UN MALDITO CINEASTA: ABEL FERRARA

Se termina el ciclo MANIQUÍES ABYECTOS en el Auditorio de Humanidades en la PUCP, segunda versión de la Muestra VER O NO VER, dirigida por Enrique Vivar, seleccionador de títulos tan valiosos como extraños.

Esta muestra, además, cuenta con la participación casi mínima

minúscula

diminuta

ínfima de este blog.

El día Jueves 22, a las 6.00pm, termina la Muestra con la proyección de Un maldito policía, de Abel Ferrara. La recomendamos con mucho entusiasmo y los dejamos con dos textos referidos a este alucinado film.

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Abel Ferrara resume: "Tipos como Harvey Keitel y Christopher Walken están en el límite, justo en el límite. Y están ahí fuera sin red".

Algunos críticos afirman que el teniente de Keitel -que prefiere liquidar a los sospechosos y robarles el dinero para mantener su hábito al "crack" antes que resolver los casos- constituye un retrato sin precedentes de un hombre en las cimas de la degradación, hasta un nivel nunca visto con anterioridad en las pantallas.

Pero Keitel, siempre dispuesto a defender sus personajes cinematográficos, explica: "trata sobre la dificultad del viaje a través de la vida, la dificultad de vivir sin pecado. Este hombre sufre, está atormentado. Su vida es un vacío".

Pero, ¿hasta dónde se está preparado para llegar en la descripción de ese pecado? "Aquella jeringa era de verdad, se lo aseguro. Clavársela en el cuerpo es como un acto de autoviolación. Pero me encontraba preparado para llegar casi a cualquier parte por este guión. Cuando lo leí, fue como conocer a un tipo que sabes que se convertirá en tu amigo."

(Tomado de "Woman", Número 36)

http://usuarios.iponet.es/dardo/keitel.txt

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UN MALDITO POLICÍA
de Abel Ferrara

Tienes que haber estado solo mucho tiempo. Tienes que haber conocido la ciudad. Haber andado, observado. Tienes que haber sido humillado en lugares públicos, haber sido amenazado continuamente. Tienes que haber odiado a tu familia, a tus amigos, a tu profesión. Sobre todo, tienes que haberte odiado a ti mismo. Y mucho. Y durante mucho tiempo. Porque si no ha pasado eso contigo, este cine te parecerá “interesante”, “coherente con su universo”, underground, es decir, cine que sí-logra-transmitir-lo-que-pretende. Vete por donde viniste si vas a usar ese discurso como éste para un cine como éste en madrugadas como ésta.

Cine brutalmente honesto. Cine lleno de grietas. Drogas, putas, gritos. Tienes que haber estado en el fondo, haber sido muy miserable, haberte sentido muy solo, más que solo. Tan dolido que no te quedó otra que recurrir a Dios. Tan amargo que cuando lo viste únicamente pudiste insultarlo. Después, hasta el Cristo te dio la espalda, y lo hizo con placer. Horriblemente solo.

Y tienes que, oh paradoja, sentir cariño por el mundo. En ese caso, saldrás del cine y te meterás a una peluquería a raparte la cabeza. Y después, llorarás.

(Fernando V.R.)

OSCURO, UNA PELÍCULA PARA MONSEÑOR CIPRIANI

OSCURO (SOMBRE) DE GRANDRIEUX

HOY EN LA PUCP, 6PM

Es un juego de los cinéfilos el hacer rankings, valoraciones, listas de las mejores y las peores películas, escenas, actuaciones, partituras, etc. Y una de esas listas es la que se refiere a las mejores óperas primas en la historia del cine. Tenemos las de siempre: Citizen Kane y À bout de soufflé. Transgresora: Eraserhead. Fresca: Reservoir Dogs. Contemporánea: La Ciénaga… En fin, los títulos que quieran. En mi caso, luego de lo contemplado anoche, es momento de quitar una de las anteriores (a Welles, por ejemplo) e incluir la siguiente obra: Sombre (Oscuro, 1998), la primera película del francés Philippe Grandrieux.

Poco se sabe de él y lo que se conoce no es suficiente. No convencen las sumillas que resumen su cine al estudio del cuerpo, de sus medidas y realidades. No convence el mismo Grandrieux cuando dice que lo que le interesa es “…el cuerpo, el ritmo, la carne, el peso del cuerpo, los huesos, todo aquello con lo cual pienso, su relación con la luz. Eso me interesa, no decir: ´Voy a contar la historia de un tal…` En esa narrativa de personajes no creo”. No es suficiente. Veo Sombre y sé que hay mucho que no se nos dice. (¿Por qué se nos va a decir todo, por otro lado? Grata exigencia). No se dice, por ejemplo, que la forma y el fondo es lo mismo y, en Sombre, lo carnal es mucho más que una afanosa exploración del cuerpo; es, principalmente, el terreno sobre el que se enfrentarán dos eternos rivales, tan antiguos como la Vida misma: el Demonio y el Ángel. Y en ese estadio mundano, como es lógico, Satán juega de local.

Ángel: Criatura incorpórea, admitida por el neoplatonismo, que sirve de intermediaria entre Dios y las criaturas corpóreas. ¿No existe algo más que un hálito de santidad en el personaje de la agraciada Claire (Elina Löwensohn)? No únicamente por saber que se trata de una virgen, como confiesa su hermana mientras ofrece su cuerpo a la Bestia. En una escena maravillosa, Jean (Marc Barbé) se levanta a dos putas de un cabaret para llevárselas a un terreno abandonado. Mientras hace bailar a una a la luz de los faros, va asesinando a la otra dentro del auto. El acto se interrumpe: Claire aparece y lo observa con profunda piedad. Ella es el Cristo, no le hace falta decir nada, basta con esa mirada tan cristiana, tan llena de compasión. Naturalmente, bajo la mirada divina, Jean debe soltar a su presa (¿cómo pecar con Dios tan cerca?), aunque decide vengarse pronto.

