora: EHC s.h
6. La infinita distancia de Florencia Castagnani. (Argentina) Productora: Digitalburo
7. La liebre ciega de Salvador Roselli. (Argentina) Productora: Domenica Films
8. Las cenizas de Raúl del Busto Maldonado. (Perú) Productora: Intro Films SRL
9. Las malas intenciones de Rosario García-Montero. (Perú) Productora: Chullachaki Prod&Garmont Films

10. Las voces de Francisco Pedemonte. (Argentina) Productora: Campeón Cine
11. Mal día para pescar de Álvaro Brechner. (Uruguay) Productora: Expresso Films
12. Navidad de Sebastián Lelio. (Chile) Productora: Horamágica
13. Norteado de Rigoberto Perezcano. (México) Productora: Tiburón Filmes
14. O Drible de Victor Lopes. (Brasil) Productora: Luz Magica
15. Primaveral crecimiento cosechante prueba de Alejandro Hartmann. (Argentina) Productora: Bonita Films
16. Puerto Padre de Gustavo Fallas. (Costa Rica) Productora: Centrosur/Fundac
17. Qué hacemos con esta vida de Blas Eloy Martínez. (Argentina) Productora: MP Producciones
18. Rio Fijman de Luís Ortega. (Argentina) Productora: Villa Vicio SRL
19. Rota do Sal de André Mauricio Portugal Braga y Cardes Monção Amancio. (Brasil) Productora: Avesso Filmes Ltda
20. Turistas de Alicia Scherson. (Chile) Productora: La Ventura
21. Vaho de Alejandro Gerber Bicecci. (México) Productora: Vaho
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Wednesday, March 28, 2007

SAN ANTONIO DE LOS BAÑOS, CUBA: CONVOCATORIA 2007-2010




Para los jóvenes afanosos, una nota de prensa:


Escuela Internacional de Cine y Televisión
CONVOCATORIA CURSO REGULAR 2007 - 2010


La Escuela Internacional de Cine y Televisión con sede en San Antonio de los Baños, Cuba, filial de la Fundación del Nuevo Cine Latinoamericano, presidida por Gabriel García Márquez, Convoca a postulantes peruanos al Curso Regular 2007-2010 en las especialidades de Dirección, Producción, Guión, Documental, Fotografía, Sonido y Edición.


La Escuela Internacional de Cine y Televisión, considerada entre las mejores del mundo, cumplió en diciembre pasado, veinte años de docencia de alta calidad y vocación creativa. Es la única institución académica que ha sido distinguida con el premio Roberto Rossellini que otorga el Festival de Cannes.


Alumnos de diversas nacionalidades coinciden en un mismo proyecto audiovisual. Algunos realizan las tesis de graduación en sus países con el apoyo de otras instituciones y escuelas de cine. Esta posibilidad abre el universo del conocimiento, de la realización.


La Escuela participa aproximadamente en sesenta festivales nacionales e internacionales cada año. Estudiantes y graduados han recibido más de un centenar de premios. Por citar uno de los numerosos ejemplos, el largometraje Solas, del egresado español Benito Zambrano, obtuvo nueve premios Goya. Además triunfó en los festivales de Bruselas, Berlín y Tokio.


EN LIMA
Charla Informativa: martes 10 de abril / 1830 hrs.
Inscripciones: martes 17, miércoles 18, jueves 19 de abril 1700 hrs. a 1900 hrs.
Examen: sábado 28 de abril / 1500 hrs. a 1900 hrs.
Lugar: Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica del Perú Av. Camino Real Nº 1075 San Isidro


EN TRUJILLO
Charla Informativa: sábado 14 de abril / 1800 hrs.
Inscripciones: jueves 19 y viernes 20800 hrs. a 1200 hrs. / 1600 hrs. a 1930 hrs.
Examen: sábado 21 de abril / 0900 hrs. a 1300 hrs.
Lugar: Facultad de Ciencias de la ComunicaciónUniversidad Privada Antenor Orrego Av. América sur 3145 Trujillo

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Tuesday, March 27, 2007

MEJOR QUE EN EL CINE II - Saddam execution

Cuando ocurrió este hecho, todos nos quedamos asombradísimos: el Mundo regresaba al ahorcamiento y el presidente del Perú insistía con la pena de muerte. Ventarrón medieval frente a nosotros. En esos momentos sacábamos en este blog el Dossier Tarkovski y, mientras en el cable se anunciaba la muerte de Saddam, en Vídeo 2 estaba Nostalghia en el DVD. Domenico exclamaba, antes de prenderse fuego: ¿Qué pasa que un loco tiene que exigirles cordura?

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HAZTE CRÍTICO DE CINE EN OCHO PASOS


