LA CINEFILIA NO ES PATRIOTA

DEDICADO AL CINE PERUANO QUE AÚN NO EXISTE

Saturday, March 31, 2007

Otro corto peruano para discutir: CAPUCHA NEGRA


Capucha verde

Caperucita muda es realmente muy expresiva en la enésima (di)versión de este delicioso y al parecer inagotable cuento o mito. La protagonista transmite las dosis correctas de depresión, desamparo y melancolía, aunque su actuación no es muy pareja. Con el tratamiento musical se intenta (muy lógico) crear una atmósfera y un ritmo, lográndose más lo primero que lo segundo.

El corto pierde el rumbo, se alarga, aunque no se lo come el lobo. Imagino que hubiera sido mejor incluir más planos detalles, primeros planos y planos estáticos. Eso (me parece) hubiera potenciado varios símbolos al mismo tiempo que las particularidades de los rostros escogidos. Se echa de menos un lobo más creíble (o más increíble, que es lo mismo). Al corto le va mejor cuando muestra gestos de ternura (la chica y el perrito) que cuando ensaya malditismos dudosos, que podrían haberse resuelto mejor con mayor sequedad y frialdad… (Como nota personal, me hubiera encantado que los actores nunca hubieran movido los labios sino solo a lo más pensado sus líneas).

Por lo demás, creo que faltó pulir el tratamiento “mítico” de las actuaciones, que en general –hay que decirlo– no son muy buenas. Los personajes podían ser entendidos (así los entendí yo) como mitos, tipos o figuras. Se agradece, eso sí, la voluntad innovadora, que ya es bastante (aunque no suficiente) para el medio peruano. Pese a sus imperfecciones, que para mí no son pocas, prefiero este corto a The Light Bulb, la mortalmente convencional y aburrida pero técnicamente muy limpiecita obra más reciente de la apreciable cortometrajista Marianela Vega.

(Mario Castro Cobos)

Crítica sobre The Light Bulb:

http://lacinefilianoespatriota.blogspot.com/2007/02/light-bulb-de-marianela-vega.html

EL RINCÓN DEL DR. JEKYLL Y MR. HYDE

LA CRÍTICA CONSTRUCTIVA DEL DR. JEKYLL:

EL SUPRARREALISTA TRÁNSITO DE LA METAMORFOSIS GENEALÓGICA .....

"CAPUCHA NEGRA" DE RAFAEL A.

Lo estimable de la propuesta de este joven realizador es su frescura lúdica y su fuerza mundana, aunque incipiente, cuasipromisoria.

Su constitución está establecida en una cohesión de jitanjáforas visuales, que forman una telaraña de elementos míticos y naturalistas. No obstante, el coqueteo mitológico se convierte en concúbito, por lo que deja de ser sutil, y así se amengua su cualidad funcional. Más introspectivo, por lo tanto, circunspecto y pródigo a la vez, habría sido una condición de subtexto.

La tergiversación cuántica del argumento original del cuento infantil reputado "Caperucita roja" es un desfase entre el fenómeno de la desmitificación y la realidad aleatoria de la ambigüedad.

La yuxtaposición de lo forestal en lo urbano y el efecto onírico de una atmósfera presuntamente estrambótica son caracteres de una puesta en escena limitada en una dirección artística de tesis virtual mediante el recurso emulativo de una economía tipo "serie b" que, con una iluminación y un encuadre más disformes y transgresores de una dimensión convencional, habría sido mucho más creíble, e incluso, probablemente innovativa y, por ende, impresionante. Pero, el desencadenamiento casi abrupto de película "splatter" seca o sin "gore", se siente como una caricatura involuntaria... realmente decrece y se desvirtúa.

Sin embargo, la intención de representar la idea del relato reordenado a través del mecanismo del cine mudo, como símbolo del absentismo comunicativo en un planeta donde el eje de equilibrio entre la naturaleza y el hombre es una afasia trémula de signos no descifrados a tiempo por ninguno de los dos confrontados, es una premisa sólida aunque pudo ser mejor desarrollada por otros actores expresivamente más maleables.

Parecería que el conceptor de este cortometraje se hubiera inspirado viendo "Dogville" e inmediatamente alguna película del grupo Troma, durante una sobredosis nasolingüegástrica de opio y whisky.

Espero que no. Ojalá que nuestro apreciado amigo Rafael prosiga y progrese. Estaremos al tanto.

LA CRÍTICA MORDAZ DE MR. HYDE:

EL ARTE ARTÍFUGO DEL AMATEUR .....
"CAPUCHA NEGRA" DE RAFAEL A.

"¡Oh, qué maravilla!, ¡Oh, qué original!, ¡Oh, qué deslumbrante!, nos hallamos aquí ante la máxima expresión del dadaísmo pop del nuevo milenio ..."

De pronto, desperté de la tortuosa pesadilla ojiabierta al apagar el televisor con autoterapeútica celeridad.

Esa meliflua frase prolija de un juicio gratuito y poco sesudo fue lo que se me ocurrió que podrían haber manifestado los artífices de semejante "grito de la moda postmoderna" o simplemente sus allegados.

Para empezar mi disertación, intentaré describir esto sin ceder a la inevitable tentación de incurrir en una justificable gametogénesis de insultos.

Lo que su "autor" trató de pulular y hacer fue ....

Una versión dark-light-epicitadino-proecológico-perimitológica de "Caperucita Roja" a través de un relato de cine mudo y una derivación presunta de splatter.

La pregunta crucial es: ¿Lo logró, y qué valor tiene o hubiera tenido?

Como faquir en la pantalla, el espectador concienzudo cuestiona cada gesto chapulinesco de los actores y la analogía fisonómica de la protagonista y el personaje famoso de la chimoltrufia, con el perdón de "Chespirito". Pero, anárquicamente, podemos identificar a estos personajes supuestamente alegóricos en una psicoprolongación de "Lima marginal", una suerte de "Trainspotting jirónquilqueño".

"Señorita Tilsa", usted, ¿Realmente sabe cantar, o se trató de su clon vocal haciendo un hiporgásmico pastiche musical?

Este esbozo, posee una narrativa clásica y hasta sistematizada, no por ello, estimulante ni compacta.

Acerca de la traslación del reputado cuento "Caperucita Roja"; al lado de este cortometraje, "Freeway" de Matthew Bright es una obra maestra, y "En Compañía de lobos" de Neil Jordan: La mejor película de todos los tiempos.

Lo que se puede captar inmediatamente es una simbiosis entre una idea estética bien intencionada y la peor de las colitis intelectuales.

¿Hay un ápice de sensibilidad consecuente, aunque sea una especie de panfleto generacional? ... Un sutil ápice, sí, cual brisa ecuórea.

No obstante, el lumbago psíquico que esta pieza bastarda del "Underground Limeño" le causa al espectador más inocente es imperdonable, aunque la escena del epílogo cuando la protagonista baja por la escalera y se percibe una ráfaga lumínica es lo único, en término de codificación, rescatable; empero, no resulta una epifanía simbólica.

"Señor Rafael", después de difundir este trabajo que revela una música instrumental desproporcionada y una imagen de concepción ingenua, usted, y queda escrito de modo cordial y humanitario, debería ponerse la capucha negra del título... pero suelte el cuchillo que la brigada de la crítica está detrás de usted.

De todos modos, esperaremos su siguiente entrega... A veces nos gusta saborear las utopías. En algunos casos, la evolución puede ser una fascinante utopía.

ALBERTO ANGULO CHUMACERO

Crítica sobre otra película del mismo director:

http://lacinefilianoespatriota.blogspot.com/2008/11/largometraje-peruano-en-digital.html

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Friday, March 30, 2007

FESTIVAL CINE POBRE, CUBA: Delegación Peruana


Cinco directores peruanos participarán en el 5to Festival Internacional de Cine Pobre que se realizará en Gibara, Cuba, entre el lunes 16 y el domingo 22 de abril de 2007. Los representantes serán Luis Basurto Villafuerte, con su guión "El viaje macho", Fernando Torres Salvador, con su cortometraje documental "Carretillas driver", además de Gianfranco Quattrini, Coco Castillo y Javier Corcuera con sus cintas "Chicha tu madre", "Peloteros" e "Invierno en Bagdad", aunque esta última realización se presenta, obviamente, como producción española.
Quinto Festival de Cine Pobre de Gíbara
Selección Oficial
Maquetas
Velorio en familia (Brasil, 2006) Dir: Rosario Teresa Boyer, Edgardo Romano
Personal Belongins (Cuba, 2006) Dir: Alejandro Brugués
Cuídate de mí (España) Dir: Javier de la Torre
Nevando voy (España, 2006) D ir: Candela Figueria, Maitena Muruzabal
Vip.. la otra casa (Guatemala, 2006) Dir: Rafael Rosal, Juan Pablo Olyslager
Fan (Uruguay) Dir: Gabriela Guillermo
Guiones
Ángeles ( Argentina) Dir: Carlos Abel Barnes
Atentado (Argentina) Dir: Orlando Ricardo Branca, Federico Menichetti
El mecanografista (Argentina) Dir: José Ibarrola
Inversión (Argentina) Dir: Martín Basterretche, Fernando Regueíra
Las destinadas (Argentina) Dir: Dario Cardona Herreros
Las flores (Colombia) Dir: José Rafael Pérez Balen
El ángel de la guarda (Cuba) Dir: Lucía Chiong, Rolando Chiang
El presidente (Cuba) Dir: Onaidy Gutierrez, Marta María Borras
El vuelco del cangrejo Dir: Oscar Ruiz Navia
Lluvia(España) Dir: Fernando Merinero
La ley de la tierra (México) Dir: Fabrizio Prada
El viaje macho (Perú) Dir: Luis Basurto Villafuerte
Largometrajes Ficción
Réquiem (Alemania, 2006) Dir: Hans Christian Schmid
La Pared (Cuba, 2006) Dir: Alejandro GilMañana (Cuba, 2006) Dir: Iskander
De Bares (España, 2006) Dir: Mario Iglesias
Aller Simple (Francia, 2005) Dir: Jean Marc Brondolo
Suzanne ( Francia, 2006) Dir: Viviane Candas
Las Cruces... Poblado próximo (Guatemala, 2006) Dir: Rafael Rosal
Noticias Lejanas (México, 2005) Dir: Ricardo Benet
Chicha tu Madre (Perú-Argentina, 2006) Dir: Gianfranco Quattrini
Peloteros (Perú, 2006) Dir: Coco Castillo

Wir Werden uns Wiederseh´n (Suiza-Alemania, 2006) Dir: Oliver Paulus, Stefan Hillebrand
Cortometrajes Ficción
31 (Argentina, 2006) Dir: Damián Dionisio
El Entrepiso (Argentina, 2006) Dir: Sergio Eduardo Busco
Mañanas de sol (Argentina, 2005) Dir: Luciano Germán Giletta
Segunda Imposibilidad (Argentina, 2006) Dir: Marcelo Obregón
Gozar, comer y partir (Cuba. 2006) Dir: Arturo Infante
High Tech (Cuba, 2005) Dir: Eduardo del Llano Rodríguez
Molina´s solarix ( Cuba, 2006) Dir: Jorge Molina
Stand By (Cuba, 2006) Dir: Carlos Machado Quintela
Emilia (Ecuador, 2006) Dir: Carla Velencia Dávila
Solace (Estados Unidos, 2005) Dir: Jared Katsiane
Vecinos (España, 2006) Dir: Mario Iglesias
Agua (España, 2006) Dir: Alfonso Fulgencio
Benelux (España, 2006) Dir: Gonzalo Munilla
Fast Nation (España-Estados Unidos, 2006) Dir: Mar Batidas
El ambiguo (España, 2006) Dir: Carlos de la Torre
Háblame bajito (España, 2006) Dir: Fernando Merinero
La maltratada historia de María (España, 2006) Dir: Nacho Ruipérez Fernández
La parabólica (España, 2006) Dir: Xavi Sala
Li (España, 2006) Dir: David Casas Riesco
Llamando (España, 2005) Dir: Matías Bize
Ludoterapia (España, 2007) Dir: León Siminiani
Khaneh khalinist (Irán, 2006) Dir: Payam Parsafar
Motion report (Serbia y Montenegro, 2005) Dir: Verica Patrnogic
El cojonudo (Uruguay, 2005) Dir: Federico Álvarez
La librería (Venezuela, 2005) Dir: Hernán Jabes
Largometrajes Documental
Pequeña Habana (Argentina-Cuba, 2007) Dir: Rolando Pardo
Surfeando favela (Argentina-Estados Unidos, 2006) Dir: Maximiliano Ezzaoui, Natalia Bacalani, Tomas Crowder
Una odisea a la brasilera (Brasil, 2005) Dir: Mariana Vitarelli Alessi
Hartos evos, aquí hay. Los cocaleros del chapare (Colombia, 2006) Dir: Manuel Ruiz Montealegre, Héctor Ulloque
San Ernesto nació en La Higuera (Cuba, 2006) Dir: Isabel Santos, Rafael Solís
Korda visión (Cuba - Estados Unidos, 2005) Dir: Héctor Cruz Sandoval
Seoul Train (Estados Unidos, 2005) Dir: Jim Butterworth, Aaron Lubarsky, Lisa Sleeth
Invierno en Bagdad (España, 2005) Dir: Javier Corcuera
Radio qman txun, crónica de un pueblo maya (España, 2005) Dir: Max López
Voyage en sol majeur (Francia, 2006) Dir: Georgi Lazarevski
Sisters in law (Gran Bretaña – Camerún) Dir: Kim Longinotto, Florence Ayisi
Final Solution (India, 2005) Dir: Rakesh Sharma
Cortometrajes Documental
Mosca (Argentina, 2005) Dir: Juan Arata
De generación (Cuba, 2006) Dir: Aram Vidal Alejandro
Existen (Cuba, 2006) Dir: Esteban Insausti
Habanera por Juan Ramón (Cuba, 2006) Dir: Marina Ochoa
Model Town (Cuba, 2006) Dir: Laimir Fano Villaescusa
Monteros (Cuba, 2006) Dir: Alejandro Ramírez Anderson
Rasgando velos (Cuba, 2006) Dir: Lizette Vila Espina
Revolución azul (Cuba, 2006) Dir: Diego Fabián Archondo
Tabaco (Cuba, 2006) Dir: Renata Meirelles
30 días, un mes (España, 2006) Dir: Carmen Colino Rodríguez
Buscando barataria (España, 2005) Dir: Kike Narcea, Quique Corrales
La hipocresía del deseo (España, 2006) Dir: Rebeca María López, Carmen Titos, Carmen Gas, Eloisa D´Or
Mohsen makes film (Irán, 2006) Dir: Mohsen Khanjahani
Tranehaei ke baham khandim (Irán, 2006) Dir: Behzad Vaziri
Tribe bride (Irán, 2006) Dir: Kioumars Derambakhsh
I want to be a pilot (México - España, 2006) Dir: Diego Quemada Diez
Historia de Rosa (Nicaragua, 2005) Dir: Florence Jaugey
Carretillas driver (Perú, 2005) Dir: Fernando Torres Salvador
Nuestro mundo es posible (Suiza - Francia, 2006) Dir: Frank NA