Demonio: Ángel malo, desterrado del paraíso espiritual, expulsado al universo de lo profano. ¿Qué cine puede acercarse a explorar el mundo instintivo sino aquél que tiene en lo corporal su piedra de toque? Todas esas elucubraciones formales que aparecen en la pantalla (brillos, desenfoques, abstracciones de hojas y cabellos, rayas complejas y apresuradas herederas del cine de Brakhage) aparecen cada vez que el director nos aproxima al interior de Jean, la Bestia. Su apariencia es humana, pero sus sentidos actúan distinto que los nuestros. Sus ojos ven lo que nosotros no vemos, aunque al frente tengamos el mismo objeto. Sus oídos se exaltan de una manera animal, algo que nosotros jamás conseguiríamos.

Es eso, un animal herido, humillado, angustiado por la cercanía de lo divino. ¿Por qué se le ocurre ahora a Su Santidad aparecer en mi vida?, se debe preguntar. No puede mirarla a los ojos. La venganza: hacer que Claire pierda su virginidad. La maltrata. La emborracha a la fuerza. Uno siente que la va a hundir villanamente. ¿Qué es el Demonio sino la eterna sombra de Dios, reflejo fallido de lo perfecto, condenado metafísicamente a la derrota? Y, sin embargo, en esta nueva versión del Bien y el Mal, podemos ir, sin duda, más allá y descubrir que a estas alturas de la humanidad, ya no estamos para Dioses de ningún bando.

¿Puede haber alguien más malvado que la Bestia? Grandrieux dice que sí. Jean quiere hacerle perder la virginidad a la santa, pero se topa con dos burgueses seductores que resultan mucho peor que él, tan villanos que se ve forzado a rescatar al Ángel de esas atrevidas manos. ¡Ya no se le respeta ni a él!

Además, ¿qué le pasa a esa muchacha, al inicio tan pura y melancólica? Le empieza a gustar lo terrenal: le gusta el disfraz de bestia salvaje que el otro guarda en su mochila, le va gustando emborracharse y bailar, es ella quien lo busca y prácticamente ella quien inicia lo que esperábamos fuera una violación terrible y maligna… La civilización de cabeza. Los ojos brillosos del Demonio empiezan a apagarse. La arrogante pureza del ¿Ángel? desapareció y con ella, la sombra celosa empieza a desvanecerse.

Por eso, vaya paradoja, la Bestia tiene que expulsar a Claire de la Tierra. Que regrese a su divinidad rápidamente. Si desaparece lo perfecto, ¿en quién va a reflejarse el Mal, a quién envidiar? El Príncipe de las Tinieblas presiente la verdad: Dios ha muerto –hace rato- y la derrota, la real y definitiva, es inminente.

En otra ciudad, el Ángel conversa con una madre y se entera que el amor ideal está enfermo, como todo lo platónico. Recién toma conciencia del cáncer humano. La cámara se eleva sobre su rostro y Claire-Elina parece ascender, nuevamente y para siempre, a la bóveda celeste, un Cielo que para la Bestia no es sino un espacio por donde los aviones vuelan y nada más. Mientras ambos recuperan fuerzas, nosotros estamos sentados al borde de la pista, testigos impasibles de este enfrentamiento.

El cine de Grandrieux no es solamente un cine del cuerpo. Una competencia de ciclismo, presente durante toda la película, puede hacernos pensar lo contrario. Sin embargo, lo cerebral también late ahí, especialmente ahí, a causa de una razón contundente por lo simple que es: las competencias que trascienden son de resistencia y no de velocidad. Para ganarlas, seas hombre o dios, tienes que dosificar las energías. Por encima de lo carnal siempre aparece la maldita Razón. Sombre es la mirada más extrema que he visto sobre esta tragedia.

Fernando Vílchez Rodríguez

TOKYO DECADENCE: LA VERDAD ES QUE ME DA PLACER INSULTARTE

VER O NO VER
Ciclo: Maniquíes Abyectos

トパーズ (Tokyo Decadence – Topâzu). Dirección y Guión: Ryū Murakami; basado en su propia novela. Producción: Chosei Funahara. Cinematografía: Tadash Auki. Música: Ryuichi Sakamoto. Montaje: Kazuki Katashima. Elenco: Miho Nikaido, Sayoko Amano, Masahiko Shimada.

Japón, 1992.135 minutos. Color.


El primer trabajillo del amigo Murakami, la novela corta Azul casi transparente, escrita cuando aún era estudiante, trata de honorables temas como la promiscuidad y el consumo de drogas entre la juventud japonesa. Aclamada por los señores críticos como un nuevo estilo de literatura, considerada por otros señores críticos como decadente, la verdad no la sabemos, pero si nos la piden (

lacinefilianoespatriota@yahoo.com) se las enviamos conchudamente gratis (e-book, traducción al inglés). Y luego nos cuentan.

Les informamos con placer que además, la impecablemente torcida y divertida-a-lo-Vértigo, Audition (1999), filmada por ese sujeto inefable llamado Takashi Miike, también pertenece a la testa de Murakami.


A continuación, algunas reacciones de espectadores y críticos around the globe:

“Muy erótica y enferma al mismo tiempo. Si conmueve, es sobre todo por la inocencia da Ai, el personaje principal. Su búsqueda del verdadero amor y la felicidad actúa en duro contraste con la vida nocturna de Tokyo, atravesada de sexo perverso y toneladas de cocaína”.

“La película lo fetichiza todo hasta el punto de volverlo abstracto”.

“Muy útil para gente interesada en sexualidad, cultura y roles de género. Proporciona ejemplos perfectos de cómo el poder nos pervierte y/o excita”.

“Film intrigante, difícil de ver, pero de una gran riqueza y belleza visuales y gratificantes capas subtextuales”.

“Hay sexo explícito, pero rara vez estimulante, tal vez porque cada encuentro está impregnado de dolor. Si logras conectarte con la protagonista, el film tendrá en ti mucho mayor impacto del que esperas”.