Luego de leer el último número de la revista Butaca se me quedó grabado en la memoria una idea de Desiderio Blanco acerca de aquellos que ejercen actualmente la crítica de cine en la ciudad –que es casi lo mismo que decir en el país-. Desiderio -más que padre, abuelo de la crítica nacional- afirmaba que los críticos de ahora, en el fondo, por más “distintos” que crean ser, dicen todos lo mismo, si se les lee con cuidado.
¿Esto es verdad? ¿Nuestros críticos dicen lo mismo? Dentro del corto tiempo que conozco a personas de este medio, he notado diferencias prácticamente irreconciliables entre algunos, lo cual me hacía suponer que esas disconformidades se extenderían de manera casi ontológica también a sus textos.
Ahora, sin embargo, juntando los artículos de tirios y troyanos, resulta que en algo se parecen. En alguito nomás. ¿Por qué? ¿Por qué parece que, para algunas películas, solamente hay una interpretación? (Recordad Madeinusa). ¿Será por el formato de redacción en los diarios? ¿Por la prisa al escribir los textos? ¿O porque, de veras pues, a veces solamente se puede decir lo mismo de una obra?
Basándonos en las críticas a la película Borat, de Larry Charles, escogimos los artículos de Federico de Cárdenas: Borat. Campeón de la incorrección política (La República, 18 de Marzo), de Ricardo Bedoya: La sátira extrema (El Comercio, 25 de Marzo), de Sebastián Pimentel: Parodias del “buen salvaje”. Sátira descarnada en Borat (El Comercio, 17 de Marzo) y de Raúl Cachay: Borat (El Comercio, 18 de Marzo) para recrear, imaginariamente el siguiente recetario.
OCHO PASOS EFICACES PARA CONVERTIRTE EN UN CRÍTICO DE CINE PERUANO Y SER PUBLICADO
-Una receta infalible-
leamos con atención
UNO: Presentar al autor con datos de internet
Teleasta de largar trayectoria, Larry Charles (Nueva York, 1956) se pone al servicio del comediante judío británico Sacha Baron Cohen, quien inventó al personaje de Borat en su programa de Ali G Show. Como sea, Borat –alto, flaco y bigotudo- se presenta como “el segundo periodista más conocido de la TV de Kazakstán”(De Cárdenas)
El actor inglés Sacha Baron Cohen es ese personaje cómico. Alto, delgado, bigotón, racista, misógino, homofóbico y antisemita, dice ser un reportero de Kazajistán que visita Estados nidos para dar noticias de las costumbres de ese país. Es imposible saber si Las cartas persas de Montesquieu fueron la inspiración original de Borat, ya que comparten la idea básica y el afán satírico. (Bedoya)
¿Qué tienen en común un periodisa obsesionado con la cultura rapera, un comentarista de moda que profesa un marcado fetichismo por los íconos nazis, un piloto de Fórmula 1 homosexual y un reporterio antisemita proveniente de la lejana república asiática de Kazajistán? (Cachay)
DOS: Cuenta la película
La presentación de Kazajstán puede ser chocante: los habitantes lucen como idiotas, la hermana es una prostituta feliz y la esposa lo amenaza como una cavernícola, todo representado en tono burlón. (Pimentel)
Borat nos entera de que tiene una hermana prostituta, un hermano retardado, que en su país ahorcan a los gays, aprecian más a un caballo que a una mujer y que la aldea practica una vez al año la “caza al judío” en el estilo de los sanfermines de Pamplona. (De Cárdenas)
TRES: Llénate de adjetivos
Si Borat es antisemita, misógino, homófobo, posee una lubricidad infantil escatológica que recuerda la de Harpo Marx e ignora las más elementales reglas de trato en sociedad. (De Cárdenas)
Hay algo tremendamente delicioso al corroborar lo estúpidos, racistas, homofóbicos, antisemitas, prejuiciosos y cavernarios que suelen ser los ciudadanos estadounidenses que forman parte de lo que se conoce como la ´mayoría silenciosa´. (Cachay)
El pueblo de Kazajstán es antisemita y Borat es machista, homófobo, sucio, primitivo e inocente hasta la estupidez. (Pimentel)
CUATRO: Sigue contando la película
Borat arremete personas en la calle y filma sus reacciones; dice pussycat delante de una feminista; pregunta por el calibre adecuado de un arma para matar judíos; arenga con un discurso patriotero a los espectadores de un hipódromo que lo aclaman primero y pifian luego; cena con un grupo de conservadores.... (Bedoya)
Borat queda enamorado de la actriz Pamela Anderson luego de verla en una revista de Baywatch, se las arregla para comprar un coche de venta de helados en el que pretende llegar a California para encontrarla... veremos al organizador de un rodeo recomendarle que se afeite el bigote “para no parecer musulmán”, a una multitud de cowboys aplaudirlo cuando da vivas a la política guerrera de Bush en Irak, o al dueño de una armería venderle la mejor arma “para matar judíos”. (De Cárdenas)
QUINTO: Lanzar advertencias al despistado lector
El público debe saber que con Borat no encontrará mayor hondura que la de la parodia, tampoco una historia cautivadora. (Pimentel)
Está claro que no es una película para todos los públicos... Esta es una película de culto, solo destinada para los estómagos más vigorosos. Y las mentes más abiertas. No dejen de verla. Pero –insistimos- vayan preparados para todo. (Cachay)
SEXTO: Presenta una conclusión originalísima
Borat es una sucesión de episodios ilustrativos de las mil y una modalidades de la mala leche de sus personajes y un montón de chistes ilustrados sobre la ignorancia y brutalidad de los tercermundistas kazajos, de costumbres medievales, y de la estupidez de los civilizados norteamericanos. (Bedoya)
Gracias a su estructura de pequeños episodios el protagonista se acerca a rituales y costumbres del estadounidense promedio y algunas de sus minorías con un espíritu de sátira muy preciso y siempre políticamente incorrecto, que no excluye la bufonería brutal y el absurdo. (De Cárdenas)
Lo de Baron Cohen es el ataque directo, la habilidad para desenmascarar la doble moral de la cultura norteamericana con una feroz concepción de lo grotesco. (Pimentel)
Borat desnuda las taras de una sociedad que padece una creciente crisis de valores. (Cachay)
SÉPTIMO: Compara la obra con otros blockbusters (sigue con los adjetivos, eh)
Borat es una película estéticamente ruda, de corazón insolente y de factura irregular, pero mucho más original, graciosa e inteligente que las lindas y tontas comedias románticas con la que nos abruma Hollywood. (Pimentel)
Apuesta a la inocencia e ingenuidad de su gesto y actitudes, similares a las de un Harpo Marx desatando oleadas de indignación a fuerza de su descontrolada importunidad. Entre Michael Moore y Jackass, Borat busca ser provocador y chocante... se diferencia de Moore, tan plúmbeo, manipulador y demostrativo. Pero el humor salvaje, descerebrado y revulsivo de algunos pasajes de Jackass dejan la escena del combate de “calatos” de Borat convertido en un juego de niños. (Bedoya)
OCTAVO: Al final, obvio, marca distancias de los otros críticos (crítica de autor)
La cinta, que se inicia como falso documental, cambia y se adapta a las formas del reportaje televisivo en directo. (De Cárdenas)
Es aquí que se mezcla el falso documental con el verídico, ya que en Nueva York o en California la mayoría de escenas son muy realistas, se han captado de improviso. (Pimentel)
Un falso documental es una ficción a tiempo completo. (Bedoya)
¿Cumpliste esos ochos pasos? Entonces, ahora sí, voilá.
Ya eres un crítico.
Fernando Vílchez Rodríguez

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Monday, March 26, 2007

NOCHES DE MAYUMANA (en Lima, además)