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Thursday, March 29, 2007

PERUANOS EN EL FESTIVAL DE BUENOS AIRES 2007



Ocho proyectos argentinos, tres mexicanos, tres chilenos, dos brasileros, dos costarricenses, dos peruanos y uno uruguayo conforman los 21 proyectos seleccionados este año para los Encuentros de Coproducción que ocurrirá dentro de unos días en el marco del Buenos Aires 9 Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI).
La delegación peruana está conformada por el proyecto LAS MALAS INTENCIONES, de la directora Rosario García-Montero de quien pudimos apreciar hace algunos años su perturbador cortomertaje Are you feeling lonely? (2003). Este proyecto ha participado también hace algunas semanas del Mercado de Coproducción de Berlín. Sobre el proyecto, la directora ha declarado lo siguiente:
"...Hay una niña media oscurilla, medio distorsionada que es la protagonista y todo ocurre en el Perú de los años 80. Tiene una especie de humor negro. Es un drama, pero te ríes y nunca sabes realmente por qué. Te ríes por los motivos equivocados. Pero sigue siendo un drama… Un dramón." (Fuente: Cinencuentro.com)
El otro proyecto peruano seleccionado se titula LAS CENIZAS, de Raúl del Busto. Este proyecto fue uno de los nueve ganadores del fondo Hubert Bals del Festival de Rotterdam en su edición anterior. Sobre esta película, el director ha declarado lo siguiente:
"...se trata acerca de las consecuencias del fuego." (Fuente: Cinencuentro.com)
Abajo, la lista completa de seleccionados, donde encontramos al cineasta argentino Luis Ortega, director de Caja Negra y Monobloc.
PROYECTOS SELECCIONADOS BAL 2007
ENCUENTROS DE COPRODUCCION / ONE TO ONE MEETINGS

1. (Apuntes para una película sobre) La Varsovia de Gonzalo Tobal. (Argentina) Productora: Cruz del Sur Cine
2. Agua fría del mar de Paz Fabrega. (Costa Rica) Productora: Temporal Films
3. Asalto al cine de Iria Gómez. (México) Productora: Ciudad-Cinema
4. Huacho de Alejandro Fernández Almendras. (Chile) Productora: Jirafa films

5. La Belleza/ Nosilatiaj de Daniela Seggiaro. (Argentina) Productora: EHC s.h
6. La infinita distancia de Florencia Castagnani. (Argentina) Productora: Digitalburo
7. La liebre ciega de Salvador Roselli. (Argentina) Productora: Domenica Films
8. Las cenizas de Raúl del Busto Maldonado. (Perú) Productora: Intro Films SRL
9. Las malas intenciones de Rosario García-Montero. (Perú) Productora: Chullachaki Prod&Garmont Films

10. Las voces de Francisco Pedemonte. (Argentina) Productora: Campeón Cine
11. Mal día para pescar de Álvaro Brechner. (Uruguay) Productora: Expresso Films
12. Navidad de Sebastián Lelio. (Chile) Productora: Horamágica
13. Norteado de Rigoberto Perezcano. (México) Productora: Tiburón Filmes
14. O Drible de Victor Lopes. (Brasil) Productora: Luz Magica
15. Primaveral crecimiento cosechante prueba de Alejandro Hartmann. (Argentina) Productora: Bonita Films
16. Puerto Padre de Gustavo Fallas. (Costa Rica) Productora: Centrosur/Fundac
17. Qué hacemos con esta vida de Blas Eloy Martínez. (Argentina) Productora: MP Producciones
18. Rio Fijman de Luís Ortega. (Argentina) Productora: Villa Vicio SRL
19. Rota do Sal de André Mauricio Portugal Braga y Cardes Monção Amancio. (Brasil) Productora: Avesso Filmes Ltda
20. Turistas de Alicia Scherson. (Chile) Productora: La Ventura
21. Vaho de Alejandro Gerber Bicecci. (México) Productora: Vaho
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Wednesday, March 28, 2007

SAN ANTONIO DE LOS BAÑOS, CUBA: CONVOCATORIA 2007-2010




Para los jóvenes afanosos, una nota de prensa:


Escuela Internacional de Cine y Televisión
CONVOCATORIA CURSO REGULAR 2007 - 2010


La Escuela Internacional de Cine y Televisión con sede en San Antonio de los Baños, Cuba, filial de la Fundación del Nuevo Cine Latinoamericano, presidida por Gabriel García Márquez, Convoca a postulantes peruanos al Curso Regular 2007-2010 en las especialidades de Dirección, Producción, Guión, Documental, Fotografía, Sonido y Edición.


La Escuela Internacional de Cine y Televisión, considerada entre las mejores del mundo, cumplió en diciembre pasado, veinte años de docencia de alta calidad y vocación creativa. Es la única institución académica que ha sido distinguida con el premio Roberto Rossellini que otorga el Festival de Cannes.


Alumnos de diversas nacionalidades coinciden en un mismo proyecto audiovisual. Algunos realizan las tesis de graduación en sus países con el apoyo de otras instituciones y escuelas de cine. Esta posibilidad abre el universo del conocimiento, de la realización.


La Escuela participa aproximadamente en sesenta festivales nacionales e internacionales cada año. Estudiantes y graduados han recibido más de un centenar de premios. Por citar uno de los numerosos ejemplos, el largometraje Solas, del egresado español Benito Zambrano, obtuvo nueve premios Goya. Además triunfó en los festivales de Bruselas, Berlín y Tokio.


EN LIMA
Charla Informativa: martes 10 de abril / 1830 hrs.
Inscripciones: martes 17, miércoles 18, jueves 19 de abril 1700 hrs. a 1900 hrs.
Examen: sábado 28 de abril / 1500 hrs. a 1900 hrs.
Lugar: Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica del Perú Av. Camino Real Nº 1075 San Isidro


EN TRUJILLO
Charla Informativa: sábado 14 de abril / 1800 hrs.
Inscripciones: jueves 19 y viernes 20800 hrs. a 1200 hrs. / 1600 hrs. a 1930 hrs.
Examen: sábado 21 de abril / 0900 hrs. a 1300 hrs.
Lugar: Facultad de Ciencias de la ComunicaciónUniversidad Privada Antenor Orrego Av. América sur 3145 Trujillo

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Tuesday, March 27, 2007

MEJOR QUE EN EL CINE II - Saddam execution

Cuando ocurrió este hecho, todos nos quedamos asombradísimos: el Mundo regresaba al ahorcamiento y el presidente del Perú insistía con la pena de muerte. Ventarrón medieval frente a nosotros. En esos momentos sacábamos en este blog el Dossier Tarkovski y, mientras en el cable se anunciaba la muerte de Saddam, en Vídeo 2 estaba Nostalghia en el DVD. Domenico exclamaba, antes de prenderse fuego: ¿Qué pasa que un loco tiene que exigirles cordura?

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HAZTE CRÍTICO DE CINE EN OCHO PASOS


Luego de leer el último número de la revista Butaca se me quedó grabado en la memoria una idea de Desiderio Blanco acerca de aquellos que ejercen actualmente la crítica de cine en la ciudad –que es casi lo mismo que decir en el país-. Desiderio -más que padre, abuelo de la crítica nacional- afirmaba que los críticos de ahora, en el fondo, por más “distintos” que crean ser, dicen todos lo mismo, si se les lee con cuidado.
¿Esto es verdad? ¿Nuestros críticos dicen lo mismo? Dentro del corto tiempo que conozco a personas de este medio, he notado diferencias prácticamente irreconciliables entre algunos, lo cual me hacía suponer que esas disconformidades se extenderían de manera casi ontológica también a sus textos.
Ahora, sin embargo, juntando los artículos de tirios y troyanos, resulta que en algo se parecen. En alguito nomás. ¿Por qué? ¿Por qué parece que, para algunas películas, solamente hay una interpretación? (Recordad Madeinusa). ¿Será por el formato de redacción en los diarios? ¿Por la prisa al escribir los textos? ¿O porque, de veras pues, a veces solamente se puede decir lo mismo de una obra?
Basándonos en las críticas a la película Borat, de Larry Charles, escogimos los artículos de Federico de Cárdenas: Borat. Campeón de la incorrección política (La República, 18 de Marzo), de Ricardo Bedoya: La sátira extrema (El Comercio, 25 de Marzo), de Sebastián Pimentel: Parodias del “buen salvaje”. Sátira descarnada en Borat (El Comercio, 17 de Marzo) y de Raúl Cachay: Borat (El Comercio, 18 de Marzo) para recrear, imaginariamente el siguiente recetario.
OCHO PASOS EFICACES PARA CONVERTIRTE EN UN CRÍTICO DE CINE PERUANO Y SER PUBLICADO
-Una receta infalible-
leamos con atención
UNO: Presentar al autor con datos de internet
Teleasta de largar trayectoria, Larry Charles (Nueva York, 1956) se pone al servicio del comediante judío británico Sacha Baron Cohen, quien inventó al personaje de Borat en su programa de Ali G Show. Como sea, Borat –alto, flaco y bigotudo- se presenta como “el segundo periodista más conocido de la TV de Kazakstán”(De Cárdenas)
El actor inglés Sacha Baron Cohen es ese personaje cómico. Alto, delgado, bigotón, racista, misógino, homofóbico y antisemita, dice ser un reportero de Kazajistán que visita Estados nidos para dar noticias de las costumbres de ese país. Es imposible saber si Las cartas persas de Montesquieu fueron la inspiración original de Borat, ya que comparten la idea básica y el afán satírico. (Bedoya)
¿Qué tienen en común un periodisa obsesionado con la cultura rapera, un comentarista de moda que profesa un marcado fetichismo por los íconos nazis, un piloto de Fórmula 1 homosexual y un reporterio antisemita proveniente de la lejana república asiática de Kazajistán? (Cachay)
DOS: Cuenta la película
La presentación de Kazajstán puede ser chocante: los habitantes lucen como idiotas, la hermana es una prostituta feliz y la esposa lo amenaza como una cavernícola, todo representado en tono burlón. (Pimentel)
Borat nos entera de que tiene una hermana prostituta, un hermano retardado, que en su país ahorcan a los gays, aprecian más a un caballo que a una mujer y que la aldea practica una vez al año la “caza al judío” en el estilo de los sanfermines de Pamplona. (De Cárdenas)
TRES: Llénate de adjetivos
Si Borat es antisemita, misógino, homófobo, posee una lubricidad infantil escatológica que recuerda la de Harpo Marx e ignora las más elementales reglas de trato en sociedad. (De Cárdenas)
Hay algo tremendamente delicioso al corroborar lo estúpidos, racistas, homofóbicos, antisemitas, prejuiciosos y cavernarios que suelen ser los ciudadanos estadounidenses que forman parte de lo que se conoce como la ´mayoría silenciosa´. (Cachay)
El pueblo de Kazajstán es antisemita y Borat es machista, homófobo, sucio, primitivo e inocente hasta la estupidez. (Pimentel)
CUATRO: Sigue contando la película
Borat arremete personas en la calle y filma sus reacciones; dice pussycat delante de una feminista; pregunta por el calibre adecuado de un arma para matar judíos; arenga con un discurso patriotero a los espectadores de un hipódromo que lo aclaman primero y pifian luego; cena con un grupo de conservadores.... (Bedoya)
Borat queda enamorado de la actriz Pamela Anderson luego de verla en una revista de Baywatch, se las arregla para comprar un coche de venta de helados en el que pretende llegar a California para encontrarla... veremos al organizador de un rodeo recomendarle que se afeite el bigote “para no parecer musulmán”, a una multitud de cowboys aplaudirlo cuando da vivas a la política guerrera de Bush en Irak, o al dueño de una armería venderle la mejor arma “para matar judíos”. (De Cárdenas)
QUINTO: Lanzar advertencias al despistado lector
El público debe saber que con Borat no encontrará mayor hondura que la de la parodia, tampoco una historia cautivadora. (Pimentel)
Está claro que no es una película para todos los públicos... Esta es una película de culto, solo destinada para los estómagos más vigorosos. Y las mentes más abiertas. No dejen de verla. Pero –insistimos- vayan preparados para todo. (Cachay)
SEXTO: Presenta una conclusión originalísima
Borat es una sucesión de episodios ilustrativos de las mil y una modalidades de la mala leche de sus personajes y un montón de chistes ilustrados sobre la ignorancia y brutalidad de los tercermundistas kazajos, de costumbres medievales, y de la estupidez de los civilizados norteamericanos. (Bedoya)
Gracias a su estructura de pequeños episodios el protagonista se acerca a rituales y costumbres del estadounidense promedio y algunas de sus minorías con un espíritu de sátira muy preciso y siempre políticamente incorrecto, que no excluye la bufonería brutal y el absurdo. (De Cárdenas)
Lo de Baron Cohen es el ataque directo, la habilidad para desenmascarar la doble moral de la cultura norteamericana con una feroz concepción de lo grotesco. (Pimentel)
Borat desnuda las taras de una sociedad que padece una creciente crisis de valores. (Cachay)
SÉPTIMO: Compara la obra con otros blockbusters (sigue con los adjetivos, eh)
Borat es una película estéticamente ruda, de corazón insolente y de factura irregular, pero mucho más original, graciosa e inteligente que las lindas y tontas comedias románticas con la que nos abruma Hollywood. (Pimentel)
Apuesta a la inocencia e ingenuidad de su gesto y actitudes, similares a las de un Harpo Marx desatando oleadas de indignación a fuerza de su descontrolada importunidad. Entre Michael Moore y Jackass, Borat busca ser provocador y chocante... se diferencia de Moore, tan plúmbeo, manipulador y demostrativo. Pero el humor salvaje, descerebrado y revulsivo de algunos pasajes de Jackass dejan la escena del combate de “calatos” de Borat convertido en un juego de niños. (Bedoya)
OCTAVO: Al final, obvio, marca distancias de los otros críticos (crítica de autor)
La cinta, que se inicia como falso documental, cambia y se adapta a las formas del reportaje televisivo en directo. (De Cárdenas)
Es aquí que se mezcla el falso documental con el verídico, ya que en Nueva York o en California la mayoría de escenas son muy realistas, se han captado de improviso. (Pimentel)
Un falso documental es una ficción a tiempo completo. (Bedoya)
¿Cumpliste esos ochos pasos? Entonces, ahora sí, voilá.
Ya eres un crítico.
Fernando Vílchez Rodríguez

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Monday, March 26, 2007

NOCHES DE MAYUMANA (en Lima, además)


Ha sido tan agradable leer una veintena de e-milios en donde, angustiadísimos, algunos lectores nos preguntan si hemos decidido tirar la toalla con el cine para dedicarnos a otros menesteres. Este texto es para ellos:
¿De qué manera olvidarse por unas horas –unos días- del trabajo explotador, del fútbol insalvable, de las chicas santísimas (¡epa!), de los ministros apristas (¡ag!), del ajedrecista revejido (¡buena!), de la guerra con Chile (¡uf!), de los premios a Melania (¡duh!) y de los plagios de Bryce (ejem...)? ¿De qué manera, Señor? ¿Qué hacer para no morir con eso?
Déjame que te cuente, trigueño, que ha caído en nuestra ciudad una bendición digna del Dios de Israel. Directamente desde Tel Aviv para nosotros –debe ser un error- ha llegado la agrupación Mayumana. ¿Quién? ¿Quién es, quién fue, quién será Mayumana? Luego de conversar con ellos, ver sus ensayos y contemplar el show, todavía no lo sé. Lo que sí sé es que si tienes el dinero, el tiempo y el interés, no pierdas esta oportunidad.
¿Qué van a pedir?
¿Qué van a pedir?
¿Qué van a pedir?
Confundidas amistades me oían hace algunos años hablar fascinado de las obras que en Broadway (y off-Broadway) había disfrutado con despilfarrador entusiasmo. Hoy, en una esquina de la canibalesca avenida Aviación, se exhibe una obra de casi esa naturaleza. Con la precisión de Stomp, la energía de De la guarda, los efectos brillosos de Blue Man Group y hasta las aletas de Mamma Mía, Mayumana fusiona, remueve, dilata y dispara. Todo con ritmo, color y humor, ese humor que tiene un eco a las viejas puestas en escena de Pataclaun (aunque con una producción del primer mundo), lo cual explica por qué Pelo Madueñoour best clown ever- llegó a pertenecer a esta sonriente cofradía.
De poco vale contarles el rollo ahora -con un Alberto Servat es suficiente-. Basta recomendar que lleven sus manos relajadas, descansadas, pilateadas, listas para los chasquidos, las palmadas y los tamborileos. Al salir, continuarás enérgico y harás soniditos en el restaurante más cercano con los tenedores, la copa de vino o incluso al momento de mear.
Mondongo Mondongo Mondongo Mondongo Mondongo
Fernando V. R.