“Seis sesiones de bizarras aventuras sexuales. Abusada física y mentalmente por sus clientes, creo que la importancia de esta película radica en la visión de la cultura sexual japonesa de los noventas. El status de las mujeres en una sociedad puede ser entendido a través de prácticas sexuales degradantes. Pero si quieres ‘sexo’ mejor vete a ver El Imperio de los Sentidos”.

“Nunca he estado en Tokyo, pero este film me hizo sentirme ahí. La ciudad luce moderna y saludable pero, debajo de todo eso, sin alma, materialista”.

“La mejor línea de todo el film viene de una de las putas (raro, ¿no?). Ella afirma que los japoneses son gente muy sana, pero sin orgullo. Esa falta de autoestima, creo, explica la conducta de los clientes”.

“Igual que otros films asiáticos de los noventas, Tokyo Decadence combina una historia cruda y obscena con una elegancia visual innegable”.

“Está altamente cargada de un sentido de lo literario; es casi como escuchar una cinta de audio de tu autor favorito leyendo su propio libro, pero aún más visceral”.

“Nada menos que un absorbente estudio social que –conscientemente o no– traza claros paralelos entre el poderoso sentido del ceremonial que penetra la cultura japonesa y las más secretas ceremonias que ocupan su vida nocturna”.

“Carente del rigor filosófico, intelectual y emocional de, por ejemplo, un Oshima, este sinsentido desvergonzado y voyerista resulta finalmente tan incoherente y poco iluminador como su trillado tema.

“El film está tan ocupado en mostrar el cuerpo semidesnudo de la protagonista de una manera tan frívola y maliciosa que se olvida de una caracterización más profunda y de un mejor desarrollo del plot”.

“¿El director no pudo realizar un film que no estuviera simplemente construido alrededor de una eterna ilustración?”

Diálogos para estúpidos: ‘La verdad es que me da placer insultarte’. ‘Mi sueño es violar a una muerta’. ‘Estrangúlame y córremela’. ´Profesora Ai por favor entréneme bien duro’.

Murakami: “La sociedad japonesa restringe y fuerza a la uniformidad. La gente entonces no tiene otra elección que obedecer para obtener la protección de la comunidad. Bajo esos valores la mayoría no comprende el individualismo. Se usa la palabra como "oponerse a las masas". Pero individualismo significa que uno no debe obedecer órdenes desde arriba ciegamente, sino oponerse a ellas si no las acepta a la luz de su propio juicio”.

Filmografía:
Kagirinaku tōmeini chikai burū – Almost transparent blue (1979)
Daijōbu mai furendo – All right, my friend (1983)
Raffuruzu Hoteru – Raffles Hotel (1989)
Topāzu – Tokyo Decadence (1992)Kyoko – Because of you (2000)

Si no llegaste a verla, no intentes. No está en Polvos.

CAFÉ LUMIERE, HOY, CINEMATÓGRAFO DE BARRANCO

Este mes estamos dedicados a las proyecciones de distintas películas por la ciudad. El día de hoy, el Cinematógrafo de Barranco nos da la posibilidad de proyectar la película CAFÉ LUMIÈRE. La cita es a las 6.45pm.

A continuación, algunas notas que Lorena Cancela, inteligente y simpática analista argentina, escribió luego de ver este film de Hou Hsiao-Hsien en el gran marco del Festival de Rotterdam.

Además, no se olviden que en el ciclo Maniquíes Abyectos, el día de hoy se proyecta VOCES DISTANTES, de Terence Davies, a las 6pm, en el Auditorio de Humanidades de la PUCP.

- - -

(...)

PARA TERMINAR: CAFE LUMIERE

Durante el festival, pude hacerle una pequeña entrevista a Claire Denis. En ella le pedí que me contará con qué película se había sentido movilizada. Me respondió: ¿Hoy? Y yo asentí: Sí, hoy. Más allá de que no todo el mundo puede responder a una pregunta con otra pregunta, lo que me agradó de la respuesta de Claire fue el hecho de compartir en silencio que las películas nos hablan HOY, que nuestros cánones fílmicos cambian con los días, con las cosas que no pasan ...

Mucho me habían hablado de Rotterdam. Pero como ocurre la mayoría de las veces, la realidad de las cosas es un poco distinta a la realidad del relato. Quiero decir, no todas las películas que vi (y como quedó sentado a lo largo de este recorrido) creo que aportan algo a la cultura fílmica y no todas las conversaciones que tuve, o intenté tener, con algunos colegas, fueron realmente interesantes o me aportaron algo.

Rotterdam para mí terminó con Café Lumière. Porque fue la última película que vi, porque me alegró saber que Hou sigue siendo un gran cineasta, y porque terminó de justificar que sí, que valió la pena haber estado en Rotterdam. También porque, y me voy a permitir usar la frase ‘por suerte’, todavía con las obras de determinados cineastas puedo alienarme, o identificarme lo suficiente, como para seguir creyendo que el cine puede explicar, o mostrar, algo de la experiencia humana en toda su vastedad. Al igual que Millennium Mambo (2001), la última película de Hou está protagonizada por una chica. En este caso, por una chica de clase media que quiere ser escritora y que llega de viaje de Taiwán al Japón. Ella está embarazada, pero les informa a sus padres que no se va a casar con el padre de su hijo porque, entre otras cosas, está muy pegado a su mamá. Por otro lado, tiene un amigo que trabaja en una librería donde venden libros usados y con el que comparten el gusto por escuchar cierto tipo de música y una pasión por los trenes. Hasta allí lo que se puede describir de Café Lumière.

Lo otro (lo más importante) lo que no se podría describir del todo porque hay que vivenciarlo, son los paseos de ellos en los vagones, los sonidos del tren, los planos secuencia, la profundidad de campo, las telas que se mueven con el viento, cómo se ven las cosas bajo la luz del día, las relaciones corporales entre padres e hija, la distancia corporal entre ella y su amigo, los gestos ... Los cambios generacionales.