Ha sido tan agradable leer una veintena de e-milios en donde, angustiadísimos, algunos lectores nos preguntan si hemos decidido tirar la toalla con el cine para dedicarnos a otros menesteres. Este texto es para ellos:
¿De qué manera olvidarse por unas horas –unos días- del trabajo explotador, del fútbol insalvable, de las chicas santísimas (¡epa!), de los ministros apristas (¡ag!), del ajedrecista revejido (¡buena!), de la guerra con Chile (¡uf!), de los premios a Melania (¡duh!) y de los plagios de Bryce (ejem...)? ¿De qué manera, Señor? ¿Qué hacer para no morir con eso?
Déjame que te cuente, trigueño, que ha caído en nuestra ciudad una bendición digna del Dios de Israel. Directamente desde Tel Aviv para nosotros –debe ser un error- ha llegado la agrupación Mayumana. ¿Quién? ¿Quién es, quién fue, quién será Mayumana? Luego de conversar con ellos, ver sus ensayos y contemplar el show, todavía no lo sé. Lo que sí sé es que si tienes el dinero, el tiempo y el interés, no pierdas esta oportunidad.
¿Qué van a pedir?
¿Qué van a pedir?
¿Qué van a pedir?
Confundidas amistades me oían hace algunos años hablar fascinado de las obras que en Broadway (y off-Broadway) había disfrutado con despilfarrador entusiasmo. Hoy, en una esquina de la canibalesca avenida Aviación, se exhibe una obra de casi esa naturaleza. Con la precisión de Stomp, la energía de De la guarda, los efectos brillosos de Blue Man Group y hasta las aletas de Mamma Mía, Mayumana fusiona, remueve, dilata y dispara. Todo con ritmo, color y humor, ese humor que tiene un eco a las viejas puestas en escena de Pataclaun (aunque con una producción del primer mundo), lo cual explica por qué Pelo Madueñoour best clown ever- llegó a pertenecer a esta sonriente cofradía.
De poco vale contarles el rollo ahora -con un Alberto Servat es suficiente-. Basta recomendar que lleven sus manos relajadas, descansadas, pilateadas, listas para los chasquidos, las palmadas y los tamborileos. Al salir, continuarás enérgico y harás soniditos en el restaurante más cercano con los tenedores, la copa de vino o incluso al momento de mear.
Mondongo Mondongo Mondongo Mondongo Mondongo
Fernando V. R.



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Sunday, March 25, 2007

ESTA SEMANA, EN EL CABLE




Una revisión a las películas del Cable:


Lun. 26
El cuentero. Dir: Federico Fellini
(Eurochannel) 05.00
La caída del imperio americano. Dir: Denys Arcand
(The Film Zone) 05.50
La vida es una obra en construcción. Dir: Wolfgang Becker
(Eurochannel) 16.00 / 22.00
Detrás de los olivos. Dir: Abbas Kiarostami
(Europa Europa) 16.20
Destinos cruzados. Dir: George Cukor
(TCM) 18.05
El golpe. Dir: George Roy Hill
(Retro) 20.00
Melinda & Melinda. Dir: Woody Allen
(Cinecanal) 20.00


Mar. 27
Crash. Dir: David Cronenberg
(CGC) 00.00
Madame Bovary. Dir: Claude Chabrol
(Europa Europa) 10.10
Viva Italia. Dir: Roberto Rossellini
(Europa Europa) 17.45
Rumble fish. Dir: Francis Coppola
(Retro) 20.00
Corre, Lola, Corre. Dir: Tom Tykwer
(CGC) 22.00


Mié. 28
Drugstore Cowboy. Dir: Gus van Sant
(TNT) 01.45
Temporada de caballos borrachos. Dir: Bahman Ghobadí
(Europa Europa) 09.40
Ella usaba una cinta amarilla. Dir: John Ford
(TCM) 14.30
Secretos y mentiras. Dir: Mike Leigh
(Europa Europa) 20.00


Jue. 29
Secretos y mentiras. Dir: Mike Leigh
(Europa Europa) 02.35
Quiz Show. Dir: Robert Redford
(HBO) 13.00
El Pasajero. Dir: Michelangelo Antonioni
(Film & Arts) 21.30


Vie. 30
El Pasajero. Dir: Michelangelo Antonioni
(Film & Arts) 00.30
Ed Wood. Dir: Tim Burton
(TNT) 02.00
House of mirth. Dir: Terence Davies
(Europa Europa) 09.50


Sáb. 31
Carrie. Dir: Brian de Palma
(Retro) 03.30
Dancer in the dark. Dir: Lars von Trier
(Europa Europa) 17.30


LA CINEFILIA NO ES PATRIOTA

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Friday, March 23, 2007

BRYCE: LA EXPLICACIÓN A TODO



Al igual como nos ha causado risas incómodas durante las últimas horas, en este momento podemos lanzar una explicación a toda este affaire/conflicto/escándalo que el caso Bryce ha suscitado en todo el planeta literario. Se trata de una explicación tan contundente como cotidiana, y que puede detener de una buena vez los misiles acusadores y los rajes literarios a media voz.
Esta explicación se resume en una palabra de raíces germánicas: Alzheimer.
No es una teoría, tampoco una justificación. Se trata únicamente del diagnóstico sincero que personas cercanas al escritor han comentado entre susurros.
Esto explica las insuficientes explicaciones del escritor en sus cartas publicadas por el diario El Comercio, cartas que, releídas, dejan ver una confusión e ignorancia inexplicables.
Mención honrosa en esta función merece El Comercio, diario que, dicho sea de paso, una vez más causa vergüenza por su posición tan hipócrita y melindrosa en este escándalo. El día de hoy, Viernes 23, se lava las manos de una manera que avergonzaría a Pilatos y escribe en una suerte de Editorial:
"... es Alfredo Bryce Echenique quien debe asumir absoluta responsabilidad por las consecuencias de sus actos. El Comercio, en tanto, espera que el escritor reafirme su compromiso de que sus colaboraciones futuras tendrán el riguroso control de calidad que El Comercio exige para sus lectores."

"Riguroso control de calidad" mis pelotas.
Alfredo tiene Alzheimer.
O, al menos, lamentablemente, algo parece indicar que así es.
LA CINEFILIA NO ES PATRIOTA



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"YO TAMBIÉN QUIERO QUE BRYCE ME PLAGIE"


Y salud por eso....



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Thursday, March 22, 2007

REPORTE DESDE JAPÓN (I)



FORASTERO ACOMPAÑADO
Cuando al cine te lo llevas en las maletas



Cuando la cartelera empezó a serme insuficiente, descubrí el cine-club.