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Sunday, March 25, 2007

ESTA SEMANA, EN EL CABLE




Una revisión a las películas del Cable:


Lun. 26
El cuentero. Dir: Federico Fellini
(Eurochannel) 05.00
La caída del imperio americano. Dir: Denys Arcand
(The Film Zone) 05.50
La vida es una obra en construcción. Dir: Wolfgang Becker
(Eurochannel) 16.00 / 22.00
Detrás de los olivos. Dir: Abbas Kiarostami
(Europa Europa) 16.20
Destinos cruzados. Dir: George Cukor
(TCM) 18.05
El golpe. Dir: George Roy Hill
(Retro) 20.00
Melinda & Melinda. Dir: Woody Allen
(Cinecanal) 20.00


Mar. 27
Crash. Dir: David Cronenberg
(CGC) 00.00
Madame Bovary. Dir: Claude Chabrol
(Europa Europa) 10.10
Viva Italia. Dir: Roberto Rossellini
(Europa Europa) 17.45
Rumble fish. Dir: Francis Coppola
(Retro) 20.00
Corre, Lola, Corre. Dir: Tom Tykwer
(CGC) 22.00


Mié. 28
Drugstore Cowboy. Dir: Gus van Sant
(TNT) 01.45
Temporada de caballos borrachos. Dir: Bahman Ghobadí
(Europa Europa) 09.40
Ella usaba una cinta amarilla. Dir: John Ford
(TCM) 14.30
Secretos y mentiras. Dir: Mike Leigh
(Europa Europa) 20.00


Jue. 29
Secretos y mentiras. Dir: Mike Leigh
(Europa Europa) 02.35
Quiz Show. Dir: Robert Redford
(HBO) 13.00
El Pasajero. Dir: Michelangelo Antonioni
(Film & Arts) 21.30


Vie. 30
El Pasajero. Dir: Michelangelo Antonioni
(Film & Arts) 00.30
Ed Wood. Dir: Tim Burton
(TNT) 02.00
House of mirth. Dir: Terence Davies
(Europa Europa) 09.50


Sáb. 31
Carrie. Dir: Brian de Palma
(Retro) 03.30
Dancer in the dark. Dir: Lars von Trier
(Europa Europa) 17.30


LA CINEFILIA NO ES PATRIOTA

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Friday, March 23, 2007

BRYCE: LA EXPLICACIÓN A TODO



Al igual como nos ha causado risas incómodas durante las últimas horas, en este momento podemos lanzar una explicación a toda este affaire/conflicto/escándalo que el caso Bryce ha suscitado en todo el planeta literario. Se trata de una explicación tan contundente como cotidiana, y que puede detener de una buena vez los misiles acusadores y los rajes literarios a media voz.
Esta explicación se resume en una palabra de raíces germánicas: Alzheimer.
No es una teoría, tampoco una justificación. Se trata únicamente del diagnóstico sincero que personas cercanas al escritor han comentado entre susurros.
Esto explica las insuficientes explicaciones del escritor en sus cartas publicadas por el diario El Comercio, cartas que, releídas, dejan ver una confusión e ignorancia inexplicables.
Mención honrosa en esta función merece El Comercio, diario que, dicho sea de paso, una vez más causa vergüenza por su posición tan hipócrita y melindrosa en este escándalo. El día de hoy, Viernes 23, se lava las manos de una manera que avergonzaría a Pilatos y escribe en una suerte de Editorial:
"... es Alfredo Bryce Echenique quien debe asumir absoluta responsabilidad por las consecuencias de sus actos. El Comercio, en tanto, espera que el escritor reafirme su compromiso de que sus colaboraciones futuras tendrán el riguroso control de calidad que El Comercio exige para sus lectores."

"Riguroso control de calidad" mis pelotas.
Alfredo tiene Alzheimer.
O, al menos, lamentablemente, algo parece indicar que así es.
LA CINEFILIA NO ES PATRIOTA



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"YO TAMBIÉN QUIERO QUE BRYCE ME PLAGIE"


Y salud por eso....



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Thursday, March 22, 2007

REPORTE DESDE JAPÓN (I)



FORASTERO ACOMPAÑADO
Cuando al cine te lo llevas en las maletas



Cuando la cartelera empezó a serme insuficiente, descubrí el cine-club.

Podría contar muchas cosas acerca del cine-club. De mi afición desmedida por él, de alguna alucinante maratón o, simplemente, de cómo cambió mi vida -aunque esto suene a exageración y seguramente lo sea-. Lo cierto es que de no ser por el cine-club no estaría escribiendo esto aquí, ahora.

El aquí y el ahora para mí es Japón, en donde vivo desde hace más de cuatro años. Vivo en la prefectura de Shiga en la región de Kansai, una de las zonas más tradicionales y con más abolengo de todo el país. A esta región pertenecen también Osaka, Nara y Kyoto, la antigua capital del Imperio.

Kyoto es la estampa de Japón por excelencia. Ahí están el pabellón de oro, Gion: el barrio de las geishas, el antiguo palacio imperial, los templos, los sublimes jardines y todo aquello que hay en el imaginario colectivo sobre Japón.

Sin embargo mi lugar favorito en Kyoto está en un barrio menos conocido y ciertamente no mencionado en las guías turísticas. Se llama Minami Kyoto Kaikan y es -cómo dudarlo- un cine-club.

El Minami Kyoto Kaikan queda a pocas cuadras de la estación central de Kyoto en una zona sin atractivos turísticos. Funciona en lo que fue un cine de barrio, de esos que hubo aquí, en Lima y en todo el mundo. El local es claramente uno de los cines de fines de los 60, pequeño (regular para los estándares japoneses) y ubicado en un segundo piso. Guarda esa calidez de los cines de barrio que termina por hacer familiar un lugar público. Incluso podría jurar que, sentado en una de sus butacas, sentí que estaba en el cine Azul de mi barrio o el Opera de Jesús Maria. O incluso en el Capitol de la avenida Arica.

Tiene una estrecha escalera flanqueada por afiches y una máquina expendedora de tickets. Nadie mejor que los japoneses han entendido que el cine es uno de los placeres que se disfrutan mejor en solitario. ¿Quién necesita boleteras o preguntas innecesarias? En el hall hay displays con folletos de cada película exhibida y futuros estrenos, mesas para sentarse y tomar un café servido por otra máquina expendedora y un puesto de venta de libros, revistas y alguna parafernalia cinematográfica, acá sí con seres humanos. Todo está decorado más con pasión que con sentido estético.

En el Minami Kyoto Kaikan se pueden ver películas todos los días del año desde las diez de la mañana hasta la medianoche. Su programación ofrece hasta siete películas por día, venidas desde cualquier rincón del planeta… Hay rincones -claro está- con mayor preponderancia y otros totalmente obviados. (Sigo esperando impaciente o temerosamente ver algún día un film peruano).

Mis días favoritos son los sábados pues el cine-club ofrece una función que va desde las 23:00 hasta las 7:00 del día siguiente, con tres películas o varios cortometrajes. Las funciones son programadas según un director, un actor, un género, una escuela, etc. Ya hubo una noche de Truffaut, otra de Kieslowski, otra de Mizoguchi, una Noche Freak, una Noche Fantástica y hasta una noche latina con Gael García Bernal de protagonista en donde se proyectaron: Amores Perros, Y tu mamá también y Diarios de Motocicleta. En esta última película pude ver dos rincones de Lima que me retrotrajeron al empacho nostálgico de tal manera que incluso vi actuar bien a Gustavo Bueno.

Ya terminada la función a las 6:50 del domingo me di con la ingrata sorpresa de que la máquina expendedora no vendía Alka Seltzer.


reporto desde japón
armando sakihara

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Wednesday, March 21, 2007

UN MALDITO CINEASTA: ABEL FERRARA



Se termina el ciclo MANIQUÍES ABYECTOS en el Auditorio de Humanidades en la PUCP, segunda versión de la Muestra VER O NO VER, dirigida por Enrique Vivar, seleccionador de títulos tan valiosos como extraños.
Esta muestra, además, cuenta con la participación casi mínima
minúscula
diminuta
ínfima de este blog.
El día Jueves 22, a las 6.00pm, termina la Muestra con la proyección de Un maldito policía, de Abel Ferrara. La recomendamos con mucho entusiasmo y los dejamos con dos textos referidos a este alucinado film.

*

Abel Ferrara resume: "Tipos como Harvey Keitel y Christopher Walken están en el límite, justo en el límite. Y están ahí fuera sin red".

Algunos críticos afirman que el teniente de Keitel -que prefiere liquidar a los sospechosos y robarles el dinero para mantener su hábito al "crack" antes que resolver los casos- constituye un retrato sin precedentes de un hombre en las cimas de la degradación, hasta un nivel nunca visto con anterioridad en las pantallas.

Pero Keitel, siempre dispuesto a defender sus personajes cinematográficos, explica: "trata sobre la dificultad del viaje a través de la vida, la dificultad de vivir sin pecado. Este hombre sufre, está atormentado. Su vida es un vacío".

Pero, ¿hasta dónde se está preparado para llegar en la descripción de ese pecado? "Aquella jeringa era de verdad, se lo aseguro. Clavársela en el cuerpo es como un acto de autoviolación. Pero me encontraba preparado para llegar casi a cualquier parte por este guión. Cuando lo leí, fue como conocer a un tipo que sabes que se convertirá en tu amigo."

(Tomado de "Woman", Número 36)

*
UN MALDITO POLICÍA
de Abel Ferrara
Tienes que haber estado solo mucho tiempo. Tienes que haber conocido la ciudad. Haber andado, observado. Tienes que haber sido humillado en lugares públicos, haber sido amenazado continuamente. Tienes que haber odiado a tu familia, a tus amigos, a tu profesión. Sobre todo, tienes que haberte odiado a ti mismo. Y mucho. Y durante mucho tiempo. Porque si no ha pasado eso contigo, este cine te parecerá “interesante”, “coherente con su universo”, underground, es decir, cine que sí-logra-transmitir-lo-que-pretende. Vete por donde viniste si vas a usar ese discurso como éste para un cine como éste en madrugadas como ésta.
Cine brutalmente honesto. Cine lleno de grietas. Drogas, putas, gritos. Tienes que haber estado en el fondo, haber sido muy miserable, haberte sentido muy solo, más que solo. Tan dolido que no te quedó otra que recurrir a Dios. Tan amargo que cuando lo viste únicamente pudiste insultarlo. Después, hasta el Cristo te dio la espalda, y lo hizo con placer. Horriblemente solo.
Y tienes que, oh paradoja, sentir cariño por el mundo. En ese caso, saldrás del cine y te meterás a una peluquería a raparte la cabeza. Y después, llorarás.
(Fernando V.R.)

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Tuesday, March 20, 2007

MAURICIO MULDER: EL ORCO DE LA SEMANA




Causa arcadas. Según Perú.21 en su edición del martes, el congresista del APRA Mauricio Mulder estaba indignadísimo porque a ningún cineasta peruano se le había ocurrido hacer una película sobre la Guerra con Chile, suponemos, para contar la versión patriótica.
Congresista Mulder, se acaba de ganar nuestro primer Premio al Orco de la Semana.
Semanas atrás, cuando el medio cinematográfico pugnaba por el cumplimiento de la LEY DEL CINE, personas muy enteradas nos contaron algo que ahora ya no nos parece tan raro. Aunque no es una versión confirmada -¡cómo podría serlo!-, bien vale la pena comentarlo en este momento:
Dice la leyenda que un Ministro de Educación buena onda había estampado su firma para que se incluyera en el Presupuesto 2007 el monto total de lo que le correspondía a la industria cinematográfica. Cuenta esa misma leyenda que un risueño Ministro de Economía aprobó el monto y dispuso que se suelte el dinero tantas veces esquivo.
La leyenda termina cuando el Presupuesto llega a manos de un respingado y prepotente ser quien, al leer el término "Cine Peruano", sin tomarle ni diez segundos, simplemente bajó el pulgar.
Y vivieron felices para siempre...
Las declaraciones del congresista Mulder no sorprenden. Indignan, irritan, dan risa, dan pena y hacen que uno devuelva la comida y patee al perro. Pero no sorprenden.
Estamos convencidos: La primera película que se haga sobre la matanza de los penales (drama), o la que se haga con los Mirage (aventura), o sobre el grupo paramilitar Rodrigo Franco (suspenso), o sobre Agustín Mantilla (biopic), o sobre el dólar MUC (mockumentary), sobre Cayara (terror), sobre los doce apóstoles (comedia romántica) o sobre el baile del teteo (musical), cualquiera de estas cintas ya tiene un candidato para la dedicatoria inicial: Claude Maurice Mulder Bedoya.
Que nunca se muera.
LA CINEFILIA NO ES APRISTA
*
PURA PANTALLA
Al comentar la suspensión del documental chileno Epopeya, el congresista Mauricio Mulder no enfiló su artillería verbal contra la oposición, las ONG o la prensa, como acostumbra. Esta vez lo hizo contra el cine nacional. Así como lo lee. En diálogo con CPN, calificó de "pacotillero" al cine peruano porque -en su opinión- hace tiempo debió producir una cinta sobre la Guerra del Pacífico. Pero eso no fue todo. Mulder también criticó a la televisión nacional por producir solo series sobre "barras bravas" y no tratar temas históricos. Este señor ya necesita su talk show.
(Publicado en Perú.21 el día Martes 20 de Marzo)