Café Lumière es un homenaje de Hou a Yazujiro Ozu y anhelo poder volver a verla otra vez.

Por eso, quiero terminar mi crónica sobre este festival agradeciéndole a Hou Hsiao-hsien por haberme hecho recordar mi vida como hija, por haber alimentado mi deseo por el cine, por la sonrisa con la que me fui de la sala al finalizar Café Lumière: la última película que vi en Rotterdam 2005.

Lea la crónica completa de Lorena Cancela aquí:

http://www.civilcinema.com/critica.cgi?c=173

FASSBINDER, HOY EN LA PUCP (6pm)

RULETA CHINA
de Rainer Werner Fassbinder

Espero que tu generación
pueda algún día avergonzarse
de la nuestra

UNO

“Papá está con otra mujer y mamá con otro hombre. Hay que juntarlos a todos para que se conozcan.” (MCC)

El trueno Fassbinder lanzó su mirada sobre la burguesía alemana… y esto es solamente el enorme pretexto para –una vez más- exigir profesionalmente/exprimir emocionalmente a los miembros de su ya histórica tropa quienes, sin duda, se planteaban retos antes de pensar en una historia, o quizá horas antes del propio rodaje, retos como a ver, filmemos media película encerrados en este salón.

Bah, Buñuel hizo toda una película así. Pero ahora súmale a la licuadora El año pasado de Marienbad y agrégale todo el alcohol que es Fassbinder y estate atento a la maravilla de trago que resulta. No viene con soda ni hielo. No es un Gin Fizz. Demasiado intelectual. Tampoco un Daiquiri de durazno con sombrillita incluida. Exageradamente puto. Ruleta china: Si esta película fuera un trago, ¿cuál sería?

DOS

“La cámara es un robot, que aprendió ballet.” (MCC)

Michael Ballhaus alista la cámara y propone seis movimientos. Rainer se emociona. Kurt Raab reclama que lo esperen para terminar unos detalles. Rainer se impacienta. Margit Carteasen ensaya el timing de sus pasos. Rainer aplaude. Peer Raben deambula tratando de ir avanzando en su cabeza. Rainer mira el techo. ¿De dónde saca tanta energía?

Cínica y encantadora, la clase burguesa aparece retratada en una película igual de exquisita, por una cámara igual de calculada, bajo una luz igual de resplandeciente, envuelta por una música igual de hipnotizadora. Cada juego de miradas es un clímax permanente. Nada como la frialdad para incitar orgasmos. Cine con rostro de mujer, pero no de ésas que llevan el sexo grabado en el rostro. Tampoco de ésas que se esconden muy mal en la inocencia. Ruleta china: Si esta película fuera una mujer, ¿quién sería?

Y TRES

Unos chicos de colegio entrevistaron a Fassbinder:

¿Cree en la existencia de vida extraterrestre?

Sí.

¿Cómo se imagina su vejez?

No creo que llegue a ella.

¿Cómo reacciona a la crítica negativa?

Positivamente.

¿Considera que los enfermos mentales son una carga para la sociedad?

En nuestra sociedad no hay nadie que no sea un enfermo mental.

¿En qué circunstancias haría un gran sacrificio?

Por amor.

¿Qué estudios tiene?

Ninguno.

¿Estaría dispuesto a adoptar un niño que necesitara cuidados?

No.

¿Cuál es la última vez que se sintió confundido y por qué?

Me siento confuso siempre que me mira un hombre uniformado.

¿Cuál es el juego de la sociedad que más le gusta?

El juego de la verdad.

Hablar de la sociedad es algo tan serio que uno debe tomárselo divertidamente. Nuestros mayores se mueren de cáncer mientras se celebran entre ellos. No han hecho ni bien ni mal. No han ganado una guerra, tampoco la han perdido. No hemos prosperado, tampoco nos hemos hundido más. Ningún brillo en las artes, en las letras, en las ciencias sociales. Tampoco nada para avergonzarse. Nos obligan a vivir de la moda: el pisco, el futbolista en Europa, el festival latinoamericano. También hay que encerrarlos a que se vean las caras y ver si dicen algo honesto al fin.

Y esperar que salga uno de ellos, tan solo uno, basta con uno, para que nos suelte los versos de Luis Hernández: “Espero que tu generación / Pueda algún día avergonzarse / De la nuestra”. Ruleta china: Si…

(Fernando Vílchez Rodríguez)

MARTES 13: ANATOMÍA DEL INFIERNO

Ángeles del infierno: una entrevista a Catherine Breillat

sobre Anatomie de l'enfer

Kevin Murphy: Un motivo recurrente en tu trabajo son las mujeres envueltas en relaciones con hombres que se rehúsan o que son incapaces de satisfacer sus deseos sexuales. Estoy interesado en por qué la mujer de Anatomía del Infierno recoge a un hombre de un club gay.

Catherine Breillat: Más que por deseo, lo que ella está buscando es su identidad sexual, su “yo”. Para ella, él es una suerte de imagen. No es un club para homosexuales, es un club donde los hombres van juntos, hombres a los que no les gusta la compañía de las mujeres, y hay muchos lugares en el planeta en donde a los hombres no les gustan las mujeres. Es una alegoría.

KM: Puedes hablarnos sobre la relación contractual que se desarrolla entre ellos.

CB: Esencialmente, ella le está pagando a él para observarla en situaciones en las que ella no puede ser observada. Es como la teoría de Pitágoras, que postula que no puedes observar aquello que no es observable. Estamos constantemente observándonos a nosotros mismos y conscientes del hecho de que la sociedad siempre está observándonos, pero la dificultad está en el intento de observarnos a nosotros mismos de una manera diferente de la que estamos acostumbrados por la sociedad. Si no puedes amarte a ti mismo, no puedes amar a nadie. Esta mujer está pagando a este hombre para que sea el primer chico en la Tierra en mirarla a ella. Ellos recrean la primera noche y la primera mujer, como Adán y Eva.