Podría contar muchas cosas acerca del cine-club. De mi afición desmedida por él, de alguna alucinante maratón o, simplemente, de cómo cambió mi vida -aunque esto suene a exageración y seguramente lo sea-. Lo cierto es que de no ser por el cine-club no estaría escribiendo esto aquí, ahora.

El aquí y el ahora para mí es Japón, en donde vivo desde hace más de cuatro años. Vivo en la prefectura de Shiga en la región de Kansai, una de las zonas más tradicionales y con más abolengo de todo el país. A esta región pertenecen también Osaka, Nara y Kyoto, la antigua capital del Imperio.

Kyoto es la estampa de Japón por excelencia. Ahí están el pabellón de oro, Gion: el barrio de las geishas, el antiguo palacio imperial, los templos, los sublimes jardines y todo aquello que hay en el imaginario colectivo sobre Japón.

Sin embargo mi lugar favorito en Kyoto está en un barrio menos conocido y ciertamente no mencionado en las guías turísticas. Se llama Minami Kyoto Kaikan y es -cómo dudarlo- un cine-club.

El Minami Kyoto Kaikan queda a pocas cuadras de la estación central de Kyoto en una zona sin atractivos turísticos. Funciona en lo que fue un cine de barrio, de esos que hubo aquí, en Lima y en todo el mundo. El local es claramente uno de los cines de fines de los 60, pequeño (regular para los estándares japoneses) y ubicado en un segundo piso. Guarda esa calidez de los cines de barrio que termina por hacer familiar un lugar público. Incluso podría jurar que, sentado en una de sus butacas, sentí que estaba en el cine Azul de mi barrio o el Opera de Jesús Maria. O incluso en el Capitol de la avenida Arica.

Tiene una estrecha escalera flanqueada por afiches y una máquina expendedora de tickets. Nadie mejor que los japoneses han entendido que el cine es uno de los placeres que se disfrutan mejor en solitario. ¿Quién necesita boleteras o preguntas innecesarias? En el hall hay displays con folletos de cada película exhibida y futuros estrenos, mesas para sentarse y tomar un café servido por otra máquina expendedora y un puesto de venta de libros, revistas y alguna parafernalia cinematográfica, acá sí con seres humanos. Todo está decorado más con pasión que con sentido estético.

En el Minami Kyoto Kaikan se pueden ver películas todos los días del año desde las diez de la mañana hasta la medianoche. Su programación ofrece hasta siete películas por día, venidas desde cualquier rincón del planeta… Hay rincones -claro está- con mayor preponderancia y otros totalmente obviados. (Sigo esperando impaciente o temerosamente ver algún día un film peruano).

Mis días favoritos son los sábados pues el cine-club ofrece una función que va desde las 23:00 hasta las 7:00 del día siguiente, con tres películas o varios cortometrajes. Las funciones son programadas según un director, un actor, un género, una escuela, etc. Ya hubo una noche de Truffaut, otra de Kieslowski, otra de Mizoguchi, una Noche Freak, una Noche Fantástica y hasta una noche latina con Gael García Bernal de protagonista en donde se proyectaron: Amores Perros, Y tu mamá también y Diarios de Motocicleta. En esta última película pude ver dos rincones de Lima que me retrotrajeron al empacho nostálgico de tal manera que incluso vi actuar bien a Gustavo Bueno.

Ya terminada la función a las 6:50 del domingo me di con la ingrata sorpresa de que la máquina expendedora no vendía Alka Seltzer.


reporto desde japón
armando sakihara

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Wednesday, March 21, 2007

UN MALDITO CINEASTA: ABEL FERRARA



Se termina el ciclo MANIQUÍES ABYECTOS en el Auditorio de Humanidades en la PUCP, segunda versión de la Muestra VER O NO VER, dirigida por Enrique Vivar, seleccionador de títulos tan valiosos como extraños.
Esta muestra, además, cuenta con la participación casi mínima
minúscula
diminuta
ínfima de este blog.
El día Jueves 22, a las 6.00pm, termina la Muestra con la proyección de Un maldito policía, de Abel Ferrara. La recomendamos con mucho entusiasmo y los dejamos con dos textos referidos a este alucinado film.

*

Abel Ferrara resume: "Tipos como Harvey Keitel y Christopher Walken están en el límite, justo en el límite. Y están ahí fuera sin red".

Algunos críticos afirman que el teniente de Keitel -que prefiere liquidar a los sospechosos y robarles el dinero para mantener su hábito al "crack" antes que resolver los casos- constituye un retrato sin precedentes de un hombre en las cimas de la degradación, hasta un nivel nunca visto con anterioridad en las pantallas.

Pero Keitel, siempre dispuesto a defender sus personajes cinematográficos, explica: "trata sobre la dificultad del viaje a través de la vida, la dificultad de vivir sin pecado. Este hombre sufre, está atormentado. Su vida es un vacío".

Pero, ¿hasta dónde se está preparado para llegar en la descripción de ese pecado? "Aquella jeringa era de verdad, se lo aseguro. Clavársela en el cuerpo es como un acto de autoviolación. Pero me encontraba preparado para llegar casi a cualquier parte por este guión. Cuando lo leí, fue como conocer a un tipo que sabes que se convertirá en tu amigo."

(Tomado de "Woman", Número 36)

*
UN MALDITO POLICÍA
de Abel Ferrara
Tienes que haber estado solo mucho tiempo. Tienes que haber conocido la ciudad. Haber andado, observado. Tienes que haber sido humillado en lugares públicos, haber sido amenazado continuamente. Tienes que haber odiado a tu familia, a tus amigos, a tu profesión. Sobre todo, tienes que haberte odiado a ti mismo. Y mucho. Y durante mucho tiempo. Porque si no ha pasado eso contigo, este cine te parecerá “interesante”, “coherente con su universo”, underground, es decir, cine que sí-logra-transmitir-lo-que-pretende. Vete por donde viniste si vas a usar ese discurso como éste para un cine como éste en madrugadas como ésta.
Cine brutalmente honesto. Cine lleno de grietas. Drogas, putas, gritos. Tienes que haber estado en el fondo, haber sido muy miserable, haberte sentido muy solo, más que solo. Tan dolido que no te quedó otra que recurrir a Dios. Tan amargo que cuando lo viste únicamente pudiste insultarlo. Después, hasta el Cristo te dio la espalda, y lo hizo con placer. Horriblemente solo.
Y tienes que, oh paradoja, sentir cariño por el mundo. En ese caso, saldrás del cine y te meterás a una peluquería a raparte la cabeza. Y después, llorarás.
(Fernando V.R.)