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DREAMGIRLS, De Bill Condon


WITH A LITTLE HELP OF MY (BLACK) FRIENDS
DREAMGIRLS, de Bill Condon
Un escenario brillante, cuerdas de guitarra agitadas de manera sincopadas, luces que anidan entre el limbo y el nirvana, mujeres con peluca moviéndose al ritmo de sus corazones; la cámara se aleja y se acerca; la edición es hiperactiva, entrañable, estable en lo inestable. Esto es sólo un esquema resumen de Soñadoras, un musical romántico, dramático y “documental” al mostrar la realidad del mercado musical en Estados Unidos de los sesentas.
Eddie Murphy interpreta a James “Thunder” Early. Un prometedor, egoísta y muy verosímil cantante de rythm & blues(R&B). Revisando la historia musical americana “gringa”, y obviamente contada por los mismo “gringos” en el sentido más fiel a la palabra, podemos darnos cuenta de manera clara y hasta absurda, que el “rey” del rock & roll no fue como lo pintaban, ni de lejos, Elvis Presley, sino los verdaderos y únicos Chuck Berry, Little Richard, entre otros de raza negra. En este caso es, James, que practica la sinergia de brotes eufóricos de adrenalina con cánticos desgarradores, funciones aterradoramente sinceras y honestas.
Murphy tuvo una corta carrera musical en los años ochentas. Es por eso que su naturalidad al estar en el escenario es genial. Sin ningún punto de comparación con el maestro Chuck Berry quien dominaba el escenario mejor que nadie, James encuentra en las luces, la música y la melodía de la vida, una expuesta marca de poseedor de música en las venas capaces de morir por ella. Sus gestos, sus expresiones a la hora de cantar penetran sin lugar a dudas en el subconsciente de nosotros. Nos mantiene pendiente de él y hasta nos padecemos de él, lamentando que sus días de veterano rockero terminen como las de muchos.
Una de las escenas más tensas, intensas y potentes del filme es la que protagoniza Jennifer Hudson como Effie White, una de las integrantes de The Dreamettes. Una irresponsabilidad por parte de Effie complica la relación entre sus “hermanas” y su amante-manager. El núcleo se centra aquí mismo. Una discusión que canta a la vida, en el momento justo en que se desmorona la amistad.
Una escena que describe el clímax a la misma velocidad en que una pluma de un ave cae desde el aire: moviéndose despacio, azotada por el viento que cruza su camino. Effie se siente impotente y quien canta pareciera ser su alma con lágrimas y con furia. La tristeza se hunde entre sus cabellos y su piel negra (si nos damos cuenta, si entramos dentro de la música, dentro de la melodía y dentro de las palabras, vemos a Effie hablar y no cantar). Replanteamos lo dicho líneas atrás: es Effie hablando con su alma. Pero no cualquier alma, sino una musical, mezclada con swing. ¿Es esta película un musical o una película de almas contentas y cantantes? ¿Quién habla? ¿El personaje? ¿El guionista? ¿O será el alma? Yo diría que nuestras palabras son tan sinceras, como nuestra alma sonora. ¿Se puede vivir sin música? Según esta película, no. Todos nosotros tenemos nuestra propia música interior que nos lleva desde la infelicidad, como esta escena, hasta la felicidad. La felicidad tiene música tanto como la tristeza. Proposiciones claras que observamos desde la primera nota musical de la cinta hasta la última.
Soñadoras mantiene una línea que sulfura la monotonía. Los cambios son grandes y pequeños. Las canciones son predicciones, son primeras impresiones sinceras y profundas. El administrador y genio de la evolución de la música dentro del filme es Jaime Foxx interpretando a Curtis Taylor Jr., un vendedor avariento de autos cadillac que quiere entrar al mundo de la música como “manager”. Encuentra a tres mujeres con voces celestiales y música interesante y las saca del hoyo para convertirlas en súper estrellas.
Curtis no sólo es manager sino también productor musical. Regenera, cambia y evoluciona el ritmo de “sus chicas”. Desde un “rythm & blues”, hasta “dance” en los setentas con Deena Jones quien se convirtiera en su esposa. Nunca deja de cambiar el estilo de su música, sin ser este músico. Su labor de manager lo profundiza convirtiéndose en productor musical. Algo así como Brian Epstein, el manager y George Martin, músico y productor musical de Los Beatles. Curtis es una fusión de ambos. Supo llevar al grupo de manera exitosa. Desde su primera decisión, como la de poner a Deena, la más guapa de las tres, como cantante líder. En el caso de Epstein, de cierta forma, fue la de sacar a Pete Best y buscar a otro en su reemplazo (Ringo Star).
Otra capacidad innata del manager fue la de comprar a los dj´s para que emitieran en sus programas radiales “singles” de The Dreamettes, grupo que dirigía. Epstein por su parte compró casi todos los discos del primer “single” (Love Me Do) para que pudiera llegar al TOP en las radios. Curtis evolucionó y cambió el sonido de Deena, e hizo música dance, música que ponían en las discotecas, música popular. En este caso, Martin no sólo le dijo a John Lennon que “Help debía de ser rock & roll y no una balada como originalmente se concibió, sino también que propuso sonidos alternativos como en Eleonor Rigby en donde Martin creó la parte instrumental y los Beatles sólo se dedicaron a cantarla. La visión de Epstein y Martin están en Curtis. Con la única diferencia que Curtis era mafioso y Epstein terminó asesinado y Martín es ahora el productor más respetado a pesar de su inactividad.
No comparo a los Beatles, con las Dreamettes, pero la forma en que Foxx forma a su personaje y cómo este lo desarrolla, es ejemplar y muy similar al de los productores de los Beatles. Por ironía, dentro de la película (creada por Bill Condon, director y guionista del filme), The Dreams (cambio sugerido por su manager) surgen como rivales de los Beatles en el año 1965. Condon sí las compara, qué lástima.
Dejé de creer en musicales por el simple hecho de que muestran a la música de forma plástica y mera acompañante de la historia, pero aquí, en esta película, la música es la película. Gracias a la música nace la película. Se convierte en algo audio - visual y no visual - auditivo. No están al mismo nivel ni tienen que estarlo. Lo auditivo debe de primar, lo visual debe de tener su lugar. Creo que la edición con bases de video musical sirve, la edición sonora es impecable, la música ejecutada está precisa, las interpretaciones muy profesionales, el vestuario primoroso, la dirección escénica muy acertada. Un conjunto armónico de primera. Una bella sinfonía cinematográfica.
Paco Pulido Spelucín

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Monday, March 19, 2007

OSCURO, UNA PELÍCULA PARA MONSEÑOR CIPRIANI


OSCURO (SOMBRE) DE GRANDRIEUX
HOY EN LA PUCP, 6PM
Es un juego de los cinéfilos el hacer rankings, valoraciones, listas de las mejores y las peores películas, escenas, actuaciones, partituras, etc. Y una de esas listas es la que se refiere a las mejores óperas primas en la historia del cine. Tenemos las de siempre: Citizen Kane y À bout de soufflé. Transgresora: Eraserhead. Fresca: Reservoir Dogs. Contemporánea: La Ciénaga… En fin, los títulos que quieran. En mi caso, luego de lo contemplado anoche, es momento de quitar una de las anteriores (a Welles, por ejemplo) e incluir la siguiente obra: Sombre (Oscuro, 1998), la primera película del francés Philippe Grandrieux.
Poco se sabe de él y lo que se conoce no es suficiente. No convencen las sumillas que resumen su cine al estudio del cuerpo, de sus medidas y realidades. No convence el mismo Grandrieux cuando dice que lo que le interesa es “…el cuerpo, el ritmo, la carne, el peso del cuerpo, los huesos, todo aquello con lo cual pienso, su relación con la luz. Eso me interesa, no decir: ´Voy a contar la historia de un tal…` En esa narrativa de personajes no creo”. No es suficiente. Veo Sombre y sé que hay mucho que no se nos dice. (¿Por qué se nos va a decir todo, por otro lado? Grata exigencia). No se dice, por ejemplo, que la forma y el fondo es lo mismo y, en Sombre, lo carnal es mucho más que una afanosa exploración del cuerpo; es, principalmente, el terreno sobre el que se enfrentarán dos eternos rivales, tan antiguos como la Vida misma: el Demonio y el Ángel. Y en ese estadio mundano, como es lógico, Satán juega de local.
Ángel: Criatura incorpórea, admitida por el neoplatonismo, que sirve de intermediaria entre Dios y las criaturas corpóreas. ¿No existe algo más que un hálito de santidad en el personaje de la agraciada Claire (Elina Löwensohn)? No únicamente por saber que se trata de una virgen, como confiesa su hermana mientras ofrece su cuerpo a la Bestia. En una escena maravillosa, Jean (Marc Barbé) se levanta a dos putas de un cabaret para llevárselas a un terreno abandonado. Mientras hace bailar a una a la luz de los faros, va asesinando a la otra dentro del auto. El acto se interrumpe: Claire aparece y lo observa con profunda piedad. Ella es el Cristo, no le hace falta decir nada, basta con esa mirada tan cristiana, tan llena de compasión. Naturalmente, bajo la mirada divina, Jean debe soltar a su presa (¿cómo pecar con Dios tan cerca?), aunque decide vengarse pronto.
Demonio: Ángel malo, desterrado del paraíso espiritual, expulsado al universo de lo profano. ¿Qué cine puede acercarse a explorar el mundo instintivo sino aquél que tiene en lo corporal su piedra de toque? Todas esas elucubraciones formales que aparecen en la pantalla (brillos, desenfoques, abstracciones de hojas y cabellos, rayas complejas y apresuradas herederas del cine de Brakhage) aparecen cada vez que el director nos aproxima al interior de Jean, la Bestia. Su apariencia es humana, pero sus sentidos actúan distinto que los nuestros. Sus ojos ven lo que nosotros no vemos, aunque al frente tengamos el mismo objeto. Sus oídos se exaltan de una manera animal, algo que nosotros jamás conseguiríamos.
Es eso, un animal herido, humillado, angustiado por la cercanía de lo divino. ¿Por qué se le ocurre ahora a Su Santidad aparecer en mi vida?, se debe preguntar. No puede mirarla a los ojos. La venganza: hacer que Claire pierda su virginidad. La maltrata. La emborracha a la fuerza. Uno siente que la va a hundir villanamente. ¿Qué es el Demonio sino la eterna sombra de Dios, reflejo fallido de lo perfecto, condenado metafísicamente a la derrota? Y, sin embargo, en esta nueva versión del Bien y el Mal, podemos ir, sin duda, más allá y descubrir que a estas alturas de la humanidad, ya no estamos para Dioses de ningún bando.
¿Puede haber alguien más malvado que la Bestia? Grandrieux dice que sí. Jean quiere hacerle perder la virginidad a la santa, pero se topa con dos burgueses seductores que resultan mucho peor que él, tan villanos que se ve forzado a rescatar al Ángel de esas atrevidas manos. ¡Ya no se le respeta ni a él!
Además, ¿qué le pasa a esa muchacha, al inicio tan pura y melancólica? Le empieza a gustar lo terrenal: le gusta el disfraz de bestia salvaje que el otro guarda en su mochila, le va gustando emborracharse y bailar, es ella quien lo busca y prácticamente ella quien inicia lo que esperábamos fuera una violación terrible y maligna… La civilización de cabeza. Los ojos brillosos del Demonio empiezan a apagarse. La arrogante pureza del ¿Ángel? desapareció y con ella, la sombra celosa empieza a desvanecerse.
Por eso, vaya paradoja, la Bestia tiene que expulsar a Claire de la Tierra. Que regrese a su divinidad rápidamente. Si desaparece lo perfecto, ¿en quién va a reflejarse el Mal, a quién envidiar? El Príncipe de las Tinieblas presiente la verdad: Dios ha muerto –hace rato- y la derrota, la real y definitiva, es inminente.
En otra ciudad, el Ángel conversa con una madre y se entera que el amor ideal está enfermo, como todo lo platónico. Recién toma conciencia del cáncer humano. La cámara se eleva sobre su rostro y Claire-Elina parece ascender, nuevamente y para siempre, a la bóveda celeste, un Cielo que para la Bestia no es sino un espacio por donde los aviones vuelan y nada más. Mientras ambos recuperan fuerzas, nosotros estamos sentados al borde de la pista, testigos impasibles de este enfrentamiento.
El cine de Grandrieux no es solamente un cine del cuerpo. Una competencia de ciclismo, presente durante toda la película, puede hacernos pensar lo contrario. Sin embargo, lo cerebral también late ahí, especialmente ahí, a causa de una razón contundente por lo simple que es: las competencias que trascienden son de resistencia y no de velocidad. Para ganarlas, seas hombre o dios, tienes que dosificar las energías. Por encima de lo carnal siempre aparece la maldita Razón. Sombre es la mirada más extrema que he visto sobre esta tragedia.
Fernando Vílchez Rodríguez

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Sunday, March 18, 2007

MEJOR QUE EN EL CINE (I): CARMEN ELECTRA CAE DE LA PASARELA


De cada rincón del mundo nos llegan imágenes sorprendentes, dolorosas, ingeniosas, históricas e irrepetibles. Son imágenes que contienen una potencia visual que, a veces, resultan mucho más fascinantes que una película entera. O toda una filmografía entera. O la filmografía de un país entero.

Desde los aviones estrellándose contra las Torres Gemelas hasta el ahorcamiento de Saddam Hussein, pasando por el cabezazo de Zidane, ciertos vídeos no dejan de causar una sensación indescriptible, por lo que mejor es compartirlas y cruzar los dedos para que algún cineasta consiga escenas tan fabulosas.

Arrancamos con lo sucedido hace pocas horas: La caída de Carmen Electra en plena pasarela. Atención con la modelo que le sigue, quien resbala aún de peor manera.

LA CINEFILIA NO ES PATRIOTA



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Saturday, March 17, 2007

CONTINÚA EL RANKING 2007: EL ILUSIONISTA



PUESTA EN ESCENA DEL ENGAÑO
El Ilusionista, de Neil Burger


En la Viena de 1900, el misterioso Eisenheim (Edward Norton) cautiva al público con sus espectáculos de magia e ilusionismo. Sus poderes sobrenaturales llegan a los oídos del príncipe heredero Leopold (Rufus Sewell), un hombre pragmático que acude a su espectáculo con incredulidad, acompañado de su prometida, la bella y sofisticada Sophie (Jessica Biel). Sospechando un fraude por parte de Eisenheim, encarga al perspicaz inspector de policía Uhl (Paul Giamatti) que vigile todo lo que el ilusionista hace.
Antes de iniciar el artículo sobre El Ilusionista quiero escribir de forma breve acerca de la habilidad que Burger expone en su película, la cual tiene como base conseguir sin un mayor despliegue de efectos especiales, que las ilusiones mágicas presentadas nos parezcan creíbles. Además, de narrar fluidamente su historia sin que perdamos el interés casi en ningún momento. Hasta aquí el breve comentario.
Un personaje de Mulholland Drive, específicamente el maestro de ceremonias que aparece en el bar Silencio, decía que todo lo exhibido en esos instantes era ilusión. Es precisamente sobre esto que trabaja Neil Burger en El Ilusionista, esto es, intervenir sobre las imágenes que los espectadores ven y hacerles creer que son verdaderas. El Ilusionista no juega únicamente con los asistentes a sus espectáculos sino con los propios espectadores de la película, ya que ambos se dejan llevar – y me incluyo- por una serie de pases de magia, prestidigitaciones, entrando así en el juego que nos plantea el ilusionista de nombre Eisenheim.
Digo esto porque a diferencia de El Gran Truco de Christopher Nolan, que mostraba el detrás de escena y la fabricación y preparación de los trucos de magia, en El Ilusionista durante casi toda la película llegamos a pensar que Eisenheim es un verdadero mago de la ilusión (que no son trucos visuales prefabricados), lo cual logra por la fascinación que logra transmitir con cada uno de sus actos de magia. Borges respecto del truco en lo que respecta al juego y por extensión a la magia decía: “La habitualidad del truco es mentir” y “Una potenciación del engaño ocurre en el truco”. Lo mismo puede decirse de la ilusión dentro del ámbito de la magia. Debido a que mientras vemos una a una las representaciones ilusionísticas caemos dentro del juego de quien las realiza y somos engañados.
De otro lado, la historia de El Ilusionista está inmersa en dos épocas importantes para la Europa de aquellos años, léase: los conflictos por la unificación del imperio austro-húngaro y los últimos momentos de existencia del romanticismo. El ambiente que se percibe con mayor fuerza es el de un romanticismo tardío; una muestra de esto es la pareja que conforman la duquesa Sophie y Eisenheim, puesto que viven un amor que se rehúsa a terminar y que pretende durar si no trascender. El amor que todo lo vence es una característica típica de la corriente romántica. Asimismo, en la película se plantean las disputas entre el racionalismo, incluso el positivismo (surgido por aquellos años) basado como se sabe en una objetividad férrea contra lo que es la esencia de lo romántico, es decir, el predominio del yo (subjetivismo), preponderancia de la imaginación, de la pasión, atracción por lo extraño, etc. Estas características están presentes en alguna medida en el espíritu no solo de Eisenheim sino de la película toda.
Finalmente, el clima político atraviesa la historia a causa de los conflictos provocados por el reino de Austria, y por las intrigas palaciegas y cortesanas que lo pretenden. El personaje de Eisenheim a veces sin proponérselo se convierte en un elemento peligroso para los intereses del poder de turno, encabezado por el heredero a la corona de Austria: el príncipe Leopold. Se siente en la historia una actitud contraria y crítica al statu quo reinante en aquella época, por ende se trata de una actitud cercana a la corriente liberal y porqué no libertaria.
CÉSAR GUERRA LINARES