KM: Esto es muy interesante, porque en este film tú invocas mucho la iconografía clásica y religiosa.

CB: Lo hago, y pienso que por esto, no pude encontrar a una actriz que pudiera tener sexo explícito con Rocco Siffredi –ninguna–. Todas se negaron, tal vez porque vivimos en una época muy represiva. El ordenamiento moral está sobre nosotros y de manera dura sobre mí y mi trabajo. Tuve que hacer este film como una pintura sagrada. Tuve que pintar mi Caravaggio.

Este film va a generar una respuesta llena de odio porque es sobre aspectos prohibidos de la religión, más del Judaísmo que del Catolicismo. De hecho, es una versión de la Torá, una ilustración de la sección sobre la mujer. Leí la Torá luego de filmar, y me di cuenta que este pasaje de la Torá es la visión opuesta de este mismo tema, palabra por palabra una ilustración del cuerpo femenino, la menstruación. Es sobre la impureza, sobre la sangre. La mujer en este film representa a Cristo.

KM: La puesta en escena de Anatomía del Infierno es como un sueño, como un espacio figurativo.

CB: Intenté que pareciera un sueño, cargado de significados simbólicos, donde cada cosa que es un símbolo es nuestra verdad pero no es la realidad. Realidad y verdad no son la misma cosa. La verdad es más emblemática de la condición humana, creo. Como en Romance, este film te permite entrar a una nueva dimensión, una que conduce a la fantasía. Cuando hablas sobre sexualidad, siempre estás trabajando en una dimensión fantástica.

KM: Este film, como el primero, Una chica de veras joven, ha sido adaptado de tu propia novela. ¿Cómo trasladas estas representaciones del sexo y los cuerpos, desde la página a la pantalla?

CB: El tema esencial o la idea de la puesta es: un hombre y una mujer sentados en un cuarto. No hay romance. Puedes escribir un guion con cosas como "ella yace en la cama, está extendiendo sus piernas, él está observándola, y está realmente horrible." Tuve que encontrar otro camino para escribir el guion con poesía, una especie de poesía que pudiera ilustrar perfectamente el tema. Por eso escribí el libro Pornocratie, como una forma de dejar fluir el lenguaje poético del guion. La escritura del guion me llevó a la escritura de la literatura. Al final guardé el original del guion, y solo añadí la voz en off y las últimas cinco páginas de mi propio libro. Esto porque la película es casi un film mudo. Todas estas escenas tienen que ser mudas, porque todos esos pasajes líricos y diálogos tienen que ser traducidos a una luz metafórica y metafísica, literalmente traspuestos a una luz cinemática. Cuando ves los grandes films silentes como los de Murnau, te das cuenta de la primacía de la imagen en el film; es la imagen la que es emblemática de lo que de hecho está ocurriendo.

KM: La voz en off es única porque habla tanto por la mujer como por el hombre. ¿De dónde viene y de quién es?

CB: ¡Soy yo! Primero tuve esta extremadamente extensa voz en off a lo largo del film, y mi editora estaba furiosa, y le dije que podía cortar lo que quisiera y mantener solo lo que era necesario. Eso hicimos. Y luego hicimos una prueba de pantalla para cuatro o cinco personas, con la voz en off hablada por Rocco y Amira, y fue bien, pero es mejor cuando soy yo, porque cuando son ellos, se lee como un film psicoanalítico, y yo odio la psicología (risas).

KM: Y además lo hace muy personal, tú tan presente en el film.

CB: Cuando ruedo una película, siempre me proyecto a mí misma en uno de los personajes, ya sea primero en el hombre o en la mujer, y Anatomía del Infierno es la primera película en mi carrera en la que mi voz y mis pensamientos vienen del hombre, no de la mujer. Yo soy el cuerpo de Rocco y solo estoy imperceptiblemente en Amira; ella es como un yo que está muy lejos. Usualmente me identifico con las mujeres, con Ane Parillaud, con Roxane Mesquida, con Anaïs Reboux, con Caroline Ducey. Yo estoy en sus cuerpos. Pero aquí yo ocupo el cuerpo de un hombre, y la mujer es más un ejemplo, como un obelisco o una pintura. Como muchos de mis films, Anatomía del Infierno es un film sobre la iniciación, pero en este caso, es el hombre quien es iniciado.

KM: A despecho de las visiones reduccionistas de tu trabajo como pornografía por los conservadores, es una interesante decisión convocar a Rocco Siffredi dos veces en roles que requieren escenas sexuales explícitas. ¿Es esta una decisión autorreflexiva?

CB: No, pero es un rol muy complicado, y ningún actor francés lo pudo hacer. Rocco actúa con todo su cuerpo y su mente, lo que es una clase de perfección.

KM: El film empieza con una declaración que sirve como descargo de responsabilidades en la que se manifiesta que el cine construye un espacio ficcional y que la actriz es sustituida por un doble en muchas de las escenas.

CB: Esto es porque la actriz requirió por contrato que se dijera que ella no tuvo sexo con Rocco. Escribí especialmente esta introducción en esos términos para ser ambigua con el espectador.

KM: Yo lo leo como un juego tuyo con los censores. Para mí el film es en gran parte una representación del cuerpo como sujeto y objeto a la vez, con close-ups de partes del cuerpo, sus fluidos, su proceso de disolución y desmembramiento, como en los films de Pasolini. Leo esta declaración inicial como una diferenciación entre los actores, esa gente con carreras, y sus cuerpos, que son objetos.

CB: Sí, eso es totalmente cierto. Muchos de los close-ups están encuadrados para que solo veas partes del cuerpo y no puedas decir si son realmente los actores. Y de esto se trata el juego. Cuando pones esa clase de afirmación en la pantalla, cuando dices “El parecido con cualquier persona viva o muerta es pura coincidencia”, estás mintiendo, porque los realizadores siempre toman su inspiración de la vida.

Y filmar Anatomía del Infierno fue una pesadilla.

KM: ¿Cómo?