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Tuesday, March 20, 2007

MAURICIO MULDER: EL ORCO DE LA SEMANA




Causa arcadas. Según Perú.21 en su edición del martes, el congresista del APRA Mauricio Mulder estaba indignadísimo porque a ningún cineasta peruano se le había ocurrido hacer una película sobre la Guerra con Chile, suponemos, para contar la versión patriótica.
Congresista Mulder, se acaba de ganar nuestro primer Premio al Orco de la Semana.
Semanas atrás, cuando el medio cinematográfico pugnaba por el cumplimiento de la LEY DEL CINE, personas muy enteradas nos contaron algo que ahora ya no nos parece tan raro. Aunque no es una versión confirmada -¡cómo podría serlo!-, bien vale la pena comentarlo en este momento:
Dice la leyenda que un Ministro de Educación buena onda había estampado su firma para que se incluyera en el Presupuesto 2007 el monto total de lo que le correspondía a la industria cinematográfica. Cuenta esa misma leyenda que un risueño Ministro de Economía aprobó el monto y dispuso que se suelte el dinero tantas veces esquivo.
La leyenda termina cuando el Presupuesto llega a manos de un respingado y prepotente ser quien, al leer el término "Cine Peruano", sin tomarle ni diez segundos, simplemente bajó el pulgar.
Y vivieron felices para siempre...
Las declaraciones del congresista Mulder no sorprenden. Indignan, irritan, dan risa, dan pena y hacen que uno devuelva la comida y patee al perro. Pero no sorprenden.
Estamos convencidos: La primera película que se haga sobre la matanza de los penales (drama), o la que se haga con los Mirage (aventura), o sobre el grupo paramilitar Rodrigo Franco (suspenso), o sobre Agustín Mantilla (biopic), o sobre el dólar MUC (mockumentary), sobre Cayara (terror), sobre los doce apóstoles (comedia romántica) o sobre el baile del teteo (musical), cualquiera de estas cintas ya tiene un candidato para la dedicatoria inicial: Claude Maurice Mulder Bedoya.
Que nunca se muera.
LA CINEFILIA NO ES APRISTA
*
PURA PANTALLA
Al comentar la suspensión del documental chileno Epopeya, el congresista Mauricio Mulder no enfiló su artillería verbal contra la oposición, las ONG o la prensa, como acostumbra. Esta vez lo hizo contra el cine nacional. Así como lo lee. En diálogo con CPN, calificó de "pacotillero" al cine peruano porque -en su opinión- hace tiempo debió producir una cinta sobre la Guerra del Pacífico. Pero eso no fue todo. Mulder también criticó a la televisión nacional por producir solo series sobre "barras bravas" y no tratar temas históricos. Este señor ya necesita su talk show.
(Publicado en Perú.21 el día Martes 20 de Marzo)

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DREAMGIRLS, De Bill Condon


WITH A LITTLE HELP OF MY (BLACK) FRIENDS
DREAMGIRLS, de Bill Condon
Un escenario brillante, cuerdas de guitarra agitadas de manera sincopadas, luces que anidan entre el limbo y el nirvana, mujeres con peluca moviéndose al ritmo de sus corazones; la cámara se aleja y se acerca; la edición es hiperactiva, entrañable, estable en lo inestable. Esto es sólo un esquema resumen de Soñadoras, un musical romántico, dramático y “documental” al mostrar la realidad del mercado musical en Estados Unidos de los sesentas.
Eddie Murphy interpreta a James “Thunder” Early. Un prometedor, egoísta y muy verosímil cantante de rythm & blues(R&B). Revisando la historia musical americana “gringa”, y obviamente contada por los mismo “gringos” en el sentido más fiel a la palabra, podemos darnos cuenta de manera clara y hasta absurda, que el “rey” del rock & roll no fue como lo pintaban, ni de lejos, Elvis Presley, sino los verdaderos y únicos Chuck Berry, Little Richard, entre otros de raza negra. En este caso es, James, que practica la sinergia de brotes eufóricos de adrenalina con cánticos desgarradores, funciones aterradoramente sinceras y honestas.
Murphy tuvo una corta carrera musical en los años ochentas. Es por eso que su naturalidad al estar en el escenario es genial. Sin ningún punto de comparación con el maestro Chuck Berry quien dominaba el escenario mejor que nadie, James encuentra en las luces, la música y la melodía de la vida, una expuesta marca de poseedor de música en las venas capaces de morir por ella. Sus gestos, sus expresiones a la hora de cantar penetran sin lugar a dudas en el subconsciente de nosotros. Nos mantiene pendiente de él y hasta nos padecemos de él, lamentando que sus días de veterano rockero terminen como las de muchos.