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TRIADA MEXICANA: HIJOS DEL HOMBRE


TRIADA MEXICANA DE LA ACTUALIDAD FÍLMICA MUNDIAL
I. Hijos del hombre, de Alfonso Cuarón
Basta recordar de Cuarón su endulzado apólogo humano La princesita, o su reactualización dicroica de Grandes Ilusiones con el título Grandes esperanzas, el clásico de Dickens adaptado magistralmente por David Lean hace décadas pero aquí sobriamente correcta, o su celebrada Y tu mamá también ditirambo entre el cliché y la ideología globalizada codificada como azar acerca de la dualidad sexual, o su tercera entrega de Harry Potter, titulada Harry Potter y el prisionero de Azkaban, fantasía ni megacomercial ni tampoco tan personalizada; para según el trailer o propaganda no sea su flamante película tan promisoria ni llamativa... neopastiche del modelo de ciencia ficción sobre la lucha descomunal y además conmovedora contra la opresión de un sistema cada vez más artificial, y para colmo el redundante alegato interracial, el protagonista blanco debe ayudar a una joven negra embarazada. Aparte, la esposa perdida de éste vuelve a su vida personal para persuadirlo que colabore con la causa, y tal vez surja una reconciliación. Causa repugnancia ipso facto. No obstante, el producto entero no recibe justicia de su enunciación promocional.
A pesar de los referentes de títulos como 1984 o Un mundo feliz, el argumento renovado y particular es el siguiente:
En una sociedad regida por la anarquía a través de una oposición de fuerzas: un militarismo draconiano y un movimiento doctrinario liberal que explota alevemente entre sus propios integrantes en el doblez apotegma "El fin justifica los medios", debido a un conflicto de marginalidad o periferia citadina o estratificación socioeconómica excluyente territorial, y además el fundamental dilema expansivo de la infertilidad... Sin embargo, como prodigio cuasibíblico aparece en escena una joven en estado de embarazo.
De acuerdo a un marco dramático convencional, la esposa o ex-esposa que pertenece a esta agrupación clandestina tildada de terrorista podría junto al protagonista salvar a la sola mujer embarazada y finalmente reconciliarse con él. Pero lo categórico de esto es que paulatinamente hay personajes que no sobreviven, y en medio de una sucesividad trágica ascendente el protagonista, un hombre que antes vivía rutinariamente acomodado, se compromete a llevar a la joven embarazada a otro lugar mucho más seguro, finalmente, vivo o muerto. Cabe cuestionar si basta dispersar espermas tanáticas en una estructura expresiva para lograr algo estéticamente regocijante.
La crítica de cine es como la menarquia, la primera vez el dolor de la fruición es casi fulminante para resucitar sin haber muerto en la experiencia espectosensorial. Entonces, el espectro de la diégesis copula con las distintas percepciones de modos variopintos.
El preámbulo es un primer trazo en el óleo de un retrato masivo de violencia urbana, es decir, la dicotomía del caos versus el cinismo resignado de la normalidad. La fotografía se torna cada vez más obscura. Asimismo, la historia se convulsiona como en una partida de ajedrez, sólo que aquí, y eso lo detracto y paradójicamente a la vez lo acepto, como un símbolo cristiano de esperanza, el rey es el nonato pronto a nacer.
El protagonista, encarnado por el siempre parco Clive Owen, desempeña un rol de padre putativo que en un acto de ajustada filantropía se esfuerza para hacer valedera la permanencia humana; no se trata de un heroísmo greco de tebeos, sino de un sentimiento genuino y fluyente que sobrepasa las barreras de la ética estandarizada, y llega a ser no un profeta idealista ni un arquetipo de Dios-Hombre empero un hombre común en un periplo impredecible hacia lo extraordinario.
Sin exceso de correlato musical, tenemos acá un thriller de ciencia ficción sociogenética futurista que no incurre en el molde del melodrama, pero baraja prudentemente los parámetros de la concepción como orden natural sobre el tapete de la incesante problemática humana y la figura sutilmente suprema de la mujer como artífice de esta palingenesia y superviviente de amparo y aguijón al recién llegado a este planeta tan vacío como reloj malogrado y contradictoriamente lleno como terreno cunícola.
ALBERTO JAVIER ANGULO CHUMACERO

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TRIADA MEXICANA: BABEL


TRIADA MEXICANA DE LA ACTUALIDAD FÍLMICA MUNDIAL
II. Babel, de Alejandro González
Alejandro González Iñárritu, diestro manipulador de la publicidad y el vídeo clip, ya había sucumbido al éxito de su ópera prima Amores Perros en Cannes (La semana de la crítica) y en otros festivales más o menos reputados, tanto que luego realizó la análoga angloparlante 21 gramos pero más debatible y menospreciada. Ahora, nos trata de envolver con una película políglota y por ende multirracial (español,inglés, japonés, etc) acerca del fenómeno de la incomunicación. Si Amores Perros era un rompecabezas episódico de tres historias que tenían en común los lazos de amor y pasión como concepto redoblado, perros alegóricos y a la vez concretos, y un nexo de accidente automovilístico donde convergían los tres relatos; aquí el desorden de la incomunicación se visualiza arquitectónicamente en un montaje donde los tiempos y los espacios se reinterconectan interválicamente, un boomerang escénico múltiple que transmite la información de modo dinámico y espiralado, pero en este caso es una autoafirmación gestora.
¿Hasta qué punto la variabilidad autoreferente puede ser un cáncer estilístico? Creo en la pureza casi ecléctica entre Spielberg y -con el respeto que siempre se merecerá- Buñuel, para elaborar muy personalmente un documento de su ego preñado de un neodadaísmo facticio. La dupla González Iñárritu - Arriaga, director y guionista respectivamente, hace gala de un amalgama intrincado pero inferible de fragmentos del drama de los niños rurales y el rifle que su padre les facilitó negligentemente para que uno de ellos casualmente hiera a una turista que viajaba con su cónyuge estadounidense en autobús, quienes se enrumbaron en un asueto para limar asperezas y conversar abiertamente sobre todo ante la evasión del hombre por la pérdida de uno de sus hijos, y sus otros hijos en un problema de persecución de la policía contra la empleada mexicana que los cuida y su sobrino un poco ebrio, todo debido al prejuicio; y aquel rifle que podría ser el primer detonante para que los diversos plotpoints se desencadenaran le regaló un japonés, de caza, padre de una adolescente colegiala sordomuda, quien busca a través de su propio lenguaje un bálsamo para erradicar su abismal soledad, una búsqueda que se aparenta como un cuadro crónico de ninfomanía.
Subsiste un balance estocástico respecto a la alternancia asociativa entre una historia y otra, ya que la cualidad episódica aquí ya no es formal, y está exenta de límites narrativos, aquí todo se escultura en una unidad.
El prefacio es hiperbólico, como un desierto el mundo donde jugamos a ser adultos sin dejar de ser niños y nos herimos casi casualmente pero sospechosamente a propósito desde el subconsciente. Primero agredimos y luego nos comunicamos, o por lo menos lo intentamos, ¿Acaso la violencia de la barbarie no es una clase de comunicación y la civilización no es más que una ilusoria pantomima?
El núcleo o medio es lo mejor de la película: las distintas ambientaciones son unilaterales y por eso mismo transmiten la divergencia aludida en la temática. En cuanto concierne al desentendimiento por las lenguas disímiles y a la incomprensión entre personajes isóglotas, el tratamiento de la puesta en escena es efectivo por oscilar entre lo pausado y lo frenético. Ni hablando el mismo idioma, nos salvamos del repudio callado ante la desatención de lo que expresa el otro.
Cabe destacar la escena de la japonesa sordomuda por encajar en un ámbito drogada quizá con éxtasis o algún similar columpiándose, o la escena de la fiesta mexicana posterior a la boda tan rústica como esperpéntica, o la misma japonesa sordomuda en reacción al rechazo de otros, los amenaza y tienta a la vez habiéndose quitado la trusa se levanta un poco la falda para advertirles que esa vagina cual monstruo que seduce jamás la poseerán, amén de un menester de valoración aunque sea mediante el deseo carnal.
No obstante, el colofón es simplemente reconciliativo. La cámara se aleja y la urbe se va convirtiendo en un recinto titánico de explosión demográfica, donde exuberan los edificios que enclaustran historias tan íntimas aún afrontándose, y el lenguaje se hace más lejano, oscuro, difuso, utópico e inconciliable.
Como dice el eslogan: Si quieres que te entiendan... escucha.
Yo agregaría: Y si aún no eres entendido... comprende su desidia, prosigue disfrutando a medias lo que sientes como soledad, y en un futuro no tan lejano clónate a ti mismo en sexo opuesto, y vivencia el enlace perfecto.
ALBERTO JAVIER ANGULO CHUMACERO

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TRIADA MEXICANA: EL LABERINTO DEL FAUNO


TRIADA MEXICANA DE LA ACTUALIDAD FÍLMICA MUNDIAL
III. El laberinto del Fauno, de Guillermo del Toro
No cabe duda que la ópera prima de Guillermo Del Toro, Cronos, una visión estrambótica sobre el vampirismo infectado a través de una reliquia animalesca que se incrustaba en el torso del protagonista, es por eso mismo su película más personal e independiente. Prescindibles son sus incursiones en el mercado hollywoodense con títulos como Mimic, cuasiparodia de Alien de Ridley Scott, versión subterránea, o la no tan desechable Blade 2, por las coreografías beligerantes espectaculares hasta cierto punto y su coqueteo más friccionante con el microcosmos del cómic, o el escarnio fílmico de superhéroes mutantes y villanos demoníacos de Hellboy. Sin embargo, trascendió con El espinazo del diablo, un fascinante drama histórico que juega ambages con el thriller psicológico de horror fantasmal.
Un ludismo genealógico semejante ha hecho aquí Del Toro. La protagonista es una niña muy imaginativa que vocaciona los cuentos de hadas, y acaba de mudarse con su canija pero atractiva madre embarazada, a la hacienda de su padrastro: un militar fascista tan sádico que él mismo resulta uno de los monstruos de aquellos cuentos que adora la niña. A ella se le revela que es la encarnación de una princesa mágica cuando se vio frente a frente con el fauno del título, y éste le advierte que debe pasar varias pruebas y vencer ergo algunos obstáculos para que se defina si no ha perdido su esencia original por la humanidad que ya poseía, y así retorne a su reinado.
La película propone una dilogía narrativa mediante un paralelismo o alternancia de lo realista lindando con la sublime caricatura (Sergi López caracterizando a un brutal militar que se cose su zona cigomática bordeando su boca después de la acción cortante entre vindicativa y autodefensiva del personaje de Maribel Verdú, la criada hermana de uno de los líderes de la resistencia) y lo fantástico lindando con la aventura propiamente física (la niña es perseguida por "el hombre pálido, aquél que coloca sus alargadas manos con ojos para poder avanzar, y ella a tiempo logra huir).
La película, a pesar de algunos excesos dramáticos comunes o estereotípicos por más que se pretenda lo opuesto y no por eso dejan de ser delectables y hasta inquietantes, como la escena evidente de la tortura al tartamudo o la abrupta balacera a los guardias en asechanza a la criada, es narrativamente solvente. Además, existen elementos infantiles como la tiza que dibuja umbrales a la otra dimensión, y elementos místicos como una mandrágora que es una raíz antropomorfa; el mito (la mandrágora como una planta que quiso ser hombre) y la noción de la realidad (la guerra civil española) se entrecruzan, y la única religión que nos guía es la de la convicción.
El desenlace alusivo al significado del sacrificio como catarsis final del amor por antonomasia y sin parangón, es un arquetipo que a veces pierde fuerza y otras recobra energía. ¿Cuestión de fe o de felicidad inventada?
La mirífica ficción y el nefasto plano de la realidad ... simbiosis entre el agua y el fuego, o viceversa.
ALBERTO JAVIER ANGULO CHUMACERO

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EMPIEZA EL RANKING 2007: El Custodio




EL HOMBRE QUE NUNCA ESTUVO
El Custodio, de Rodrigo Moreno


El cine argentino ha brindado un número significativo de películas de gran calidad, además ha ofrecido diversas propuestas estilísticas, algunas más arriesgadas que otras. Muchos consideran a la cinta El Custodio como una película novedosa, transgresora del modelo clásico narrativo propuesto por Aristóteles, opinión que compartimos parcialmente.
Rubén (Julio Chávez), el custodio, se dedica a proteger al Ministro de Planificación, trabajo que es compartido con otros colegas. El filme se centra en los quehaceres de este lacónico personaje, desde la preparación de su chaleco, hasta las prolongadas esperas que efectúa en aguardo de la persona que debe proteger.
Lo más logrado de la película es la puesta en escena de esta rutina laboral. La cámara sigue al guardaespaldas, en largos travellings, manteniéndolo a veces en segundo plano. Estos desplazamientos grafican el estado de cosificación del personaje, que se convierte casi en un accesorio más del ministro, moviéndose donde su protegido se mueve y sin participar en su mundo. Es, además, un personaje que lo vemos presente todo el tiempo, pero que se comporta como si estuviera ausente. Incluso la atracción que siente el custodio por la hija del ministro es ignorada por ésta, pero no por desconocimiento sino por la condición de Rubén, casi inexistente.
El director Rodrigo Moreno (director de cortometrajes y correalizador de otras producciones fílmicas) también aquieta la cámara para representar la espera de Rubén, a quien casi siempre lo vemos en pasadizos y vestíbulos, escenarios principales con que asociamos a este personaje antes que a su casa, en una lograda metáfora de su desarraigo.
Una mención aparte merece Julio Chávez, que encarna sin patetismo a Rubén, estado al que hubiera recurrido otro actor. En cierta forma repite su papel de Un Oso Rojo, a pesar de que a simple vista ambos personajes son disímiles. En ambas películas, Chávez tuvo que realizar una actuación física minimalista.

Las secuencias fallidas son las únicas que no se centran en el trabajo de Rubén sino en las relaciones afectivas que mantiene con su familia (una hermana con problemas mentales y su joven sobrina), una reunión con algunos amigos y un evento de su vida sexual (que sostiene con una prostituta). Estas escenas, a diferencia de las anteriores mencionadas, no son tan logradas, ya que enfatizan la inadaptabilidad del personaje, característica que comparte con su familia, lo que sustenta las posibles hipótesis de un aparente desorden hereditario o una aciaga fortuna. familiar. Creemos que intentar brindar una posible explicación a la vida casi anónima de este personaje fue una tarea vana, primero por innecesaria (la película apela a la contemplación antes que la explicación) y segundo por insatisfactoria (la escena precedente al encuentro sexual, que está fuera de cuadro, posee cierto patetismo que está ausente en casi todo el filme).
El desenlace ha sido el aspecto más criticado por muchas personas, debido a que desarmoniza con la propuesta del filme, propuesta que apuntaba a una sucesión de hechos sin aparente progresión dramática, unificadas por este personaje silencioso y de vida anodina. La bala que encaja el protagonista en la cabeza de la persona que debía proteger debe ser interpretada como una liberación existencial, estado al que el personaje aspiraba pero que muy pocos notamos, porque no una hubo una construcción coherente y adecuada que represente ese anhelo, solo algunos esbozos. Ese desenlace carece del riesgo que la mayoría del filme exhibe y parece sacada de Los Cuatrocientos Golpes donde, por enésima vez, el mar aparece como metáfora de la libertad.
A pesar de sus errores, El Custodio es una película digna de ser vista al ser un ejemplo más de la vitalidad del cine argentino.