CB: Días y noches, la gente que de hecho estuvo inmersa en el film no se podía librar de él. Un portugués y muy católico miembro del equipo me dijo que esta película le impedía dormir por las noches. Rocco era demasiado para él. No podía observarlo o separar el Rocco real de la imagen de Rocco. Fue muy difícil, y yo tenía que tener cuidado con mucha gente en el set, porque estábamos afrontando un cierto fundamentalismo, donde mirar el cuerpo de la mujer tal como es realmente asusta a la gente. Creo que el film tendrá una recepción violenta. Estoy segura de que el odio y la furia vendrán del stablishment fundamentalista. Espero que no me asesinen.

KM: ¿Si esas imágenes y temas pueden inspirar semejante odio y miedo, cuál es tu responsabilidad al producirlas?

CB: Creo que los artistas tienen el imperativo de mostrar esas imágenes, porque todas las imágenes de sexo y cuerpos que vemos están dañadas por la perversión. Solo hay un punto de vista sobre el sexo, y es lo pornográfico. Y creo que ese es solamente el punto de vista de una pésima industria y que los artistas tienen la responsabilidad de representar el sexo desde otro punto de vista. Es por eso que yo tengo que dirigir, y lo que debo hacer es mostrar imágenes que no son mostrables.

KM: ¿Cómo una autora, estás creando una nueva clase de cine, un nuevo género?

CB: Este es un film único. Nadie ha hecho lo mismo. Creo que el otro cineasta que está trabajando con esto es David Cronenberg, particularmente en su film eXistenZ (1999), en el que estaba tratando de desafiar y cambiar los códigos estéticos alrededor de la representación del sexo. Cuando tú miras objetos orgánicos, como cuerpos sexuados, te llenas de miedo y vergüenza. Una vez que te has acostumbrado, no hay miedo o vergüenza que experimentar, entonces has cambiado los códigos estéticos y desde ahí has creado una nueva estimación de la moralidad. La estética es moda. Eso es lo que quiero mostrar, como Cronenberg, y por las mismas razones, ya que Cronenberg dijo que hizo eXistenZ luego de pensar acerca del moralismo, la estética, y más que de la sexualidad, del sexo. Creo que la visión del sexo es tan terrible para los puritanos porque el sexo pertenece a la intimidad, y la intimidad pertenece a lo individual, y no es algo que pertenezca al infierno, al miedo colectivo. El Infierno tiene una anatomía, y es el cuerpo de una mujer.

Tomado de Senses of Cinema. Noviembre 2004.

(Traducción: Mario Castro)

Ver o no Ver: Maniquíes abyectos

Martes 13 - 6.00pm

Anatomía del Infierno (Anatomie de l’enfer) - Francia, 2004
En Francés con subtítulos en Inglés

Lugar: Auditorio de Humanidades - PUCP, San Miguel

MUESTRA DE CINE EN LA PUCP, DESDE EL MARTES

MANIQUÍES ABYECTOS
Muestra Cinematográfica en la Universidad Católica

INFORMACIÓN GENERAL

Duración: Del martes 13 de Marzo al jueves 22 de marzo del 2007
Lugar: Auditorio de Humanidades PUCP - San Miguel
Hora: 6:00 PM
Ingreso Libre (*)

PROGRAMACIÓN

PRIMERA SEMANA

Martes 13
Anatomía del Infierno (Anatomie de l’enfer)
Francia, 2004
Dirección: Catherine Breillat.
En Francés con subtítulos en Ingles


Miércoles 14
Ruleta China (Chinesisches Roulette)
Alemania, 1978
Dirección: Rainer Werner Fassbinder.
En Alemán con subtítulos en Español


Jueves 15
Voces Distantes (Distant Voices, still lives)
Reino Unido, 1988
Dirección: Terence Davies.
En Inglés con subtítulos en Español


Viernes 16
Tokyo Decadence (Topâzu)
Japón, 1992
Dirección: Ryu Murakami.
En Japonés con subtítulos en Inglés

SEGUNDA SEMANA

Lunes 19
Oscuro (Sombre)
Francia, 1998
Dirección: Phillipe Grandrieux
En Francés con subtítulos en Español

Martes 20
Reminiscencias de un Viaje a Lituania (Reminiscences of a Journey to Lithuania)
EEUU, 1972
Dirección: Jonas Mekas
Narrada en Inglés sin subtítulos


Miércoles 21
La Noche se Mueve (Night Moves)
EEUU, 1975
Dirección: Arthur Penn
En Inglés con subtítulos en Español


Jueves 22
El Teniente Corrupto (Bad Lieutenant)
EEUU, 1992
Dirección: Abel Ferrara
En Inglés con subtítulos en Español


Cortometrajes de Stan Brakhage
(proyección especial antes de algunas funciones)

Ver o No Ver
Cine Selecto para No Distraídos

Contactos e informaciones
Fonos: 93487305
Mail: veronover1@yahoo.com

Diseño y diagramación del afiche: Enrique Vivar y Ulises Quiroz(Máquina)

(*) La entrada a todas las funciones es gratis. Si no eres estudiante o trabajador de la PUCP, deberás inscribirte previamente para que tu nombre aparezca en la lista de invitados que se encontrará en la puerta de ingreso de la Universidad, en el campus de Pando. Envía un mail a lacinefilianoespatriota@yahoo.com, adjuntando tu nombre completo y DNI. Gracias.

MANIQUÍES ABYECTOS. Muestra de Cine en la PUCP

VER O NO VER
Ciclo: Maniquíes Abyectos (*)

Anatomía del Infierno (Anatomie de l’enfer)

Habla, Catherine: "La pornografía no existe. Lo que existe es la censura que define a la pornografía y la separa de la porción restante de lo que es cine. A menos que nosotros, como raza, aceptemos que somos pornográficos..."