Una de las escenas más tensas, intensas y potentes del filme es la que protagoniza Jennifer Hudson como Effie White, una de las integrantes de The Dreamettes. Una irresponsabilidad por parte de Effie complica la relación entre sus “hermanas” y su amante-manager. El núcleo se centra aquí mismo. Una discusión que canta a la vida, en el momento justo en que se desmorona la amistad.
Una escena que describe el clímax a la misma velocidad en que una pluma de un ave cae desde el aire: moviéndose despacio, azotada por el viento que cruza su camino. Effie se siente impotente y quien canta pareciera ser su alma con lágrimas y con furia. La tristeza se hunde entre sus cabellos y su piel negra (si nos damos cuenta, si entramos dentro de la música, dentro de la melodía y dentro de las palabras, vemos a Effie hablar y no cantar). Replanteamos lo dicho líneas atrás: es Effie hablando con su alma. Pero no cualquier alma, sino una musical, mezclada con swing. ¿Es esta película un musical o una película de almas contentas y cantantes? ¿Quién habla? ¿El personaje? ¿El guionista? ¿O será el alma? Yo diría que nuestras palabras son tan sinceras, como nuestra alma sonora. ¿Se puede vivir sin música? Según esta película, no. Todos nosotros tenemos nuestra propia música interior que nos lleva desde la infelicidad, como esta escena, hasta la felicidad. La felicidad tiene música tanto como la tristeza. Proposiciones claras que observamos desde la primera nota musical de la cinta hasta la última.
Soñadoras mantiene una línea que sulfura la monotonía. Los cambios son grandes y pequeños. Las canciones son predicciones, son primeras impresiones sinceras y profundas. El administrador y genio de la evolución de la música dentro del filme es Jaime Foxx interpretando a Curtis Taylor Jr., un vendedor avariento de autos cadillac que quiere entrar al mundo de la música como “manager”. Encuentra a tres mujeres con voces celestiales y música interesante y las saca del hoyo para convertirlas en súper estrellas.
Curtis no sólo es manager sino también productor musical. Regenera, cambia y evoluciona el ritmo de “sus chicas”. Desde un “rythm & blues”, hasta “dance” en los setentas con Deena Jones quien se convirtiera en su esposa. Nunca deja de cambiar el estilo de su música, sin ser este músico. Su labor de manager lo profundiza convirtiéndose en productor musical. Algo así como Brian Epstein, el manager y George Martin, músico y productor musical de Los Beatles. Curtis es una fusión de ambos. Supo llevar al grupo de manera exitosa. Desde su primera decisión, como la de poner a Deena, la más guapa de las tres, como cantante líder. En el caso de Epstein, de cierta forma, fue la de sacar a Pete Best y buscar a otro en su reemplazo (Ringo Star).
Otra capacidad innata del manager fue la de comprar a los dj´s para que emitieran en sus programas radiales “singles” de The Dreamettes, grupo que dirigía. Epstein por su parte compró casi todos los discos del primer “single” (Love Me Do) para que pudiera llegar al TOP en las radios. Curtis evolucionó y cambió el sonido de Deena, e hizo música dance, música que ponían en las discotecas, música popular. En este caso, Martin no sólo le dijo a John Lennon que “Help debía de ser rock & roll y no una balada como originalmente se concibió, sino también que propuso sonidos alternativos como en Eleonor Rigby en donde Martin creó la parte instrumental y los Beatles sólo se dedicaron a cantarla. La visión de Epstein y Martin están en Curtis. Con la única diferencia que Curtis era mafioso y Epstein terminó asesinado y Martín es ahora el productor más respetado a pesar de su inactividad.
No comparo a los Beatles, con las Dreamettes, pero la forma en que Foxx forma a su personaje y cómo este lo desarrolla, es ejemplar y muy similar al de los productores de los Beatles. Por ironía, dentro de la película (creada por Bill Condon, director y guionista del filme), The Dreams (cambio sugerido por su manager) surgen como rivales de los Beatles en el año 1965. Condon sí las compara, qué lástima.
Dejé de creer en musicales por el simple hecho de que muestran a la música de forma plástica y mera acompañante de la historia, pero aquí, en esta película, la música es la película. Gracias a la música nace la película. Se convierte en algo audio - visual y no visual - auditivo. No están al mismo nivel ni tienen que estarlo. Lo auditivo debe de primar, lo visual debe de tener su lugar. Creo que la edición con bases de video musical sirve, la edición sonora es impecable, la música ejecutada está precisa, las interpretaciones muy profesionales, el vestuario primoroso, la dirección escénica muy acertada. Un conjunto armónico de primera. Una bella sinfonía cinematográfica.
Paco Pulido Spelucín