Robinson Díaz Sifuentes

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Friday, March 16, 2007

TOKYO DECADENCE: LA VERDAD ES QUE ME DA PLACER INSULTARTE



VER O NO VER
Ciclo: Maniquíes Abyectos


トパーズ (Tokyo Decadence – Topâzu). Dirección y Guión: Ryū Murakami; basado en su propia novela. Producción: Chosei Funahara. Cinematografía: Tadash Auki. Música: Ryuichi Sakamoto. Montaje: Kazuki Katashima. Elenco: Miho Nikaido, Sayoko Amano, Masahiko Shimada.

Japón, 1992.135 minutos. Color.


El primer trabajillo del amigo Murakami, la novela corta Azul casi transparente, escrita cuando aún era estudiante, trata de honorables temas como la promiscuidad y el consumo de drogas entre la juventud japonesa. Aclamada por los señores críticos como un nuevo estilo de literatura, considerada por otros señores críticos como decadente, la verdad no la sabemos, pero si nos la piden (
lacinefilianoespatriota@yahoo.com) se las enviamos conchudamente gratis (e-book, traducción al inglés). Y luego nos cuentan.

Les informamos con placer que además, la impecablemente torcida y divertida-a-lo-Vértigo, Audition (1999), filmada por ese sujeto inefable llamado Takashi Miike, también pertenece a la testa de Murakami.


A continuación, algunas reacciones de espectadores y críticos around the globe:

“Muy erótica y enferma al mismo tiempo. Si conmueve, es sobre todo por la inocencia da Ai, el personaje principal. Su búsqueda del verdadero amor y la felicidad actúa en duro contraste con la vida nocturna de Tokyo, atravesada de sexo perverso y toneladas de cocaína”.

“La película lo fetichiza todo hasta el punto de volverlo abstracto”.

“Muy útil para gente interesada en sexualidad, cultura y roles de género. Proporciona ejemplos perfectos de cómo el poder nos pervierte y/o excita”.

“Film intrigante, difícil de ver, pero de una gran riqueza y belleza visuales y gratificantes capas subtextuales”.

“Hay sexo explícito, pero rara vez estimulante, tal vez porque cada encuentro está impregnado de dolor. Si logras conectarte con la protagonista, el film tendrá en ti mucho mayor impacto del que esperas”.

“Seis sesiones de bizarras aventuras sexuales. Abusada física y mentalmente por sus clientes, creo que la importancia de esta película radica en la visión de la cultura sexual japonesa de los noventas. El status de las mujeres en una sociedad puede ser entendido a través de prácticas sexuales degradantes. Pero si quieres ‘sexo’ mejor vete a ver El Imperio de los Sentidos”.

“Nunca he estado en Tokyo, pero este film me hizo sentirme ahí. La ciudad luce moderna y saludable pero, debajo de todo eso, sin alma, materialista”.

“La mejor línea de todo el film viene de una de las putas (raro, ¿no?). Ella afirma que los japoneses son gente muy sana, pero sin orgullo. Esa falta de autoestima, creo, explica la conducta de los clientes”.

“Igual que otros films asiáticos de los noventas, Tokyo Decadence combina una historia cruda y obscena con una elegancia visual innegable”.

“Está altamente cargada de un sentido de lo literario; es casi como escuchar una cinta de audio de tu autor favorito leyendo su propio libro, pero aún más visceral”.

“Nada menos que un absorbente estudio social que –conscientemente o no– traza claros paralelos entre el poderoso sentido del ceremonial que penetra la cultura japonesa y las más secretas ceremonias que ocupan su vida nocturna”.

“Carente del rigor filosófico, intelectual y emocional de, por ejemplo, un Oshima, este sinsentido desvergonzado y voyerista resulta finalmente tan incoherente y poco iluminador como su trillado tema.

“El film está tan ocupado en mostrar el cuerpo semidesnudo de la protagonista de una manera tan frívola y maliciosa que se olvida de una caracterización más profunda y de un mejor desarrollo del plot”.

“¿El director no pudo realizar un film que no estuviera simplemente construido alrededor de una eterna ilustración?”

Diálogos para estúpidos: ‘La verdad es que me da placer insultarte’. ‘Mi sueño es violar a una muerta’. ‘Estrangúlame y córremela’. ´Profesora Ai por favor entréneme bien duro’.

Murakami: “La sociedad japonesa restringe y fuerza a la uniformidad. La gente entonces no tiene otra elección que obedecer para obtener la protección de la comunidad. Bajo esos valores la mayoría no comprende el individualismo. Se usa la palabra como "oponerse a las masas". Pero individualismo significa que uno no debe obedecer órdenes desde arriba ciegamente, sino oponerse a ellas si no las acepta a la luz de su propio juicio”.

Filmografía:
Kagirinaku tōmeini chikai burū – Almost transparent blue (1979)
Daijōbu mai furendo – All right, my friend (1983)
Raffuruzu Hoteru – Raffles Hotel (1989)
Topāzu – Tokyo Decadence (1992)Kyoko – Because of you (2000)
Si no llegaste a verla, no intentes. No está en Polvos.

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Thursday, March 15, 2007

CAFÉ LUMIERE, HOY, CINEMATÓGRAFO DE BARRANCO


Este mes estamos dedicados a las proyecciones de distintas películas por la ciudad. El día de hoy, el Cinematógrafo de Barranco nos da la posibilidad de proyectar la película CAFÉ LUMIÈRE. La cita es a las 6.45pm.
A continuación, algunas notas que Lorena Cancela, inteligente y simpática analista argentina, escribió luego de ver este film de Hou Hsiao-Hsien en el gran marco del Festival de Rotterdam.
Además, no se olviden que en el ciclo Maniquíes Abyectos, el día de hoy se proyecta VOCES DISTANTES, de Terence Davies, a las 6pm, en el Auditorio de Humanidades de la PUCP.
- - -
(...)
PARA TERMINAR: CAFE LUMIERE

Durante el festival, pude hacerle una pequeña entrevista a Claire Denis. En ella le pedí que me contará con qué película se había sentido movilizada. Me respondió: ¿Hoy? Y yo asentí: Sí, hoy. Más allá de que no todo el mundo puede responder a una pregunta con otra pregunta, lo que me agradó de la respuesta de Claire fue el hecho de compartir en silencio que las películas nos hablan HOY, que nuestros cánones fílmicos cambian con los días, con las cosas que no pasan ...

Mucho me habían hablado de Rotterdam. Pero como ocurre la mayoría de las veces, la realidad de las cosas es un poco distinta a la realidad del relato. Quiero decir, no todas las películas que vi (y como quedó sentado a lo largo de este recorrido) creo que aportan algo a la cultura fílmica y no todas las conversaciones que tuve, o intenté tener, con algunos colegas, fueron realmente interesantes o me aportaron algo.

Rotterdam para mí terminó con Café Lumière. Porque fue la última película que vi, porque me alegró saber que Hou sigue siendo un gran cineasta, y porque terminó de justificar que sí, que valió la pena haber estado en Rotterdam. También porque, y me voy a permitir usar la frase ‘por suerte’, todavía con las obras de determinados cineastas puedo alienarme, o identificarme lo suficiente, como para seguir creyendo que el cine puede explicar, o mostrar, algo de la experiencia humana en toda su vastedad. Al igual que Millennium Mambo (2001), la última película de Hou está protagonizada por una chica. En este caso, por una chica de clase media que quiere ser escritora y que llega de viaje de Taiwán al Japón. Ella está embarazada, pero les informa a sus padres que no se va a casar con el padre de su hijo porque, entre otras cosas, está muy pegado a su mamá. Por otro lado, tiene un amigo que trabaja en una librería donde venden libros usados y con el que comparten el gusto por escuchar cierto tipo de música y una pasión por los trenes. Hasta allí lo que se puede describir de Café Lumière.

Lo otro (lo más importante) lo que no se podría describir del todo porque hay que vivenciarlo, son los paseos de ellos en los vagones, los sonidos del tren, los planos secuencia, la profundidad de campo, las telas que se mueven con el viento, cómo se ven las cosas bajo la luz del día, las relaciones corporales entre padres e hija, la distancia corporal entre ella y su amigo, los gestos ... Los cambios generacionales.

Café Lumière es un homenaje de Hou a Yazujiro Ozu y anhelo poder volver a verla otra vez.

Por eso, quiero terminar mi crónica sobre este festival agradeciéndole a Hou Hsiao-hsien por haberme hecho recordar mi vida como hija, por haber alimentado mi deseo por el cine, por la sonrisa con la que me fui de la sala al finalizar Café Lumière: la última película que vi en Rotterdam 2005.
Lea la crónica completa de Lorena Cancela aquí:

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Wednesday, March 14, 2007

FASSBINDER, HOY EN LA PUCP (6pm)

RULETA CHINA
de Rainer Werner Fassbinder

Espero que tu generación
pueda algún día avergonzarse
de la nuestra


UNO

“Papá está con otra mujer y mamá con otro hombre. Hay que juntarlos a todos para que se conozcan.” (MCC)

El trueno Fassbinder lanzó su mirada sobre la burguesía alemana… y esto es solamente el enorme pretexto para –una vez más- exigir profesionalmente/exprimir emocionalmente a los miembros de su ya histórica tropa quienes, sin duda, se planteaban retos antes de pensar en una historia, o quizá horas antes del propio rodaje, retos como a ver, filmemos media película encerrados en este salón.

Bah, Buñuel hizo toda una película así. Pero ahora súmale a la licuadora El año pasado de Marienbad y agrégale todo el alcohol que es Fassbinder y estate atento a la maravilla de trago que resulta. No viene con soda ni hielo. No es un Gin Fizz. Demasiado intelectual. Tampoco un Daiquiri de durazno con sombrillita incluida. Exageradamente puto. Ruleta china: Si esta película fuera un trago, ¿cuál sería?


DOS

“La cámara es un robot, que aprendió ballet.” (MCC)

Michael Ballhaus alista la cámara y propone seis movimientos. Rainer se emociona. Kurt Raab reclama que lo esperen para terminar unos detalles. Rainer se impacienta. Margit Carteasen ensaya el timing de sus pasos. Rainer aplaude. Peer Raben deambula tratando de ir avanzando en su cabeza. Rainer mira el techo. ¿De dónde saca tanta energía?

Cínica y encantadora, la clase burguesa aparece retratada en una película igual de exquisita, por una cámara igual de calculada, bajo una luz igual de resplandeciente, envuelta por una música igual de hipnotizadora. Cada juego de miradas es un clímax permanente. Nada como la frialdad para incitar orgasmos. Cine con rostro de mujer, pero no de ésas que llevan el sexo grabado en el rostro. Tampoco de ésas que se esconden muy mal en la inocencia. Ruleta china: Si esta película fuera una mujer, ¿quién sería?

Y TRES

Unos chicos de colegio entrevistaron a Fassbinder:

¿Cree en la existencia de vida extraterrestre?

Sí.

¿Cómo se imagina su vejez?

No creo que llegue a ella.

¿Cómo reacciona a la crítica negativa?

Positivamente.

¿Considera que los enfermos mentales son una carga para la sociedad?

En nuestra sociedad no hay nadie que no sea un enfermo mental.

¿En qué circunstancias haría un gran sacrificio?

Por amor.

¿Qué estudios tiene?

Ninguno.

¿Estaría dispuesto a adoptar un niño que necesitara cuidados?

No.

¿Cuál es la última vez que se sintió confundido y por qué?

Me siento confuso siempre que me mira un hombre uniformado.

¿Cuál es el juego de la sociedad que más le gusta?

El juego de la verdad.

Hablar de la sociedad es algo tan serio que uno debe tomárselo divertidamente. Nuestros mayores se mueren de cáncer mientras se celebran entre ellos. No han hecho ni bien ni mal. No han ganado una guerra, tampoco la han perdido. No hemos prosperado, tampoco nos hemos hundido más. Ningún brillo en las artes, en las letras, en las ciencias sociales. Tampoco nada para avergonzarse. Nos obligan a vivir de la moda: el pisco, el futbolista en Europa, el festival latinoamericano. También hay que encerrarlos a que se vean las caras y ver si dicen algo honesto al fin.

Y esperar que salga uno de ellos, tan solo uno, basta con uno, para que nos suelte los versos de Luis Hernández: “Espero que tu generación / Pueda algún día avergonzarse / De la nuestra”. Ruleta china: Si…


(Fernando Vílchez Rodríguez)

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Friday, March 09, 2007

MARTES 13: ANATOMÍA DEL INFIERNO

Ángeles del infierno: una entrevista a Catherine Breillat

sobre Anatomie de l'enfer

Kevin Murphy: Un motivo recurrente en tu trabajo son las mujeres envueltas en relaciones con hombres que se rehúsan o que son incapaces de satisfacer sus deseos sexuales. Estoy interesado en por qué la mujer de Anatomía del Infierno recoge a un hombre de un club gay.

Catherine Breillat: Más que por deseo, lo que ella está buscando es su identidad sexual, su “yo”. Para ella, él es una suerte de imagen. No es un club para homosexuales, es un club donde los hombres van juntos, hombres a los que no les gusta la compañía de las mujeres, y hay muchos lugares en el planeta en donde a los hombres no les gustan las mujeres. Es una alegoría.

KM: Puedes hablarnos sobre la relación contractual que se desarrolla entre ellos.

CB: Esencialmente, ella le está pagando a él para observarla en situaciones en las que ella no puede ser observada. Es como la teoría de Pitágoras, que postula que no puedes observar aquello que no es observable. Estamos constantemente observándonos a nosotros mismos y conscientes del hecho de que la sociedad siempre está observándonos, pero la dificultad está en el intento de observarnos a nosotros mismos de una manera diferente de la que estamos acostumbrados por la sociedad. Si no puedes amarte a ti mismo, no puedes amar a nadie. Esta mujer está pagando a este hombre para que sea el primer chico en la Tierra en mirarla a ella. Ellos recrean la primera noche y la primera mujer, como Adán y Eva.

KM: Esto es muy interesante, porque en este film tú invocas mucho la iconografía clásica y religiosa.

CB: Lo hago, y pienso que por esto, no pude encontrar a una actriz que pudiera tener sexo explícito con Rocco Siffredi –ninguna–. Todas se negaron, tal vez porque vivimos en una época muy represiva. El ordenamiento moral está sobre nosotros y de manera dura sobre mí y mi trabajo. Tuve que hacer este film como una pintura sagrada. Tuve que pintar mi Caravaggio.

Este film va a generar una respuesta llena de odio porque es sobre aspectos prohibidos de la religión, más del Judaísmo que del Catolicismo. De hecho, es una versión de la Torá, una ilustración de la sección sobre la mujer. Leí la Torá luego de filmar, y me di cuenta que este pasaje de la Torá es la visión opuesta de este mismo tema, palabra por palabra una ilustración del cuerpo femenino, la menstruación. Es sobre la impureza, sobre la sangre. La mujer en este film representa a Cristo.

KM: La puesta en escena de Anatomía del Infierno es como un sueño, como un espacio figurativo.

CB: Intenté que pareciera un sueño, cargado de significados simbólicos, donde cada cosa que es un símbolo es nuestra verdad pero no es la realidad. Realidad y verdad no son la misma cosa. La verdad es más emblemática de la condición humana, creo. Como en Romance, este film te permite entrar a una nueva dimensión, una que conduce a la fantasía. Cuando hablas sobre sexualidad, siempre estás trabajando en una dimensión fantástica.

KM: Este film, como el primero, Una chica de veras joven, ha sido adaptado de tu propia novela. ¿Cómo trasladas estas representaciones del sexo y los cuerpos, desde la página a la pantalla?