Dirección y Guión: Catherine Breillat, basada en su propia novela (Pornocratie)

Productores: António Da Cunha Telles

Cinematografía: Yorgos Arvantis, Guillaume Schiffman

Montaje: Pascale Chavance

Dirección Artística: Jean-Marie Milon, Pedro Sá Santos

Elenco: Amira Casar, Rocco Siffredi, Alexandre Belin

Francia, 2004
77 minutos. Color

"La pornografía es el acto sexual completamente sacado de contexto y hecho producto consumible usando los sentimientos y emociones más bajas de la gente cuando en realidad el acto sexual engloba emociones, respeto por el compañero, placer, etcétera, lo que no existe en la pornografía. El cine pornográfico no existe. No hay cine en la pornografía. No tiene actores porque éstos no propagan emoción. Son sólo carne".

Día: Martes 13 de Marzo

Hora: 6:00 p.m.

Lugar: Auditorio de Humanidades de la PUCP

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Ruleta China (Chinesisches Roulette)

Papá anda con otra y mamá con otro. Hay que juntarlos a todos para que se conozcan. En Fassbinder, el melodrama (trufado de ironía) es un campo magnético de gloriosa gelidez. La cámara es un robot, que aprendió ballet. Los rostros son ominosos a plena luz del día. El juego de la verdad dentro de una casa de campo puede tener consecuencias imprevisibles.

Dirección y Guión: Rainer Werner Fassbinder

Productores: Michael Fengler, Barbet Schroeder, Jean-Francois Stevevin

Cinematografía: Michael Ballhaus

Música: Peer Raben

Montaje: Ila Von Haspberg

Dirección Artística: Helga Ballhaus, Peter Muller, Kurt Raab

Elenco: Margit Carstensen, Anna Karina, Macha Meril, Alexander Allerson, Brigitte Mira, Ulli Lommel

Alemania, 1978

86 minutos. Color

"Que debía hacer muchas películas ya lo sabía desde que era muy pequeño. Sólo puedo decirle que la primera toma que hice en mi vida fue más estupenda que el orgasmo más estupendo que haya tenido jamás. Fue una sensación indescriptible". (...) P: ¿Considera que los enfermos mentales son una carga para nuestra sociedad? RWF: En nuestra sociedad no hay nadie que no sea un enfermo mental.

Día: Miércoles 14 de Marzo

Hora: 6:00 p.m.

Lugar: Auditorio de Humanidades de la PUCP

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Voces Distantes (Distant Voices, still lives)

Si te hundes en la memoria, el único tesoro, el de lo que te es más íntimo y más precioso, te será revelado. Evocadora y autobiográfica, "en el mundo antes de Elvis; y de Liverpool, antes de los Beatles", retrata, a veces, con delicadeza inaudita, a una familia y a una época. O cuando un puñado de melodías te definen. La fe de Davies se cifra en las emociones humanas.

Dirección: Terence Davies

Producción: Jeniffer Howarth, Colin Mc Cabe

Cinematografía: William Diver, Patrick Duval

Música: Canciones populares de los 40’s y 50’s

Montaje: William Diver

Elenco: Freda Dowie, Lorraine Ashbourne, Pete Postlethwaite

Inglaterra, 1988

85 minutos. Color

Cuando hizo Distant Voices, Still Lives fue duro para la familia. Algunos de sus hermanos y hermanas sintieron que era un error exponer a su padre, que era un asunto privado. « Pero mi madre dijo: "Él contó la verdad". Eso fue fantástico. Ella era una mujer fantástica. No había amargura en ella ».

Día: Jueves 15 de Marzo

Hora: 6:00 p.m.

Lugar: Auditorio de Humanidades de la PUCP

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Tokyo Decadence (Topâzu)

Arty porn. Más bien existencial que erótica. Estilizada y exótica. Amén de explícita. Una chica inocente se gana la vida procurando satisfacción a clientes sadomasoquistas. Retrato frío de la soledad en las "grandes" ciudades. Y de la función anodina del sexo en las sociedades más desarrolladas.


Dirección y Guión: Ryu Murakami, basado en su propia novela

Producción: Chosei Funahara

Cinematografía: Tadash Aoki

Música: Ryuichi Sakamoto

Montaje: Kazuki Katashima

Elenco: Miho Nikaido, Sayoko Amano, Masahiko Shimada

Japón, 1992

135 minutos. Color

« La sociedad japonesa restringe y fuerza a la uniformidad. La gente entonces no tiene otra elección que obedecer para obtener la protección de la comunidad. Bajo esos valores la mayoría no comprende el individualismo. Se usa la palabra como "oponerse a las masas". Pero individualismo significa que uno no debe obedecer órdenes desde arriba ciegamente, sino oponerse a ellas si no las acepta a la luz de su propio juicio ».

Día: Viernes 16 de Marzo

Hora: 6:00 p.m.

Lugar: Auditorio de Humanidades de la PUCP

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Oscuro (Sombre)

¿De veras, puedes ver? ¿Qué ves? ¿Lo sabes? Ver es no ver bien lo que estás viendo. Imaginar lo que no has visto, lo que temes. Lo que tal vez jamás verás. El cine es cuerpo, confusión fructífera de los sentidos. Cortes, saltos, escenarios que cambian, texturas densas y angustia. Piérdete en el caos. Lo crudamente oscuro. Una historia clara es una insensatez o una utopía.

Dirección: Phillipe Grandrieux

Guión: Sophie Fillieres, Philippe Grandrieux, Pierre Hodgson

Producción: Catherine Jacques

Cinematografía: Sabine Lancelin

Música: Alan Vega

Montaje: Francoise Tourmen

Elenco: Marc Barbé, Elina Löwhensohn, Géraldine Voillat

Francia, 1998

112 minutos. Color

"¿Qué buscamos, desde las primeras señales impresas en piedra? (...) Qué intentamos alcanzar, tan febrilmente, con esta obstinación y sufrimiento, a través de la representación, a través de las imágenes, si no es abrir el cuerpo de la noche, su masa opaca, la carne con la que pensamos - y presentar a la luz, a nuestros propios rostros, el enigma de nuestras vidas - ".