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Monday, March 19, 2007

OSCURO, UNA PELÍCULA PARA MONSEÑOR CIPRIANI


OSCURO (SOMBRE) DE GRANDRIEUX
HOY EN LA PUCP, 6PM
Es un juego de los cinéfilos el hacer rankings, valoraciones, listas de las mejores y las peores películas, escenas, actuaciones, partituras, etc. Y una de esas listas es la que se refiere a las mejores óperas primas en la historia del cine. Tenemos las de siempre: Citizen Kane y À bout de soufflé. Transgresora: Eraserhead. Fresca: Reservoir Dogs. Contemporánea: La Ciénaga… En fin, los títulos que quieran. En mi caso, luego de lo contemplado anoche, es momento de quitar una de las anteriores (a Welles, por ejemplo) e incluir la siguiente obra: Sombre (Oscuro, 1998), la primera película del francés Philippe Grandrieux.
Poco se sabe de él y lo que se conoce no es suficiente. No convencen las sumillas que resumen su cine al estudio del cuerpo, de sus medidas y realidades. No convence el mismo Grandrieux cuando dice que lo que le interesa es “…el cuerpo, el ritmo, la carne, el peso del cuerpo, los huesos, todo aquello con lo cual pienso, su relación con la luz. Eso me interesa, no decir: ´Voy a contar la historia de un tal…` En esa narrativa de personajes no creo”. No es suficiente. Veo Sombre y sé que hay mucho que no se nos dice. (¿Por qué se nos va a decir todo, por otro lado? Grata exigencia). No se dice, por ejemplo, que la forma y el fondo es lo mismo y, en Sombre, lo carnal es mucho más que una afanosa exploración del cuerpo; es, principalmente, el terreno sobre el que se enfrentarán dos eternos rivales, tan antiguos como la Vida misma: el Demonio y el Ángel. Y en ese estadio mundano, como es lógico, Satán juega de local.
Ángel: Criatura incorpórea, admitida por el neoplatonismo, que sirve de intermediaria entre Dios y las criaturas corpóreas. ¿No existe algo más que un hálito de santidad en el personaje de la agraciada Claire (Elina Löwensohn)? No únicamente por saber que se trata de una virgen, como confiesa su hermana mientras ofrece su cuerpo a la Bestia. En una escena maravillosa, Jean (Marc Barbé) se levanta a dos putas de un cabaret para llevárselas a un terreno abandonado. Mientras hace bailar a una a la luz de los faros, va asesinando a la otra dentro del auto. El acto se interrumpe: Claire aparece y lo observa con profunda piedad. Ella es el Cristo, no le hace falta decir nada, basta con esa mirada tan cristiana, tan llena de compasión. Naturalmente, bajo la mirada divina, Jean debe soltar a su presa (¿cómo pecar con Dios tan cerca?), aunque decide vengarse pronto.
Demonio: Ángel malo, desterrado del paraíso espiritual, expulsado al universo de lo profano. ¿Qué cine puede acercarse a explorar el mundo instintivo sino aquél que tiene en lo corporal su piedra de toque? Todas esas elucubraciones formales que aparecen en la pantalla (brillos, desenfoques, abstracciones de hojas y cabellos, rayas complejas y apresuradas herederas del cine de Brakhage) aparecen cada vez que el director nos aproxima al interior de Jean, la Bestia. Su apariencia es humana, pero sus sentidos actúan distinto que los nuestros. Sus ojos ven lo que nosotros no vemos, aunque al frente tengamos el mismo objeto. Sus oídos se exaltan de una manera animal, algo que nosotros jamás conseguiríamos.
Es eso, un animal herido, humillado, angustiado por la cercanía de lo divino. ¿Por qué se le ocurre ahora a Su Santidad aparecer en mi vida?, se debe preguntar. No puede mirarla a los ojos. La venganza: hacer que Claire pierda su virginidad. La maltrata. La emborracha a la fuerza. Uno siente que la va a hundir villanamente. ¿Qué es el Demonio sino la eterna sombra de Dios, reflejo fallido de lo perfecto, condenado metafísicamente a la derrota? Y, sin embargo, en esta nueva versión del Bien y el Mal, podemos ir, sin duda, más allá y descubrir que a estas alturas de la humanidad, ya no estamos para Dioses de ningún bando.
¿Puede haber alguien más malvado que la Bestia? Grandrieux dice que sí. Jean quiere hacerle perder la virginidad a la santa, pero se topa con dos burgueses seductores que resultan mucho peor que él, tan villanos que se ve forzado a rescatar al Ángel de esas atrevidas manos. ¡Ya no se le respeta ni a él!
Además, ¿qué le pasa a esa muchacha, al inicio tan pura y melancólica? Le empieza a gustar lo terrenal: le gusta el disfraz de bestia salvaje que el otro guarda en su mochila, le va gustando emborracharse y bailar, es ella quien lo busca y prácticamente ella quien inicia lo que esperábamos fuera una violación terrible y maligna… La civilización de cabeza. Los ojos brillosos del Demonio empiezan a apagarse. La arrogante pureza del ¿Ángel? desapareció y con ella, la sombra celosa empieza a desvanecerse.
Por eso, vaya paradoja, la Bestia tiene que expulsar a Claire de la Tierra. Que regrese a su divinidad rápidamente. Si desaparece lo perfecto, ¿en quién va a reflejarse el Mal, a quién envidiar? El Príncipe de las Tinieblas presiente la verdad: Dios ha muerto –hace rato- y la derrota, la real y definitiva, es inminente.
En otra ciudad, el Ángel conversa con una madre y se entera que el amor ideal está enfermo, como todo lo platónico. Recién toma conciencia del cáncer humano. La cámara se eleva sobre su rostro y Claire-Elina parece ascender, nuevamente y para siempre, a la bóveda celeste, un Cielo que para la Bestia no es sino un espacio por donde los aviones vuelan y nada más. Mientras ambos recuperan fuerzas, nosotros estamos sentados al borde de la pista, testigos impasibles de este enfrentamiento.
El cine de Grandrieux no es solamente un cine del cuerpo. Una competencia de ciclismo, presente durante toda la película, puede hacernos pensar lo contrario. Sin embargo, lo cerebral también late ahí, especialmente ahí, a causa de una razón contundente por lo simple que es: las competencias que trascienden son de resistencia y no de velocidad. Para ganarlas, seas hombre o dios, tienes que dosificar las energías. Por encima de lo carnal siempre aparece la maldita Razón. Sombre es la mirada más extrema que he visto sobre esta tragedia.
Fernando Vílchez Rodríguez

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Sunday, March 18, 2007

MEJOR QUE EN EL CINE (I): CARMEN ELECTRA CAE DE LA PASARELA


De cada rincón del mundo nos llegan imágenes sorprendentes, dolorosas, ingeniosas, históricas e irrepetibles. Son imágenes que contienen una potencia visual que, a veces, resultan mucho más fascinantes que una película entera. O toda una filmografía entera. O la filmografía de un país entero.

Desde los aviones estrellándose contra las Torres Gemelas hasta el ahorcamiento de Saddam Hussein, pasando por el cabezazo de Zidane, ciertos vídeos no dejan de causar una sensación indescriptible, por lo que mejor es compartirlas y cruzar los dedos para que algún cineasta consiga escenas tan fabulosas.

Arrancamos con lo sucedido hace pocas horas: La caída de Carmen Electra en plena pasarela. Atención con la modelo que le sigue, quien resbala aún de peor manera.