CB: El tema esencial o la idea de la puesta es: un hombre y una mujer sentados en un cuarto. No hay romance. Puedes escribir un guion con cosas como "ella yace en la cama, está extendiendo sus piernas, él está observándola, y está realmente horrible." Tuve que encontrar otro camino para escribir el guion con poesía, una especie de poesía que pudiera ilustrar perfectamente el tema. Por eso escribí el libro Pornocratie, como una forma de dejar fluir el lenguaje poético del guion. La escritura del guion me llevó a la escritura de la literatura. Al final guardé el original del guion, y solo añadí la voz en off y las últimas cinco páginas de mi propio libro. Esto porque la película es casi un film mudo. Todas estas escenas tienen que ser mudas, porque todos esos pasajes líricos y diálogos tienen que ser traducidos a una luz metafórica y metafísica, literalmente traspuestos a una luz cinemática. Cuando ves los grandes films silentes como los de Murnau, te das cuenta de la primacía de la imagen en el film; es la imagen la que es emblemática de lo que de hecho está ocurriendo.

KM: La voz en off es única porque habla tanto por la mujer como por el hombre. ¿De dónde viene y de quién es?

CB: ¡Soy yo! Primero tuve esta extremadamente extensa voz en off a lo largo del film, y mi editora estaba furiosa, y le dije que podía cortar lo que quisiera y mantener solo lo que era necesario. Eso hicimos. Y luego hicimos una prueba de pantalla para cuatro o cinco personas, con la voz en off hablada por Rocco y Amira, y fue bien, pero es mejor cuando soy yo, porque cuando son ellos, se lee como un film psicoanalítico, y yo odio la psicología (risas).

KM: Y además lo hace muy personal, tú tan presente en el film.

CB: Cuando ruedo una película, siempre me proyecto a mí misma en uno de los personajes, ya sea primero en el hombre o en la mujer, y Anatomía del Infierno es la primera película en mi carrera en la que mi voz y mis pensamientos vienen del hombre, no de la mujer. Yo soy el cuerpo de Rocco y solo estoy imperceptiblemente en Amira; ella es como un yo que está muy lejos. Usualmente me identifico con las mujeres, con Ane Parillaud, con Roxane Mesquida, con Anaïs Reboux, con Caroline Ducey. Yo estoy en sus cuerpos. Pero aquí yo ocupo el cuerpo de un hombre, y la mujer es más un ejemplo, como un obelisco o una pintura. Como muchos de mis films, Anatomía del Infierno es un film sobre la iniciación, pero en este caso, es el hombre quien es iniciado.

KM: A despecho de las visiones reduccionistas de tu trabajo como pornografía por los conservadores, es una interesante decisión convocar a Rocco Siffredi dos veces en roles que requieren escenas sexuales explícitas. ¿Es esta una decisión autorreflexiva?

CB: No, pero es un rol muy complicado, y ningún actor francés lo pudo hacer. Rocco actúa con todo su cuerpo y su mente, lo que es una clase de perfección.

KM: El film empieza con una declaración que sirve como descargo de responsabilidades en la que se manifiesta que el cine construye un espacio ficcional y que la actriz es sustituida por un doble en muchas de las escenas.

CB: Esto es porque la actriz requirió por contrato que se dijera que ella no tuvo sexo con Rocco. Escribí especialmente esta introducción en esos términos para ser ambigua con el espectador.

KM: Yo lo leo como un juego tuyo con los censores. Para mí el film es en gran parte una representación del cuerpo como sujeto y objeto a la vez, con close-ups de partes del cuerpo, sus fluidos, su proceso de disolución y desmembramiento, como en los films de Pasolini. Leo esta declaración inicial como una diferenciación entre los actores, esa gente con carreras, y sus cuerpos, que son objetos.

CB: Sí, eso es totalmente cierto. Muchos de los close-ups están encuadrados para que solo veas partes del cuerpo y no puedas decir si son realmente los actores. Y de esto se trata el juego. Cuando pones esa clase de afirmación en la pantalla, cuando dices “El parecido con cualquier persona viva o muerta es pura coincidencia”, estás mintiendo, porque los realizadores siempre toman su inspiración de la vida.

Y filmar Anatomía del Infierno fue una pesadilla.

KM: ¿Cómo?

CB: Días y noches, la gente que de hecho estuvo inmersa en el film no se podía librar de él. Un portugués y muy católico miembro del equipo me dijo que esta película le impedía dormir por las noches. Rocco era demasiado para él. No podía observarlo o separar el Rocco real de la imagen de Rocco. Fue muy difícil, y yo tenía que tener cuidado con mucha gente en el set, porque estábamos afrontando un cierto fundamentalismo, donde mirar el cuerpo de la mujer tal como es realmente asusta a la gente. Creo que el film tendrá una recepción violenta. Estoy segura de que el odio y la furia vendrán del stablishment fundamentalista. Espero que no me asesinen.

KM: ¿Si esas imágenes y temas pueden inspirar semejante odio y miedo, cuál es tu responsabilidad al producirlas?

CB: Creo que los artistas tienen el imperativo de mostrar esas imágenes, porque todas las imágenes de sexo y cuerpos que vemos están dañadas por la perversión. Solo hay un punto de vista sobre el sexo, y es lo pornográfico. Y creo que ese es solamente el punto de vista de una pésima industria y que los artistas tienen la responsabilidad de representar el sexo desde otro punto de vista. Es por eso que yo tengo que dirigir, y lo que debo hacer es mostrar imágenes que no son mostrables.

KM: ¿Cómo una autora, estás creando una nueva clase de cine, un nuevo género?

CB: Este es un film único. Nadie ha hecho lo mismo. Creo que el otro cineasta que está trabajando con esto es David Cronenberg, particularmente en su film eXistenZ (1999), en el que estaba tratando de desafiar y cambiar los códigos estéticos alrededor de la representación del sexo. Cuando tú miras objetos orgánicos, como cuerpos sexuados, te llenas de miedo y vergüenza. Una vez que te has acostumbrado, no hay miedo o vergüenza que experimentar, entonces has cambiado los códigos estéticos y desde ahí has creado una nueva estimación de la moralidad. La estética es moda. Eso es lo que quiero mostrar, como Cronenberg, y por las mismas razones, ya que Cronenberg dijo que hizo eXistenZ luego de pensar acerca del moralismo, la estética, y más que de la sexualidad, del sexo. Creo que la visión del sexo es tan terrible para los puritanos porque el sexo pertenece a la intimidad, y la intimidad pertenece a lo individual, y no es algo que pertenezca al infierno, al miedo colectivo. El Infierno tiene una anatomía, y es el cuerpo de una mujer.

Tomado de Senses of Cinema. Noviembre 2004.

(Traducción: Mario Castro)


Ver o no Ver: Maniquíes abyectos

Martes 13 - 6.00pm

Anatomía del Infierno (Anatomie de l’enfer) - Francia, 2004
En Francés con subtítulos en Inglés

Lugar: Auditorio de Humanidades - PUCP, San Miguel

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Thursday, March 08, 2007

MUESTRA DE CINE EN LA PUCP, DESDE EL MARTES



MANIQUÍES ABYECTOS
Muestra Cinematográfica en la Universidad Católica

INFORMACIÓN GENERAL

Duración: Del martes 13 de Marzo al jueves 22 de marzo del 2007
Lugar: Auditorio de Humanidades PUCP - San Miguel
Hora: 6:00 PM
Ingreso Libre (*)

PROGRAMACIÓN

PRIMERA SEMANA

Martes 13
Anatomía del Infierno (Anatomie de l’enfer)
Francia, 2004
Dirección: Catherine Breillat.
En Francés con subtítulos en Ingles


Miércoles 14
Ruleta China (Chinesisches Roulette)
Alemania, 1978
Dirección: Rainer Werner Fassbinder.
En Alemán con subtítulos en Español


Jueves 15
Voces Distantes (Distant Voices, still lives)
Reino Unido, 1988
Dirección: Terence Davies.
En Inglés con subtítulos en Español


Viernes 16
Tokyo Decadence (Topâzu)
Japón, 1992
Dirección: Ryu Murakami.
En Japonés con subtítulos en Inglés

SEGUNDA SEMANA

Lunes 19
Oscuro (Sombre)
Francia, 1998
Dirección: Phillipe Grandrieux
En Francés con subtítulos en Español

Martes 20
Reminiscencias de un Viaje a Lituania (Reminiscences of a Journey to Lithuania)
EEUU, 1972
Dirección: Jonas Mekas
Narrada en Inglés sin subtítulos


Miércoles 21
La Noche se Mueve (Night Moves)
EEUU, 1975
Dirección: Arthur Penn
En Inglés con subtítulos en Español


Jueves 22
El Teniente Corrupto (Bad Lieutenant)
EEUU, 1992
Dirección: Abel Ferrara
En Inglés con subtítulos en Español


Cortometrajes de Stan Brakhage
(proyección especial antes de algunas funciones)

Ver o No Ver
Cine Selecto para No Distraídos

Contactos e informaciones
Fonos: 93487305
Mail: veronover1@yahoo.com


Diseño y diagramación del afiche: Enrique Vivar y Ulises Quiroz(Máquina)


(*) La entrada a todas las funciones es gratis. Si no eres estudiante o trabajador de la PUCP, deberás inscribirte previamente para que tu nombre aparezca en la lista de invitados que se encontrará en la puerta de ingreso de la Universidad, en el campus de Pando.
Envía un mail a lacinefilianoespatriota@yahoo.com, adjuntando tu nombre completo y DNI. Gracias.

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Wednesday, March 07, 2007

PELÍCULAS EN CABLE. MARZO


Ojalá llegues a tiempo hoy, porque Rossellini, Allen, Chabrol, Fellini, Lynch, Trier, Vidor y Schlöndorff estarán haciendo fila por aparecer en tu TV. Nos demoramos un poco en enviarte esta lista, pero esperamos que la puedas aprovechar aún. Se viene Ghobadí y Coixet. Atento a ese Viernes 16 de lujo. Además, durante el mes pasarán dos películas de directores que estaremos revisando en la Muestra de Cine VER O NO VER. Maniquíes Abyectos, en el campus de la PUCP: Juegos Peligrosos (Abel Ferrara) y House of mirth (Terence Davies). No te las pierdas, y tampoco te pierdas la Muestra. Más abajo, secciones especiales. Llene esa agenda, cinéfilo.
Mié. 7
Viva Italia. Dir: Roberto Rossellini (Europa Europa) 10.05
La última noche de Boris Grushenko. Dir: Woody Allen (The Film Zone) 12.10
Madame Bovary. Dir: Claude Chabrol (Europa Europa) 14.30
Reunión de viejos. Dir: Volker Schlöndorff (Film & Arts) 15.00
El cuentero. Dir: Federico Fellini (Eurochannel) 16.00
La ciudadela. Dir: King Vidor (TCM) 18.00
Dogville. Dir: Lars von Trier (Europa Europa) 20.00
El hombre elefante. Dir: David Lynch (Retro) 23.30
Jue. 8
El cuentero. Dir: Federico Fellini (Eurochannel) 00.00
Reunión de viejos. Dir: Volker Schlöndorff (Film & Arts) 01.00 / 08.00
Temporada de caballos borrachos. Dir: Bahman Ghobadí (Europa Europa) 15.00
Fight Club. Dir: David Fincher (FOX) 23.00
Vie. 9
Fight Club. Dir: David Fincher (FOX) 04.00
El talentoso Sr. Ripley. Dir: Anthony Minghella (HBO) 07.00
Código 46. Dir: Michael Winterbottom (Cinecanal) 22.00
No va más. Dir: Claude Chabrol (Europa Europa) 22.00
Sáb. 10
Las amigas. Dir: Michelangelo Antonioni (Eurochannel) 01.30 / 05.00
Garden State. Dir: Zach Braff (Cinecanal) 04.15
House of mirth. Dir: Terence Davies (Europa Europa) 13.50
Bonny y Clyde. Dir: Arthur Penn (Retro) 15.25
Código 46. Dir: Michael Winterbottom (Cinecanal) 20.00
Dom. 11
En el corazón de la mentira. Dir: Claude Chabrol (Europa Europa) 20.00
Lun. 12
Las uvas de la ira. Dir: John Ford (TCM) 16.20
La femme de Gilles. Dir: Fréderic Fonteyne (Cinemax) 17.30
The killing. Dir: Stanley Kubrick (Retro) 23.35
Mar. 13
Nuestros años felices. Dir: Sydney Pollack (Film & Arts) 04.00 / 13.00 / 18.00
Quiz Show. Dir: Robert Redford (HBO) 05.15
Eterno resplandor de una mente sin recuerdos. Dir: Michel Gondry (CGC) 18.00
Dogville. Dir: Lars von Trier (Europa Europa) 22.00
La conversación. Dir: Francis Coppola (Retro) 22.10
Mié. 14
Crash. Dir: David Cronenberg (CGC) 00.30
Das Boot. Dir: Wolfgang Petersen (HBO) 07.00
Una vida por otra: Maximiliano Kolbe. Dir: Krzystof Zanussi (Europa Europa) 16.25
El tigre y el dragón. Dir: Ang Lee (CGC) 20.00
Jue. 15
Cosas que nunca te dije. Dir: Isabel Coixet (Europa Europa) 10.00
Vie. 16
En la sombra de una duda. Dir: Fritz Lang (TCM) 00.05
ExistenZ. Dir: David Cronenberg (Cinemax) 00.15
El cuentero. Dir: Federico Fellini (Eurochannel) 01.30
Detrás de los olivos. Dir: Abbas Kiarostami (Europa Europa) 12.40
En el corazón de la mentira. Dir: Claude Chabrol (Europa Europa) 22.00
Sáb. 17
Juegos peligrosos. Dir: Abel Ferrara (Cinecanal) 01.35 / 23.40
Nuestros años felices. Dir: Sydney Pollack (Film & Arts) 13.00
Viva Italia. Dir: Roberto Rossellini (Europa Europa) 13.05
Madame Bovary. Dir: Claude Chabrol (Europa Europa) 17.30
Dom. 18
Nuestros años felices. Dir: Sydeney Pollack (Film & Arts) 01.00
Sin Fin. Dir: Krsysztof Kieslowski (Eurochannel) 15.00
Temporada de caballos borrachos. Dir: Bahman Ghobadí (Europa Europa) 18.35
Garden State. Dir: Zach Braff (Cinecanal) 21.40
Carandiru. Dir: Héctor Babenco (TNT) 23.45
Lun. 19
El hombre que nunca estuvo. Dir: Joel & Ethan Coen (TNT) 02.45
Sin Fin. Dir: Krsysztof Kieslowski (Eurochannel) 07.00
Das Boot. Dir: Wolfgang Petersen (HBO) 14.30
Mar. 20
House of mirth. Dir: Terence Davies (Europa Europa) 17.35
La habitación del hijo. Dir: Nanni Moretti (TNT) 23.30
Mié. 21
House of mirth. Dir: Terence Davies (Europa Europa) 02.40
Jue.22
Das Boot. Dir: Wolfgang Petersen (HBO) 12.30
Expreso de medianoche. Dir: Alan Parker (Film & Arts) 19.00 / 22.00
Vie. 23
Las amigas. Dir: Michelangelo Antonioni (Eurochannel) 05.00
Bonny y Clyde. Dir: Arthur Penn (Retro) 13.00
Sáb. 24
Una vida por otra: Maximiliano Kolbe. Dir: Krzystof Zanussi (Europa Europa) 08.00
El talentoso Sr. Ripley. Dir: Anthony Minghella (HBO) 10.15
The Incredibles. Dir: Brad Bird (HBO) 21.00
Dom. 25
Cosas que nunca te dije. Dir: Isabel Coixet (Europa Europa) 13.15
Carrie. Dir: Brian de Palma (Retro) 23.00
La caída del imperio americano. Dir: Denys Arcand (The Film Zone) 23.00
Lun. 26
El cuentero. Dir: Federico Fellini (Eurochannel) 05.00
La caída del imperio americano. Dir: Denys Arcand (The Film Zone) 05.50
La vida es una obra en construcción. Dir: Wolfgang Becker (Eurochannel) 16.00 / 22.00
Detrás de los olivos. Dir: Abbas Kiarostami (Europa Europa) 16.20
Destinos cruzados. Dir: George Cukor (TCM) 18.05
El golpe. Dir: George Roy Hill (Retro) 20.00
Melinda & Melinda. Dir: Woody Allen (Cinecanal) 20.00
Mar. 27
Crash. Dir: David Cronenberg (CGC) 00.00
Madame Bovary. Dir: Claude Chabrol (Europa Europa) 10.10
Viva Italia. Dir: Roberto Rossellini (Europa Europa) 17.45
Rumble fish. Dir: Francis Coppola (Retro) 20.00
Corre, Lola, Corre. Dir: Tom Tykwer (CGC) 22.00
Mié. 28
Drugstore Cowboy. Dir: Gus van Sant (TNT) 01.45
Temporada de caballos borrachos. Dir: Bahman Ghobadí (Europa Europa) 09.40
Ella usaba una cinta amarilla. Dir: John Ford (TCM) 14.30
Secretos y mentiras. Dir: Mike Leigh (Europa Europa) 20.00
Jue. 29
Secretos y mentiras. Dir: Mike Leigh (Europa Europa) 02.35
Quiz Show. Dir: Robert Redford (HBO) 13.00
El Pasajero. Dir: Michelangelo Antonioni (Film & Arts) 21.30
Vie. 30
El Pasajero. Dir: Michelangelo Antonioni (Film & Arts) 00.30
Ed Wood. Dir: Tim Burton (TNT) 02.00
House of mirth. Dir: Terence Davies (Europa Europa) 09.50
Sáb. 31
Carrie. Dir: Brian de Palma (Retro) 03.30
Dancer in the dark. Dir: Lars von Trier (Europa Europa) 17.30
Los engreídos del mes
Howl´s moving castel. Dir: Hayao Miyazaki
(Cinemax) Sáb 10, 18.30 – Mé. 14, 16.45 – Sáb.17, 01.00 – Dom. 18, 13.00 – Vie. 23, 20.00 – Lun. 26, 19.00
Doctor Mabuse, el jugador. Dir: Fritz Lang
(Retro) Sáb. 10, 08.00 – Lun 12, 01.30 – Sáb.17, 08.00 – Lun. 19, 01.00 – Sáb.24, 08.00 – Lun. 26, 01.00 – Sáb 31, 08.00
Kung Fu Sion. Dir: Stephen Chow
(HBO) Lun. 12, 13.15 – Sáb. 17, 15.45 – Jue. 22, 02.45 – Mar. 27, 16.45 – Vie. 30, 13.00
De actor a director
Illuminata. Dir: John Turturro (The Film Zone) Mié. 7, 04.30
Lovers. Dir: Jean-Marc Barr (Europa Europa) Jue.15, 03.15 – Sáb. 24, 23.40
Las secuelas de siempre
El imperio contraataca. Dir: Irvin Kershner (Cinecanal) Jue. 8, 11.45
El Padrino II. Dir: Francis Coppola (Cinecanal) Mar. 20, 22.15
Karate Kid 2: El momento de la verdad. Dir: John Avildsen (CGC) Vie. 9, 02.00 – Lun. 19, 16.30 – Mar.20, 02.30 – Vie. 30, 16.00
La venganza de la reina de las nieves. Dir: Martin Gates (CGC) Sáb 10, 11.30
Felpudos
La caravana del valor. Dir: John Korty. (FOX) Sab.10, 12.00 – Mar.27, 10.00 / 14.00
Los ositos cariñosos. Dir: Arna Selznick (The Film Zone) Vie.16, 12.50 – Mar. 20, 12.50
Para tus viejos
De aquí a la eternidad. Dir: Fred Zinneman. (Film & Arts) Mar.27, 04.00 / 13.00 / 18.00 – Sáb. 31, 13.00
The terms of endearment. Dir: James Brooks (The Film Zone) Jue. 8, 23.00 – Vie.9, 05.30 – Jue. 22, 23.00 – Vie. 23, 07.20
Lo que el viento se llevó. Dir: Victor Fleming (TCM) Lun. 12, 21.30
Y para tus enemigos... que bien podrían ser tus viejos
La caída de Fujimori. Dir: Ellen Perry. (HBO) Mié.28, 00.45
La historia de MC Hammer. Dir: Artie Mandelberg (TNT) Sáb. 10, 06.00... Inolvidable.
(Fernando V.R.)