Día: Lunes 19 de Marzo

Hora: 6:00 p.m.

Lugar: Auditorio de Humanidades de la PUCP

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Reminiscencias de un Viaje a Lituania (Reminiscences of a Journey to Lithuania)

Portavoz-inventor-militante-cineasta del movimiento underground neoyorkino, Jonas Mekas se juega a fondo por la introspección cinematográfica. Su cámara viaja siempre atenta a los detalles del camino, de las personas, de las ciudades. Las imágenes resultan bellas o caóticas, y casi siempre movidas y cortas. Su cine es uno de rastros de la memoria que terminan volviéndose viajes y viceversa. No mucho de reproducción "genuina" de la realidad; altera de manera significativa la imagen, dejándole huellas, mostrando que ha sido tratada, elaborada.

Dirección, Guión, Cinematografía y Montaje: Jonas Mekas

Elenco: Meter Kubelka, Annette Michelson

EEUU, 1972

88 minutos. Color

« Quizá sean las palabras crítico y criticar las que tan a menudo nos confunden. ¿Quién nos ha puesto en la cabeza que un crítico debe criticar? He llegado a una conclusión: el mal y la fealdad se cuidarán solos; es el bien y la belleza lo que necesita de nuestros cuidados. Es más fácil criticar que prestar cuidados. ¿Por qué elegir el camino más fácil? Fue Barbara Wise quien me dijo el otro día, y tenía razón: "El crítico de cine no debería explicar de qué se trata la película, tarea realmente imposible, sino ayudar a crear la actitud adecuada para ver la película" ».

Día: Martes 20 de Marzo

Hora: 6:00 p.m.

Lugar: Auditorio de Humanidades de la PUCP

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La Noche se Mueve (Night Moves)

Ahora se sabe. Película clave de los setentas. Menospreciada en su época. El cine negro más sombrío. Realista, detallista, lenta, desesperada: amarga. Recoge la peculiar sensación de paranoia y derrota moral post-Watergate. Una de las mejores y más sutiles performances de Hackman.

Director: Arthur Penn

Guión: Alan Sharp

Productores: Gene Lasko, Robert M. Sherman

Cinematografía: Bruce Surtees

Música: Michael Small, Willie Colón (no acreditado)

Montaje: Dede Allen

Elenco: Gene Hackman, Jennifer Warren, Susan Clark

EEUU, 1975

100 minutos. Color

"Mi cine solo refleja la violencia que existe en los Estados Unidos". ¿Su director favorito? Orson Welles. ¿De cuál de sus películas se siente más orgulloso? De Night Moves, con Gene Hackman. Refleja el estado emocional de aquellos tiempos, justamente después de la retahíla de asesinatos.

Día: Miércoles 21 de Marzo

Hora: 6:00 p.m.

Lugar: Auditorio de Humanidades de la PUCP

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El Teniente Corrupto (Bad Lieutenant)

Tuve la idea rumiando por largo tiempo: la historia de un tipo que tiene todos los vicios que te puedas imaginar, más una placa. Siempre llego ahí en los términos del personaje. Es el poder de ser un policía, y es dinamita. Y luego nunca salió de mi cabeza la historia de la monja violada.

Director: Abel Ferrara

Guión: Abel Ferrara, Zoe Lund

Productores: Edward R. Pressman, Mary Kane

Cinematografía: Ken Kelsch

Música: Joe Delia

Montaje: Anthony Redman

Elenco: Harvey Keitel, Victor Argo, Paul Calderone

EEUU, 1992

96 minutos. Color

¿Cuánto espacio le asignas a la improvisación en tu trabajo? AF: Todo es improvisado. Escribir un guión es improvisar: te sientas frente a un papel en blanco y qué es lo que haces, le dices "Hola". "Cómo estás". "Bien". "Grandioso". Improvisas contigo mismo. (...) Ferrara filma su mejor película, en estado de gracia pecadora y lucidez drogadicta. Le tomó el hermoso y poco numeroso tiempo de dieciocho días.

Día: Jueves 22 de Marzo

Hora: 6:00 p.m.

Lugar: Auditorio de Humanidades de la PUCP

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CORTOS de Stan Brakhage
(proyección especial antes de algunas funciones)

Elimina la narración lineal. Manipula el celuloide. Píntalo. Ráyalo. Reemplázalo. Visión hipnagógica: aquello que podemos ver cuando cerramos los ojos. Impresión de siluetas, reflexión lumínica, percepción interior. Collage y vértigo. Una cita con tu ojo mental.

Programador del ciclo: Enrique Vivar

Equipo de Producción: La Cinefilia No Es Patriota

(*) La entrada a todas las funciones es gratuita. Si no eres estudiante o trabajador de la PUCP, deberás inscribirte previamente para que tu nombre aparezca en la lista de invitados que se encontrará en la puerta de ingreso de la Universidad. Envíanos un mail a lacinefilianoespatriota@yahoo.com, adjuntando tu nombre completo y DNI. Gracias.

(Selección de textos: Mario Castro)

CICLO DE CINE EN LA PUCP - MARZO

No querrás verlas.

Será una sucesión de cuerpos

atormentados/replegados/acosados/impuros.

(Cuerpos divididos... Y también multiplicados.)

Te vendarás los ojos.

Cuerpos que se aniquilan, se autodestruyen.

Y así alcanzan un nuevo estado.

(El más visceral, el más radical.)

Les darás la espalda.

Pero no te resistas.

Es una versión aumentada, mejorada, 2.0.

Es un nuevo CICLO DE CINE que volverá a inquietarte los sentidos.

Esta vez, en la PUCP.

Esta vez, entrada gratuida.

Esta vez, con estrenos impensables.

Esta vez, con cortometrajes antes de algunas funciones.

E incluso, esta vez, si alcanza el dinero, pásate para el brindis.

Todo empieza el 13 de Marzo. Ocho fechas para comentar.

Ah, ¿qué películas serán? En un rato lo sabrás.

LA CINEFILIA NO ES PATRIOTA