LA CINEFILIA NO ES PATRIOTA



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Saturday, March 17, 2007

CONTINÚA EL RANKING 2007: EL ILUSIONISTA



PUESTA EN ESCENA DEL ENGAÑO
El Ilusionista, de Neil Burger


En la Viena de 1900, el misterioso Eisenheim (Edward Norton) cautiva al público con sus espectáculos de magia e ilusionismo. Sus poderes sobrenaturales llegan a los oídos del príncipe heredero Leopold (Rufus Sewell), un hombre pragmático que acude a su espectáculo con incredulidad, acompañado de su prometida, la bella y sofisticada Sophie (Jessica Biel). Sospechando un fraude por parte de Eisenheim, encarga al perspicaz inspector de policía Uhl (Paul Giamatti) que vigile todo lo que el ilusionista hace.
Antes de iniciar el artículo sobre El Ilusionista quiero escribir de forma breve acerca de la habilidad que Burger expone en su película, la cual tiene como base conseguir sin un mayor despliegue de efectos especiales, que las ilusiones mágicas presentadas nos parezcan creíbles. Además, de narrar fluidamente su historia sin que perdamos el interés casi en ningún momento. Hasta aquí el breve comentario.
Un personaje de Mulholland Drive, específicamente el maestro de ceremonias que aparece en el bar Silencio, decía que todo lo exhibido en esos instantes era ilusión. Es precisamente sobre esto que trabaja Neil Burger en El Ilusionista, esto es, intervenir sobre las imágenes que los espectadores ven y hacerles creer que son verdaderas. El Ilusionista no juega únicamente con los asistentes a sus espectáculos sino con los propios espectadores de la película, ya que ambos se dejan llevar – y me incluyo- por una serie de pases de magia, prestidigitaciones, entrando así en el juego que nos plantea el ilusionista de nombre Eisenheim.
Digo esto porque a diferencia de El Gran Truco de Christopher Nolan, que mostraba el detrás de escena y la fabricación y preparación de los trucos de magia, en El Ilusionista durante casi toda la película llegamos a pensar que Eisenheim es un verdadero mago de la ilusión (que no son trucos visuales prefabricados), lo cual logra por la fascinación que logra transmitir con cada uno de sus actos de magia. Borges respecto del truco en lo que respecta al juego y por extensión a la magia decía: “La habitualidad del truco es mentir” y “Una potenciación del engaño ocurre en el truco”. Lo mismo puede decirse de la ilusión dentro del ámbito de la magia. Debido a que mientras vemos una a una las representaciones ilusionísticas caemos dentro del juego de quien las realiza y somos engañados.
De otro lado, la historia de El Ilusionista está inmersa en dos épocas importantes para la Europa de aquellos años, léase: los conflictos por la unificación del imperio austro-húngaro y los últimos momentos de existencia del romanticismo. El ambiente que se percibe con mayor fuerza es el de un romanticismo tardío; una muestra de esto es la pareja que conforman la duquesa Sophie y Eisenheim, puesto que viven un amor que se rehúsa a terminar y que pretende durar si no trascender. El amor que todo lo vence es una característica típica de la corriente romántica. Asimismo, en la película se plantean las disputas entre el racionalismo, incluso el positivismo (surgido por aquellos años) basado como se sabe en una objetividad férrea contra lo que es la esencia de lo romántico, es decir, el predominio del yo (subjetivismo), preponderancia de la imaginación, de la pasión, atracción por lo extraño, etc. Estas características están presentes en alguna medida en el espíritu no solo de Eisenheim sino de la película toda.
Finalmente, el clima político atraviesa la historia a causa de los conflictos provocados por el reino de Austria, y por las intrigas palaciegas y cortesanas que lo pretenden. El personaje de Eisenheim a veces sin proponérselo se convierte en un elemento peligroso para los intereses del poder de turno, encabezado por el heredero a la corona de Austria: el príncipe Leopold. Se siente en la historia una actitud contraria y crítica al statu quo reinante en aquella época, por ende se trata de una actitud cercana a la corriente liberal y porqué no libertaria.
CÉSAR GUERRA LINARES

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TRIADA MEXICANA: HIJOS DEL HOMBRE


TRIADA MEXICANA DE LA ACTUALIDAD FÍLMICA MUNDIAL
I. Hijos del hombre, de Alfonso Cuarón
Basta recordar de Cuarón su endulzado apólogo humano La princesita, o su reactualización dicroica de Grandes Ilusiones con el título Grandes esperanzas, el clásico de Dickens adaptado magistralmente por David Lean hace décadas pero aquí sobriamente correcta, o su celebrada Y tu mamá también ditirambo entre el cliché y la ideología globalizada codificada como azar acerca de la dualidad sexual, o su tercera entrega de Harry Potter, titulada Harry Potter y el prisionero de Azkaban, fantasía ni megacomercial ni tampoco tan personalizada; para según el trailer o propaganda no sea su flamante película tan promisoria ni llamativa... neopastiche del modelo de ciencia ficción sobre la lucha descomunal y además conmovedora contra la opresión de un sistema cada vez más artificial, y para colmo el redundante alegato interracial, el protagonista blanco debe ayudar a una joven negra embarazada. Aparte, la esposa perdida de éste vuelve a su vida personal para persuadirlo que colabore con la causa, y tal vez surja una reconciliación. Causa repugnancia ipso facto. No obstante, el producto entero no recibe justicia de su enunciación promocional.
A pesar de los referentes de títulos como 1984 o Un mundo feliz, el argumento renovado y particular es el siguiente:
En una sociedad regida por la anarquía a través de una oposición de fuerzas: un militarismo draconiano y un movimiento doctrinario liberal que explota alevemente entre sus propios integrantes en el doblez apotegma "El fin justifica los medios", debido a un conflicto de marginalidad o periferia citadina o estratificación socioeconómica excluyente territorial, y además el fundamental dilema expansivo de la infertilidad... Sin embargo, como prodigio cuasibíblico aparece en escena una joven en estado de embarazo.
De acuerdo a un marco dramático convencional, la esposa o ex-esposa que pertenece a esta agrupación clandestina tildada de terrorista podría junto al protagonista salvar a la sola mujer embarazada y finalmente reconciliarse con él. Pero lo categórico de esto es que paulatinamente hay personajes que no sobreviven, y en medio de una sucesividad trágica ascendente el protagonista, un hombre que antes vivía rutinariamente acomodado, se compromete a llevar a la joven embarazada a otro lugar mucho más seguro, finalmente, vivo o muerto. Cabe cuestionar si basta dispersar espermas tanáticas en una estructura expresiva para lograr algo estéticamente regocijante.
La crítica de cine es como la menarquia, la primera vez el dolor de la fruición es casi fulminante para resucitar sin haber muerto en la experiencia espectosensorial. Entonces, el espectro de la diégesis copula con las distintas percepciones de modos variopintos.
El preámbulo es un primer trazo en el óleo de un retrato masivo de violencia urbana, es decir, la dicotomía del caos versus el cinismo resignado de la normalidad. La fotografía se torna cada vez más obscura. Asimismo, la historia se convulsiona como en una partida de ajedrez, sólo que aquí, y eso lo detracto y paradójicamente a la vez lo acepto, como un símbolo cristiano de esperanza, el rey es el nonato pronto a nacer.
El protagonista, encarnado por el siempre parco Clive Owen, desempeña un rol de padre putativo que en un acto de ajustada filantropía se esfuerza para hacer valedera la permanencia humana; no se trata de un heroísmo greco de tebeos, sino de un sentimiento genuino y fluyente que sobrepasa las barreras de la ética estandarizada, y llega a ser no un profeta idealista ni un arquetipo de Dios-Hombre empero un hombre común en un periplo impredecible hacia lo extraordinario.
Sin exceso de correlato musical, tenemos acá un thriller de ciencia ficción sociogenética futurista que no incurre en el molde del melodrama, pero baraja prudentemente los parámetros de la concepción como orden natural sobre el tapete de la incesante problemática humana y la figura sutilmente suprema de la mujer como artífice de esta palingenesia y superviviente de amparo y aguijón al recién llegado a este planeta tan vacío como reloj malogrado y contradictoriamente lleno como terreno cunícola.
ALBERTO JAVIER ANGULO CHUMACERO

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