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Friday, March 02, 2007

MANIQUÍES ABYECTOS. Muestra de Cine en la PUCP


VER O NO VER
Ciclo: Maniquíes Abyectos
(*)


Anatomía del Infierno (Anatomie de l’enfer)
Habla, Catherine: "La pornografía no existe. Lo que existe es la censura que define a la pornografía y la separa de la porción restante de lo que es cine. A menos que nosotros, como raza, aceptemos que somos pornográficos..."

Dirección y Guión: Catherine Breillat, basada en su propia novela (Pornocratie)
Productores: António Da Cunha Telles
Cinematografía: Yorgos Arvantis, Guillaume Schiffman
Montaje: Pascale Chavance
Dirección Artística: Jean-Marie Milon, Pedro Sá Santos
Elenco: Amira Casar, Rocco Siffredi, Alexandre Belin
Francia, 2004
77 minutos. Color
"La pornografía es el acto sexual completamente sacado de contexto y hecho producto consumible usando los sentimientos y emociones más bajas de la gente cuando en realidad el acto sexual engloba emociones, respeto por el compañero, placer, etcétera, lo que no existe en la pornografía. El cine pornográfico no existe. No hay cine en la pornografía. No tiene actores porque éstos no propagan emoción. Son sólo carne".
Día: Martes 13 de Marzo
Hora: 6:00 p.m.
Lugar: Auditorio de Humanidades de la PUCP
*
Ruleta China (Chinesisches Roulette)

Papá anda con otra y mamá con otro. Hay que juntarlos a todos para que se conozcan. En Fassbinder, el melodrama (trufado de ironía) es un campo magnético de gloriosa gelidez. La cámara es un robot, que aprendió ballet. Los rostros son ominosos a plena luz del día. El juego de la verdad dentro de una casa de campo puede tener consecuencias imprevisibles.

Dirección y Guión: Rainer Werner Fassbinder
Productores: Michael Fengler, Barbet Schroeder, Jean-Francois Stevevin
Cinematografía: Michael Ballhaus
Música: Peer Raben
Montaje: Ila Von Haspberg
Dirección Artística: Helga Ballhaus, Peter Muller, Kurt Raab
Elenco: Margit Carstensen, Anna Karina, Macha Meril, Alexander Allerson, Brigitte Mira, Ulli Lommel
Alemania, 1978
86 minutos. Color
"Que debía hacer muchas películas ya lo sabía desde que era muy pequeño. Sólo puedo decirle que la primera toma que hice en mi vida fue más estupenda que el orgasmo más estupendo que haya tenido jamás. Fue una sensación indescriptible". (...) P: ¿Considera que los enfermos mentales son una carga para nuestra sociedad? RWF: En nuestra sociedad no hay nadie que no sea un enfermo mental.
Día: Miércoles 14 de Marzo
Hora: 6:00 p.m.
Lugar: Auditorio de Humanidades de la PUCP

*

Voces Distantes (Distant Voices, still lives)

Si te hundes en la memoria, el único tesoro, el de lo que te es más íntimo y más precioso, te será revelado. Evocadora y autobiográfica, "en el mundo antes de Elvis; y de Liverpool, antes de los Beatles", retrata, a veces, con delicadeza inaudita, a una familia y a una época. O cuando un puñado de melodías te definen. La fe de Davies se cifra en las emociones humanas.

Dirección: Terence Davies
Producción: Jeniffer Howarth, Colin Mc Cabe
Cinematografía: William Diver, Patrick Duval
Música: Canciones populares de los 40’s y 50’s
Montaje: William Diver
Elenco: Freda Dowie, Lorraine Ashbourne, Pete Postlethwaite

Inglaterra, 1988
85 minutos. Color
Cuando hizo Distant Voices, Still Lives fue duro para la familia. Algunos de sus hermanos y hermanas sintieron que era un error exponer a su padre, que era un asunto privado. « Pero mi madre dijo: "Él contó la verdad". Eso fue fantástico. Ella era una mujer fantástica. No había amargura en ella ».
Día: Jueves 15 de Marzo
Hora: 6:00 p.m.
Lugar: Auditorio de Humanidades de la PUCP
*

Tokyo Decadence (Topâzu)
Arty porn. Más bien existencial que erótica. Estilizada y exótica. Amén de explícita. Una chica inocente se gana la vida procurando satisfacción a clientes sadomasoquistas. Retrato frío de la soledad en las "grandes" ciudades. Y de la función anodina del sexo en las sociedades más desarrolladas.


Dirección y Guión: Ryu Murakami, basado en su propia novela
Producción: Chosei Funahara
Cinematografía: Tadash Aoki
Música: Ryuichi Sakamoto
Montaje: Kazuki Katashima
Elenco: Miho Nikaido, Sayoko Amano, Masahiko Shimada
Japón, 1992
135 minutos. Color
« La sociedad japonesa restringe y fuerza a la uniformidad. La gente entonces no tiene otra elección que obedecer para obtener la protección de la comunidad. Bajo esos valores la mayoría no comprende el individualismo. Se usa la palabra como "oponerse a las masas". Pero individualismo significa que uno no debe obedecer órdenes desde arriba ciegamente, sino oponerse a ellas si no las acepta a la luz de su propio juicio ».

Día: Viernes 16 de Marzo
Hora: 6:00 p.m.
Lugar: Auditorio de Humanidades de la PUCP
*
Oscuro (Sombre)
¿De veras, puedes ver? ¿Qué ves? ¿Lo sabes? Ver es no ver bien lo que estás viendo. Imaginar lo que no has visto, lo que temes. Lo que tal vez jamás verás. El cine es cuerpo, confusión fructífera de los sentidos. Cortes, saltos, escenarios que cambian, texturas densas y angustia. Piérdete en el caos. Lo crudamente oscuro. Una historia clara es una insensatez o una utopía.
Dirección: Phillipe Grandrieux
Guión: Sophie Fillieres, Philippe Grandrieux, Pierre Hodgson
Producción: Catherine Jacques
Cinematografía: Sabine Lancelin
Música: Alan Vega
Montaje: Francoise Tourmen
Elenco: Marc Barbé, Elina Löwhensohn, Géraldine Voillat
Francia, 1998
112 minutos. Color
"¿Qué buscamos, desde las primeras señales impresas en piedra? (...) Qué intentamos alcanzar, tan febrilmente, con esta obstinación y sufrimiento, a través de la representación, a través de las imágenes, si no es abrir el cuerpo de la noche, su masa opaca, la carne con la que pensamos - y presentar a la luz, a nuestros propios rostros, el enigma de nuestras vidas - ".
Día: Lunes 19 de Marzo
Hora: 6:00 p.m.
Lugar: Auditorio de Humanidades de la PUCP
*


Reminiscencias de un Viaje a Lituania (Reminiscences of a Journey to Lithuania)
Portavoz-inventor-militante-cineasta del movimiento underground neoyorkino, Jonas Mekas se juega a fondo por la introspección cinematográfica. Su cámara viaja siempre atenta a los detalles del camino, de las personas, de las ciudades. Las imágenes resultan bellas o caóticas, y casi siempre movidas y cortas. Su cine es uno de rastros de la memoria que terminan volviéndose viajes y viceversa. No mucho de reproducción "genuina" de la realidad; altera de manera significativa la imagen, dejándole huellas, mostrando que ha sido tratada, elaborada.

Dirección, Guión, Cinematografía y Montaje: Jonas Mekas
Elenco: Meter Kubelka, Annette Michelson
EEUU, 1972
88 minutos. Color
« Quizá sean las palabras crítico y criticar las que tan a menudo nos confunden. ¿Quién nos ha puesto en la cabeza que un crítico debe criticar? He llegado a una conclusión: el mal y la fealdad se cuidarán solos; es el bien y la belleza lo que necesita de nuestros cuidados. Es más fácil criticar que prestar cuidados. ¿Por qué elegir el camino más fácil? Fue Barbara Wise quien me dijo el otro día, y tenía razón: "El crítico de cine no debería explicar de qué se trata la película, tarea realmente imposible, sino ayudar a crear la actitud adecuada para ver la película" ».
Día: Martes 20 de Marzo
Hora: 6:00 p.m.
Lugar: Auditorio de Humanidades de la PUCP
*

La Noche se Mueve (Night Moves)
Ahora se sabe. Película clave de los setentas. Menospreciada en su época. El cine negro más sombrío. Realista, detallista, lenta, desesperada: amarga. Recoge la peculiar sensación de paranoia y derrota moral post-Watergate. Una de las mejores y más sutiles performances de Hackman.
Director: Arthur Penn
Guión: Alan Sharp
Productores: Gene Lasko, Robert M. Sherman
Cinematografía: Bruce Surtees
Música: Michael Small, Willie Colón (no acreditado)
Montaje: Dede Allen
Elenco: Gene Hackman, Jennifer Warren, Susan Clark
EEUU, 1975
100 minutos. Color

"Mi cine solo refleja la violencia que existe en los Estados Unidos". ¿Su director favorito? Orson Welles. ¿De cuál de sus películas se siente más orgulloso? De Night Moves, con Gene Hackman. Refleja el estado emocional de aquellos tiempos, justamente después de la retahíla de asesinatos.
Día: Miércoles 21 de Marzo
Hora: 6:00 p.m.
Lugar: Auditorio de Humanidades de la PUCP
*

El Teniente Corrupto (Bad Lieutenant)
Tuve la idea rumiando por largo tiempo: la historia de un tipo que tiene todos los vicios que te puedas imaginar, más una placa. Siempre llego ahí en los términos del personaje. Es el poder de ser un policía, y es dinamita. Y luego nunca salió de mi cabeza la historia de la monja violada.
Director: Abel Ferrara
Guión: Abel Ferrara, Zoe Lund
Productores: Edward R. Pressman, Mary Kane
Cinematografía: Ken Kelsch
Música: Joe Delia
Montaje: Anthony Redman
Elenco: Harvey Keitel, Victor Argo, Paul Calderone
EEUU, 1992
96 minutos. Color
¿Cuánto espacio le asignas a la improvisación en tu trabajo? AF: Todo es improvisado. Escribir un guión es improvisar: te sientas frente a un papel en blanco y qué es lo que haces, le dices "Hola". "Cómo estás". "Bien". "Grandioso". Improvisas contigo mismo. (...) Ferrara filma su mejor película, en estado de gracia pecadora y lucidez drogadicta. Le tomó el hermoso y poco numeroso tiempo de dieciocho días.
Día: Jueves 22 de Marzo
Hora: 6:00 p.m.
Lugar: Auditorio de Humanidades de la PUCP
*
CORTOS de Stan Brakhage
(proyección especial antes de algunas funciones)
Elimina la narración lineal. Manipula el celuloide. Píntalo. Ráyalo. Reemplázalo. Visión hipnagógica: aquello que podemos ver cuando cerramos los ojos. Impresión de siluetas, reflexión lumínica, percepción interior. Collage y vértigo. Una cita con tu ojo mental.
Programador del ciclo: Enrique Vivar
Equipo de Producción: La Cinefilia No Es Patriota
(*) La entrada a todas las funciones es gratuita. Si no eres estudiante o trabajador de la PUCP, deberás inscribirte previamente para que tu nombre aparezca en la lista de invitados que se encontrará en la puerta de ingreso de la Universidad. Envíanos un mail a lacinefilianoespatriota@yahoo.com, adjuntando tu nombre completo y DNI. Gracias.
(Selección de textos: Mario Castro)

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